外国音乐欣赏

    自古以来,世界各国各民族的文化都具有各自鲜明的特色。在欧洲,由于近代科学技术方面的显著进步和政治经济领域的辉煌成就,欧洲音乐文化也一度成为世界音乐发展史中重要的组成部分。在当今世界的音乐会上,从巴赫到德彪西的音乐作品,始终占有着至尚的地位。然而,音乐文化的发展是多中心的。随着民族音乐学、比较音乐学等新兴学科的崛起,人们开始把研究音乐发展史的目光投向了亚洲、非洲和拉丁美洲。因此,一个对人类音乐文化精华再认识、再发掘的新阶段已经来临。

    欧洲音乐有数千年的历史,它伴随着欧洲各个历史阶段的发展和变革,形成了与当时社会氛围相适应的各类音乐艺术形式和各种风格流派。它所包括的内容与形式之广,作品与史料之多,远非一本教材或一门课程可以概括。欧洲音乐也是全世界人民的财富,是我们学习和掌握音乐文化知识的一股源泉。为此,本篇以欧洲7世纪至20世纪的音乐史期为序,选择各段历史时期的主要音乐家和部分精典作品略作介绍与大家共赏。并根据我们收集整理的有关亚、非、拉美音乐发展史料与作品,在本篇作一简要的分析和探讨。

第一章 古代        第二章 巴罗克        第三章 古典

第四章  浪漫早期  浪漫中期  欧洲歌剧  民族乐派  浪漫晚期

第五章 二十世纪        第六章 亚非拉美

 

 

 

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第一章 欧洲古代音乐(1600以前)

音乐是人类文化之一,它远在人类有语言文字之前就产生了。音乐最初是与人们的劳动、狩猎、战争和拜神等活动联系在一起的,以后随人类社会的演进,逐渐成为了一门独立的艺术。

第一节 古代希腊、罗马的音乐

在古希腊,人们将各种美德都归之于音乐,崇尚那种感召心灵的神奇威力。柏拉图和亚里斯多德曾深入地发展了关于音乐对于情感和道德影响的理论。古希腊人把音乐旋律称为法则(Nomoi),由此指明这是典范、神圣的模式。

在古罗马,音乐文化渊源于公元前5世纪的伊特拉斯坎人音乐,但更多地是吸收了外来的、主要来自古希腊的成果。音乐在古罗马国家的社会生活中起着重要的作用,军队中庞大的乐队成为了炫耀军威、鼓舞士气的工具。古希腊古罗马的音乐有这样一些特点:

1、音乐与诗歌、舞蹈和戏剧有密切的联系;

2、音乐为单声部,不超过两个八度;

3、音乐分声乐、器乐两大类,以声乐为主;

4、题材、体裁多样,宗教世俗并存,以世俗音乐为主,存在多

种音阶调式;

5、出现文字记谱法,标明有音高,但没有记录音乐的节奏;

6、开始有专职音乐家、专门的音乐学校和音乐比赛;

7、创立发展了音乐理论和音乐美学,音乐的社会作用在一定时

期得到了充分的重视。

  公元476年西罗马帝国崩溃,欧洲进入中世纪的宗教统治时期,宗教音乐占据了主导地位。宗教音乐起源于犹太教,希伯莱人高亢、热烈的音乐,很适于表达赞美诗中洋溢的激情。宗教音乐也受古希腊艺术影响,并有吸收东方文化的痕迹。

第二节 格列高利圣咏

为了统一教会的歌曲,罗马教皇格列高利一世(590-604年间的教皇) 就在这一时期制定了配合宗教仪式的唱经本,歌词多出自《旧约.诗篇》的散文,这就是音乐史上著名的“格列高利圣咏”。

“圣咏”拥有一套调式体系,最初时分为八种(即多里亚、下多里亚、弗里吉亚、下弗里吉亚、吕底亚、下吕底亚、密克索吕底亚、下密克索吕底亚)。与古希腊音乐一样,“圣咏”也是单声部音乐,庄严、肃穆、朴实、宽广,用拉丁文演唱。“圣咏”的旋律可分为两类,即朗诵性歌调和旋律性歌调。前者是一种没有伴奏与和声,没有节奏,每个音节时而与一个音符相合,时而又与一组同样时值的音符相合,仿佛是一首单调朴素的练声曲,因而又被称为素歌,现存近3000首。“圣咏”的歌唱现在在教堂中还可以听到。

格列高利艺术产生于世界历史最混乱的时期之一。罗马帝国的分裂,历次大规模的战争、吞并、屠杀、劫掠和瘟疫,以及那古代文明的毁灭,竟成为有利于艺术发展的条件,破天荒地产生了这些和平的歌曲。罗曼· 罗兰说:“没有什么能比这种充满沉思内省的艺术更感人肺腑了!尽管社会动荡,多灾多难,而这种甜美的音乐还是不顾一切地大放异彩。”这种艺术很快得以流行,并统治了整个天主教。

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第二章 巴罗克时期的音乐 (1600--1750)

16世纪文艺复兴末期到18世纪中叶启蒙运动时期,欧洲由封建制度开始向资本主义制度过渡。此间,英国完成了资产阶级革命;法国正经历路易十四的统治;德国刚进入战后复苏期;意大利则外受侵略,内处教会控制之下,各国的政治、经济、文化发展很不平衡。在这样的时代背景下,进步人士继续发扬文艺复兴时期的人文主义精神,追求真理、揭露黑暗、歌颂美好的理想,资产阶级民族意识和观念开始形成,出现了培根、笛卡尔、斯宾诺莎、伽里略和牛顿等伟大的思想家和科学家;出现了莎士比亚、莫里哀、蒙特维尔弟、巴赫和亨德尔等伟大文学家和音乐家。

第一节 巴罗克时期的音乐特点

巴罗克一词源于葡萄牙文“Baroque”,原指珍珠光怪奇异的外形。始用于对意大利雕刻家贝尼尼作品风格的表述,后泛指17至18世纪德国和奥地利盛行的、华丽而辉煌的、融雕刻与绘画为一体的建筑风格。巴罗克一词在18世纪引入音乐评论,借用来描述这一时期与之相比拟的欧洲音乐文化风格,含退化和堕落的贬义。19世纪后被艺术史学家以一种艺术潮流予以肯定,一般指1600~1750年由巴赫和亨德尔发展起来的音乐,即音乐史上的巴罗克时期。巴罗克艺术气度高贵、情调感人,比文艺复兴时期更丰富、更具戏剧性。巴罗克音乐有如下特点:

1、中世纪教会调式体系解体,大、小调式取而代之,以新和声

功能观念形成的数字低音广泛应用,亦称数字低音时代;

2、二部结构原则上音乐发展及织体运动浑然一体,开拓了对位

法;

3、音乐旋律连续展开富于流动性,节奏稳定贯穿乐曲始终,力

度以整体为单位出现强弱、刚柔变化的对比;

4、欧洲音乐的重要体裁初步形成,如歌剧、组曲、奏鸣曲、协

奏曲、清唱剧、康塔塔(大型声乐套曲)已具备经典形式。

16世纪末的意大利,一些具有人文主义思想的音乐家和诗人成立了《佛罗伦萨伙伴》艺术小组,并以复兴古希腊戏剧精神的歌剧《达佛涅》、《欧里狄克》在佛罗伦萨引起轰动。《达佛涅》、《欧里狄克》是现存最早的两部意大利式歌剧,由佩里等创作。两部歌剧都使用了朗诵调、数字低音和小型乐队间奏,并以独唱与合唱相结合的形式展开。至17世纪,威尼斯的蒙特威尔弟开始致力于歌剧戏剧性表现手法的探索,他的歌剧《奥尔甫斯》以极富表现力的声乐和大型乐队而初具交响化,使歌剧艺术渐趋于完美。作为大型综合性艺术的歌剧,真实地、生动地、戏剧性地表达了人的感情。当时,意大利式歌剧在欧洲占有显要的地位,并推动了清唱剧的发展。

清唱剧(Oratorio)亦称“神剧”“圣剧”,起源于16世纪罗马,包括独唱、重唱、合唱和管弦乐,是一种用于舞台演出的多乐章大型宗教性声乐套曲。亨德尔以英雄气概的《圣经》题材创作的清唱剧,将这一体裁引向了历史的高峰。

管弦乐的独立与发展,是巴罗克音乐艺术的另一特色。这一时期的器乐组合形式多样,新型的器乐曲和合奏曲体裁被逐渐固定下来,而且其风格也已逐步形成并不断发展。其中又以科雷利、维瓦尔第、巴赫、亨德尔的奏鸣曲、大协奏曲最具代表性,而运用音乐概括哲理和刻画心理,则是巴赫的伟大创造。

第二节 巴罗克时期的代表人物

一、巴赫 (J.S.Bach 1685--1750)

巴赫1685年3月21日出生于德国爱森纳赫城一个著名的音乐世家。巴赫家族世代书香,家学渊源,两百年来人才辈出。J.S巴赫不但是其中最有成就的,而且成为近代西洋音乐之鼻祖,享有“音乐之父”的圣名。

巴赫的创作生涯可分为三个阶段,第一阶段:自1708年在魏玛宫廷任管风琴师后,创作了许多优秀的管风琴曲和教堂康塔塔。第二阶段:自1717年任克滕宫廷乐长后,创作了大量的器乐作品,著名的《布兰登堡协奏曲》就完成于1721-1723年。第三阶段:自1723年起,巴赫出任莱比锡托马斯教堂乐长,创作了许多辉煌的合唱曲,如著名的《约翰受难曲》、《马太受难曲》、《B小调弥撒曲》等宗教音乐。

巴赫的音乐从不同的角度表述了德国人民的思想和感情,用不同的形象反映了18世纪上半叶德国市民阶层的人文主义先进思想。坚强的意志、崇高的信念、自我牺牲的精神,是巴赫作品所表现的主要内容。巴赫的音乐思维具有高度的逻辑性,每部作品结构严谨、形式完美,密切地将哲学伦理、心理描述与抒情、写景结合起来。他的作品以其丰富的思想内容和深刻的哲理,被奉为西洋音乐史中的经典。

巴赫一生创作了各种形式的音乐作品500余部,在他的音乐创作中,虽然宗教性还起着重要的作用,但他以德意志民族音乐为基础,处理手法常与现实生活相结合,使之更具有现实意义。巴赫从风格上继承和发扬了复调音乐的传统,积极发展了主调音乐与和声功能,并创造了综合声乐器乐的新音乐风格。他是十二平均律的应用者和推广者,是其以前音乐成就的集成者和其以后音乐发展的启迪者,他开创的是音乐史上一个新的纪元。巴赫晚年双目失明,1750年7月28日于莱比锡病逝。

巴赫作品赏析

1、《G弦上的咏叹调》(Air on the G string)

巴赫创作于1729~1731年的《D大调第三组曲》由序曲、咏叹调、加伏特舞曲、布列舞曲、基格舞曲五首乐曲构成,原为包括古钢琴的管弦乐队演奏,第二曲(咏叹调)由弦乐组演奏。1871年,德国小提琴家威廉密将第二曲改编为小提琴独奏曲,将原曲的D大调改为C大调,使乐曲的主旋律完全在G弦上演奏,故称为《G弦上的咏叹调》。整首乐曲旋律质朴、富于表情,具有巴罗克时代夜曲的风格。这首乐曲有多种器乐和乐队改编曲,是曲中之珍品。

乐曲为4/4拍子,慢速,单二部曲式结构。第一部分为六小节乐段,重复一次。旋律悠长抒情,由弱而强,抒发着沉思冥想的心绪,寂静中的长音与回旋十六分音符相结合的旋律,使情绪步步深入,属调上的结束为第二部分作了铺垫。

第二部分共十二小节。前六小节以切分节奏构成的延留音、先现音,增强了沉思的气氛。两次向上八度音程跳跃,使情绪出现激动。

后六小节以坚定有力的节奏模进展开,表现出一种不屈性格,达到全曲的高潮。最后音乐在激动和自信的情绪中园满结束。

2、《第四勃兰登堡协奏曲》(Brandenburg concertos)

1721年,巴赫应勃兰登堡克里斯蒂安·路德维希侯爵之约,创作了六首名为“为几种乐器而写的协奏曲”的作品。但侯爵当时并不珍视它,只作为收藏品冷落一边,巴赫生前从未演奏过。1853年,这些乐曲被人发现,首位为巴赫作传的德国音乐家斯比塔为其加注了“勃兰登堡”的曲名,从此沿用至今。巴赫的六首《勃兰登堡协奏曲》是管弦乐曲的典范之作,也是欧洲管弦乐史上的一个里程碑。

《勃兰登堡协奏曲》是按当时欧洲流行的“大协奏曲”(Concerto grosso)体裁写成。“大协奏曲”一般指几件同类乐器独奏、弦乐组协奏,或两组乐器交替演奏以形成对比的乐曲。但巴赫这套协奏曲又有别于此,他在每首协奏曲中采用了不同的独奏乐器组合,并将六首协奏曲合并成套。他选择的组合,不为求技巧性的效果,而求充分揭示和发掘主题的表现力。为此,他使各种独奏组同乐队融合在统一的主题呈示和发展之中,同时又赋予独奏组以交响发展的规模。这样,这套协奏曲就完全脱离大协奏曲传统的形式,初具早期古典交响乐的因素。

《第四勃兰登堡协奏曲》为G大调,共有三个乐章,独奏乐器组是一把小提琴和二支长笛,但小提琴声部在这里有精巧广阔的发展,占有突出地位,长笛好像只起一种“伴奏”乐器的作用,因此又类似一首小提琴协奏曲。

第一乐章:快板,回旋曲式,3/8拍子,乐曲开始就由两支长笛奏出带有民间舞曲风格的轻盈秀美的主题。

接着,小提琴加入进来。继而扩展至整个乐队。在以后的发展中,小提琴独奏起着主导作用。其中的两个插部都由小提琴独奏担任。

第一插部由小提琴奏出技巧性的十六分音符琶音构成。

第二插部小提琴的旋律上下流动,轻快流畅,富于华彩性。长笛在旋律下方奏着基本主题附和着。

主部第二次再现时移到C大调,之后,运用各种不同的调性展开,色彩性更加强烈,最后回到主调G大调上结束全曲。整个乐章清澈、温柔、典雅、具有浓郁的田园风韵。

第二乐章:行板,3/4 拍子

整个乐章曲调幽雅、旋律流畅、富于诗意,与第一乐章形成了鲜明的对比。主题先由独奏乐器组奏出。

由小提琴与两支长笛构成的“回声”效果,基本贯穿全曲,使乐曲在抒情中又表达田园般的情趣。

第三乐章:急板,2/2拍子

这一乐章是五声部的赋格曲,整个乐章的发展宽广、自由,独奏小提琴的技巧发挥又使音乐显得辉煌。主题先由中提琴奏出,它有着刚毅的性格又显得富有活力,旋律近似第一乐章主题:

在以后的发展中,这个主题陆续在各声部移调出现,独奏小提琴以富有技巧性和华彩性的旋律贯穿始终。虽然它处于对题的位置,但它的旋律进行华丽而色彩丰富,因而显得非常突出。最后,低音弦乐器和古钢琴奏出主题,两支长笛应奏着答题,在乐观的情绪中结束全曲。

二、亨德尔 (G.F.Handel 1685--1759)

亨德尔1685年2月23日出生于宫廷理发师兼外科医生家庭,这位生于德国的英籍作曲家从小就表现出音乐才华。七岁随德国管风琴兼作曲家察豪学音乐,十七岁起从事音乐事业,曾担任过教堂管风琴手、音乐指导、歌剧院乐队小提琴手。亨德尔在音乐创作中,基本掌握了德国17世纪的音乐文献和作曲技法,并通过游历欧洲,接触到了意大利的音乐文化,写出了多部意大利风格的康塔塔和歌剧。他在1711~1712年间两度访英后定居英国,由于英国安妮女王的赏识,亨德尔不久便成为英国音乐界的领导人物。

亨德尔最著名的清唱剧有《以色列人在埃及》、《弥赛亚》、《参孙》、《犹大·马加比》、《约书亚》、《耶夫塔》等,题材大都选自圣经。在这些宗教题材的清唱剧中,蕴藏着亨德尔对英国现实生活的写照,因而倍受英国人民的理解和热爱。亨德尔综合了意大利歌剧、德国清唱剧和英国合唱艺术的传统,运用了在主调和声基础上精湛的复调手法,创造出气势宏伟、充满戏剧性力量的合唱篇章和深切动人、抒情细腻富于表现力的独唱旋律。亨德尔清唱剧英雄般的音乐和史诗般的画面,使这一时期英国音乐得到充分表现,也使他享有了英国“宫廷作曲家”的地位。除清唱剧外,亨德尔的大型管弦乐组曲《水上音乐》、《焰火音乐》等亦具有一定的人民性。

亨德尔的晚年在英国有很高的荣誉,虽双目失明,但仍积极从事社会音乐活动,在逝世(1759年4月14日)前数日,还指挥了《弥赛亚》的演出。亨德尔创作了大量的歌剧、清唱剧、管弦乐曲、管风琴协奏曲和室内乐作品,给人类留下了丰富的音乐文化遗产,并对英国音乐的发展产生了深远的影响。

亨德尔作品赏析

1、合唱曲《哈利路亚》(Hallelujah)

《哈利路亚》是清唱剧《弥赛亚》(1741年)第二部分的终曲,也是《弥赛亚》中最著名的合唱曲。1743年在伦敦首演时,当演唱到《哈利路亚》,莅场的英皇乔治二世深受感动,不禁起立肃听,全场也相继起立,后成为惯例。“哈利路亚”意为赞美神,是基督教徒赞美上帝的欢呼语。这首宗教歌曲气势磅礴,复调与和声紧密结合,主、属音旋律结构配合大跳进行,表现了人类对崇高理念和高尚情操的赞美与歌颂。

全曲分为五段及短小的尾声,D大调,4/4拍。

第一段由八小节组成,有三小节前奏,它用雄伟而富有气势的和声手法写成,唱出了连续的赞美欢呼声,情绪饱满而逐渐高涨。这个动机式的旋律贯穿全曲,在后面的发展中以变化的手法再现。

第二段由同一材料用不同的手法写成的两部分构成。第一部分十小节,像赋格段主题和答题的形式,构成了五度模仿,用混声合唱。第二部分也是十小节,运用第一部分主题旋律进行发展构成的赋格段。主题和答题先后在各声部出现,“哈利路亚”的主导动机穿插其中,气势激昂雄壮。

第三段也分成两个部分,第一部分共八小节,用和声手法构成,节奏、音调平稳,旋律前抑后扬,气氛庄严肃穆。

第二部分共十小节,赋格段,主题在男低音声部先出现,答题先后在男高音、女低音、女高音声部出现。音乐由低向高发展,形成步步高涨的气势。

第四段共十八小节,采用在主旋律下方以伴唱形式发展的手法,伴唱部分又以主导动机与上方构成和声织体,主旋律采用三次向上模仿的形式达到全曲的高潮。

第五段,采用了第三、四段的主题,并保持各自的复调及和声手法相互交替发展而成,持续音乐高潮的展开。

最后的尾声由主导动机构成,在“哈利路亚”的赞美声中热烈地结束全曲。

2、《焰火音乐》(Fireworks Music)

1748年,对奥地利帝位的八年争夺战终以法国被迫与英国议和而告结束。英国为庆祝艾克斯拉沙佩勒条约带来的和平,于1749年4月27日在伦敦格林公园举行盛大焰火晚会,亨德尔为此写了这首适于露天演奏的组曲。当年演出盛况空前,据传有一万二千听众,伦敦桥也因此而堵塞了三小时。整首乐曲表现出法国式明亮开朗的风格,采用序曲和组曲相结合的形式,乐队几乎全用管乐器。后来,亨德尔加入了弦乐部分。20世纪初,哈蒂与麦克拉斯又将其改编为现代交响乐队演奏的乐曲。

乐曲第一部分是庄严雄伟的序曲,D大调,这是放焰火前演奏的。

第二部分是放焰火时演奏的,由一系列含寓意的短曲组成。

题名“欢乐”的快板,活泼而优美。

一段西西里风格悠扬、甜美的缓板,题名为“和平”。

接下来是一段热烈的波莱罗舞曲。

最后,乐曲在两段小步舞曲中结束。

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第三章 古典主义时期的音乐(1750----1820)

18世纪下半叶,随着社会各方面的进步与欧洲资本主义发展进程,德、奥在意识形态领域里蓬勃兴起了启蒙运动,出现了赫尔德、康德、黑格尔、歌德、席勒、莱辛等一大批著名的思想家和文学家。他们提出自己的政治理想、人生哲学和艺术主张,传播法国启蒙学者伏尔泰、卢梭、狄德罗等的政治、伦理和美学思想。人们思想及生活出现的新气象,也影响了当时的音乐创作。在欧洲音乐交流活动中心维也纳,逐渐形成了以海顿、莫扎特和贝多芬为代表人物的“维也纳古典乐派”,他们的伟大成就,构成了18~19世纪之交音乐文化的高峰。

第一节 古典主义时期的音乐特点

古典主义时期音乐的发展在器乐方面成绩比较显著,它完善了一套纯器乐的大型曲式, 如独奏奏鸣曲、二重奏、三重奏、四重奏、室内乐、协奏曲、交响曲。主要特点是:作品具有生活的真实性和鲜明的时代感;曲式结构规范,主题乐思发展严谨,功能和声完善,配器细腻,音色力度变化丰富;作曲技法上创造了动机展开的发展手法,用旋律模进、变速度、变节奏、变调性、变和声织体等,造成乐曲发展趋势。并规范了奏鸣曲式和奏鸣交响套曲。

此外,在古典主义时期还确定了交响乐队的组织形式,形成了完整的双管编制乐队。而在此之前的乐队里,只有弦乐组是完整的。木管乐器、铜管乐器及打击乐有组织的充实到乐队后,加强了乐曲的和声效果,乐队演奏时能产生浑厚、均衡、色彩丰富的音响。这种乐队组织形式一直影响着以后的音乐发展。

【奏鸣曲式】(Sonata form):

奏鸣曲式包括三个部分,即呈示部、发展部、再现部。结构图如下:

     呈示部(A)   展开部(B)再现部(A)

引子+┏──────────┒+┎─────┓+┎───┓+尾声

  主部+连接部+副部+结束 主题变化发展 同呈示部

奏鸣曲式的概念不同于奏鸣曲(Sonata),奏鸣曲是一种多乐章的大型器乐套曲,而奏鸣曲式则是指乐曲的曲式结构。奏鸣曲式是欧洲古典主义音乐家在创作器乐曲作品中最常用的曲式结构之一,通常也是大型器乐套曲(奏鸣曲、重奏曲、协奏曲、交响曲)第一乐章的特征,单乐章式的歌剧序曲和其他独立的器乐作品也采用这种曲式结构。奏鸣曲式是一种以对立统一为基础的结构形式,继承了巴罗克音乐以调性为基础的成就,并使其更富于逻辑性和哲理性,表现的内容更深更广。

(1)呈示部──呈示部是这一结构形式的基础,它呈示两个主题,第一主题在主调上,第二主题通常在属调上,两个主题不仅有情感上的对比,还有调性上的对比。呈示部前可加引子;

(2)发展部──发展部通过各种手法,充分发挥呈示部第一、二主题中具有特征的因素,主要通过调性、调式的对置,复调音乐与主调音乐的处理等,将主题变化成为各种形式,从各个方面进一步体现主题的内涵;

(3)再现部──再现呈示部,但第二主题必须回到主调,使第一、第二主题在调性上获得一致,形成了一个完整的、统一的整体,使主题形象更加完美、突出,曲终可加尾声。只包含呈示部和再现部而没有展开部的奏鸣曲式是它的变体。现代作品往往不墨守上述各种原则。

【奏鸣曲】(Sonata)

一种多乐章器乐套曲,亦称奏鸣曲套曲,由三、四个各具特色的乐章组成。16~17世纪时泛指各种器乐曲,18世纪起指器乐的独奏曲(如钢琴奏鸣曲)或独奏乐器与钢琴合奏的器乐曲(如小提琴奏鸣曲等)。各乐章的基本特点与曲式为:第一乐章快板,奏鸣曲式;第二乐章慢板,变奏曲式、三部曲式或回旋曲式;第三乐章小步舞曲、诙谐曲,或复三部曲式(有时略去);第四乐章快板或急板,用奏鸣曲式、回旋曲式或变奏曲式。奏鸣曲与交响曲的形成和发展有着密切的关系。

【变奏曲式】(Variation form)

是音乐最古老的曲式之一。用同一主题素材,根据乐曲的发展要求而加以变化重复,形成主题──变奏1──变奏2──变奏3……的曲式结构。第一部分主题,是全曲音乐形象的基础,其他各部分都是这一音乐形象的进一步发展。变奏的次数少则四、五次,多则数十次不限,采用旋律、和声、织体和结构多种变奏手法。常用于各种独立的器乐曲或奏鸣曲和交响曲等大型乐曲。

【回旋曲式】(Rondo form)

音乐曲式之一,由同一主部与不同的插部多次循环交替而构成。重复的主题称为“主部”,古称“回旋部”或“叠句”,中间插入的对比乐段称“插部”,古称“对句”。主部反复三次以上,图式为:A(基本乐段)+B(第一插段)+A+C(第二插段)+A……,即两个以上的三部曲式结合。曲式的主部与各个插部之间对比鲜明、段落清楚,插部乐段结构有时并不完整。在奏鸣曲、协奏曲、交响曲等大型套曲中较常见,常用于需要以热烈的气氛结束全曲的最后乐章,也可用于独立的乐曲。

第二节 古典主义时期的代表人物

三、海顿 (J.Haydn 1732--1809)

海顿1732年3月31日出生于奥地利南部的一个小村庄,父亲是一位车匠,海顿六岁在海恩堡教会合唱团接受音乐训练,八岁入维也纳圣斯蒂芬大教堂唱诗班,在那里受到了全面的音乐教育。1754年他师从意大利音乐家波尔波拉学习作曲,1755年第一部弦乐四重奏问世,1759年,应聘担任捷克莫尔津伯爵府邸中的乐队指挥和作曲家,在这年里,海顿创作了《第一交响曲》。

  1761年是海顿一生中的重要转折点,他被邀请到匈牙利贵族P.A.埃斯泰尔哈济亲王的宫廷中任副乐长、乐长。亲王非常爱好音乐,拥有一个管弦乐队,这给海顿的创作提供了极好的机会,在这30年间,海顿创作了约60部交响曲、40首弦乐四重奏、30首钢琴奏鸣曲、11部歌剧、5首弥撒曲等。这些作品深受传统思维影响,带有很强的宫廷浮华风格,结构已采用奏鸣套曲的形式。

1790年以后,海顿的创作日趋成熟并走向高潮,他创作了大量的作品,摆脱了宫廷娱乐性及表面华丽的倾向,形成了严肃性、戏剧性、抒情性和更加个性化、民间化、大众化的风格。他两次出访伦敦,伦敦丰富的音乐生活和资本主义大都市的氛围,带给了海顿新的体验。这期间是海顿创作生涯中的一个里程碑,为扎洛蒙音乐会写下的12部《伦敦交响曲》,达到了他一生创作的最高峰,使伦敦听众为之狂热和敬慕,牛津大学授予他音乐博士学衔。同时,在他第一次访问伦敦路过波恩时,还发现了年轻的音乐天才贝多芬,并收下贝多芬为学生。

1795年8月,六十三岁的海顿第二次从伦敦回到维也纳,继续进行创作,成功地完成了《创世纪》和《四季》两部清唱剧。誉满全欧的海顿在维也纳度过了自己平静而荣耀的晚年,1809年5月31日他病逝于当时已被法军占领的维也纳。

海顿是一位罕见的多产作曲家,他创作了大量的、各种体裁的器乐、声乐作品,但最能体现海顿在音乐史上贡献的是他一生中创作的104部交响曲(另有估计达150部)。其次是弦乐四重奏80余首,钢琴奏鸣曲52首,协奏曲20余部,歌剧18部,清唱剧8部以及12部弥撒曲。在这些创作中,海顿总结了前人的成就,实现了自己的改革,确立了交响曲和室内乐的规范,开创了交响曲的新的主调音乐风格,制定了近代交响乐队的双管编制和配器法原则,奠定了以鲜明的民族性、深刻的哲理性与完美匀称的艺术形式结合的古典主义器乐创作基本原则。海顿是维也纳古典乐派的奠基者。他为后人留下了大量的堪为楷模的音乐作品。

海顿作品赏析

1、《F大调小夜曲》(op.3-5)

海顿的F大调小夜曲选自F大调《第十七弦乐四重奏》的第二乐章,作于18世纪60年代。主旋律全部由第一小提琴担任,弦乐组用拨弦演奏,以模仿情歌式小夜曲用吉它伴奏的音响效果。整部作品优美、典雅、轻松、欢快。用小奏鸣曲式结构写成,一开始就是呈示部的主部,前六小节的主题,风格轻巧、旋律优美。

这个富于歌唱性的主题略加装饰反复后,出现了一个类似连接部的过渡段,紧接着是呈示部的副部,共十四小节。

副部主题在调性上与主部形成对比,并提高了旋律音区,使乐曲进行显得更加轻快,情绪更高涨。

发展部只有八小节,由属调上的主部旋律开始,逐步加以变奏并转回主调。

再现部中出现的是呈示部的两个主题,先以主部音乐结尾的旋律加以变奏、模进、转调,但仍保持清晰、动听的歌唱性旋律;后由副部在C大调上完整地再现;最后,按小奏鸣曲惯例完整重复一次展开部与再现部而结束全曲。这首《小夜曲》明朗动听,常被后人改编为其它的器乐作品来演奏。

2、《D大调第104交响曲》(伦敦交响曲 op.100)

海顿的第104交响曲于1795年完成,为12部扎洛蒙交响曲之七。全曲旋律抒情,感情细腻,配器灵活,这部风俗性的交响曲是他众多交响曲中的代表之作。

第一乐章:慢板~快板,D大调,奏鸣曲式。先由乐队奏出庄严缓慢的号角式引子,接着出现轻快活泼的舞曲性第一主题,表现出一种明朗的风格,这一主题贯穿整个乐章。

第二主题只是第一主题在属调上的重复,素材上没有变化,但在力度上有对比,第一小提琴为主的弦乐器组轻声奏出的旋律刚一结束,乐队全奏就强力地闯入(f或ff),这种手法也是海顿交响曲作品的特点之一。

展开部以第一主题中最活跃的动机的积极发展为基础,用不同的调性、配器等手法进行发展,使主题形象更加突出。

第二乐章:行板、G大调、单主题复三部曲式,这是一个抒情的乐章,淳朴真挚,亲切感人,充满着安谧的气氛。第一部分的基本主题是一支明朗而抒情的旋律。

中间段是基本主题的变化发展。转到g小调上,音乐稍忧郁。再现部作了扩展,调性也做了大胆的变化,音乐回复了明朗的气氛,形象更加生动多彩。

第三乐章:小步舞曲,快板、D大调,用复三部曲式写成,具有玛祖卡舞曲的风格,速度较快,形象活泼。出现在弱拍上的重音使人想起了舞蹈者的踏脚声。

乐章的中段音乐比较柔和,旋律轻盈、平稳,与前后两段形成对比。

第三段是第一乐段的变化重复。

第四乐章:充满活力的快板、D大调、奏鸣曲式,第一主题来自一首流行的克罗地亚民歌,低声部用主音的持续低音以模仿风笛声。这是一幅充满民间生活气息的风俗画。第一主题在这一乐章中起主导作用。

第二主题与第一主题形成对比,这是一个抒情性的主题。

在这部交响曲的终曲中,广泛采用变奏和复调手法,因此更大地促成了音乐的疾速进行,并使整个音乐织体富于力度变化。

【小夜曲】(Serenade)

小夜曲有两种类型:一种源于欧洲中世纪骑士文学,常为青年在黄昏或夜间徘徊于恋人窗前时独唱或独奏的爱情歌曲或器乐曲。曲调委婉、抒情,如舒伯特的《小夜曲》。通常用吉它或曼陀林伴奏,流行于西班牙、意大利等国。另一种绐于18世纪末,常为上流社会达官显贵餐宴时助兴用。通常由乐队合奏,采用奏鸣曲式等形式,曲调轻松、活泼。海顿、莫扎特作有此类小夜曲。

【序曲】(Overture英, Ouverture法; Obertura西)

原指歌剧、清唱剧、戏剧配乐等的开场音乐。17、18世纪的歌剧序曲分法国、意大利两类。法国的作曲家吕利创建慢──快(赋格)──慢(结束段较短)三个乐段组成的复调风格的序曲;意大利作曲家斯卡拉蒂采用快──慢──快(舞曲风格)三个乐段组成的主调风格的序曲。后来,莫扎特、贝多芬等人将歌剧序曲作为慨括全剧的序奏,并采用奏鸣曲式;而法国大歌剧的序曲常摘取歌剧中之精华组成,具有集锦曲的形式。历史上Overture这个词,在巴赫·享德尔时期曾相等于组曲(Suite);海顿时曾相等于交响曲(Symphony)。

【交响曲】(Symphony)

交响曲又称“交响乐”,是音乐中最大型的管弦乐套曲。原词源于古希腊,意为“一齐响”。至中世纪,指两音和谐地结合。公元15~16世纪文艺复兴时期,泛指一切声乐、器乐合演的多声部音乐。到17世纪,这个词开始专门用来称呼纯器乐合奏的音乐,如清唱剧的序曲和间奏。

18世纪上半叶,歌剧序曲开始成为音乐会上单独演奏的曲目,那不勒斯乐派斯卡拉蒂的序曲快--慢--快板为交响乐乐章格式奠下了根基。18世纪中、下叶,曼海姆乐派为三段式序曲增加了快板的终曲,形成了四乐章器乐套曲的雏形。到18~19世纪之交,在维也纳古典乐派奠基人海顿、莫扎特、贝多芬的开拓下,交响曲进入了黄金时代。现代关于交响曲的概念,就是在这个时期形成和确立的。

交响曲一般分为四个乐章,各乐章的结构与特点如下:

第一乐章:快板、奏鸣曲式,富有戏剧性,常表现人们的斗争或创造性的活动,音乐往往建立在两个性格不同的主题对比和发展上。

第二乐章:慢板,二、三段式。变奏或奏鸣曲式,常用抒情的民间素材,具歌唱性,是交响曲的抒情段落。内容往往与深刻的内心感受及哲学思想相联系。

第三乐章:中板、快板或稍快,结构大多是复三部曲式,常用舞曲、小步舞曲或谐谑曲,在古典交响乐中,这一章常给人以闲暇、憩息、游戏等日常生活的景象。

第四乐章:快板或急板,回旋曲式或变奏曲式,有时也用较自由的奏鸣曲式。常表现光辉、乐观、愉快的情绪,有时也表达生活、风俗或人民胜利的节日画面。

交响曲各乐章的内容、形式结构不是一成不变的,它根据作曲家创作的要求而定,如贝多芬的《第六交响曲》有五个乐章,舒伯特的《未完成交响曲》只有两个乐章,而近现代的交响曲也有单乐章或六七个乐章组成的。

四、莫扎特 (W.A.Mozart 1756--1791)

莫扎特1756年1月27日出生于奥地利的萨尔茨堡,父亲是一位宫廷乐师,也是莫扎特最初的音乐教师。莫扎特三岁就显示出了奇异的音乐天赋,四岁学钢琴,五岁作曲,六岁跟着父亲及姐姐到欧洲各地去演出,八岁学写奏鸣曲、交响曲并出版他的音乐作品,十一岁开始创作歌剧,十二岁上台指挥演奏自己的作品。在欧洲音乐的发展史上,这位音乐神童的出现,为当时的维也纳古典乐派增添了光彩。不久, 莫扎特被任命为萨尔茨堡大主教的乐长。

1763年,六岁的莫扎特开始了为期十年的欧洲旅行演出,他到过德国、法国、比利时、英国、荷兰、意大利等国,处处受到热烈的欢迎,被誉为“音乐神童”。这期间,欧洲各国特别是意大利音乐对莫扎特产生了深刻的影响,他结识了许多作曲家,并向他们学习作曲技法,创作了不少音乐作品。1773年,莫扎特离开了意大利,结束了这次旅欧演出。

回到萨尔茨堡后的平凡单调、贫乏音乐活动的生活以及与大主教的矛盾,使莫扎特感到难于忍受,1777年他又一次出去旅行演出。这次从慕尼黑、曼海姆到巴黎的旅程,使他更了解了曼海姆乐派的音乐,与那里的音乐家结下了深厚的友谊,对社会的认识也逐渐深入,因此,创作思想也逐渐成熟。1779年,他返回萨尔茨堡,1781年辞去了萨尔茨堡教堂的音乐职务定居维也纳,成为奥地利历史上第一个有勇气摆脱宫廷和教会,维护个人尊严的自由的音乐家。

在维也纳,莫扎特创作了大量的音乐作品,有赠送海顿的六首弦乐四重奏、著名的第三十九、四十、四十一交响曲,有歌剧《后宫诱逃》、《费加罗的婚礼》、《唐· 璜》《魔笛》……这些作品反映了他对生活、对社会新的认识,反映了他成熟的创作思想,也反映了当时维也纳进步知识分子典型的思想感情。

1791年12月5日,莫扎特最后一部作品《安魂曲》还没完成,他就突然病逝于维也纳。这部作品也是莫扎特给自己三十六岁灵魂的安葬曲。莫扎特短暂的一生,创作出大量的音乐作品,体裁涉及各个领域,留下了许多不朽的杰作。计有歌剧20余部,交响曲50部(其中41部有编号),各种独奏乐器与乐队的协奏曲50余部,钢琴、小提琴奏鸣曲57首,弦乐四重奏23首,还有宗教音乐、嬉游曲等。此外,莫扎特确立了维也纳古典乐派三个乐章的奏鸣曲套曲形式。

莫扎特的音乐创作既有宫廷艺术优雅、高贵的气度,又充满了朴实、明快的青春活力,因此,他的作品音响总是那么纯净、透明而富有激情。在交响曲的创作上,莫扎特着重主题之间和乐章之间的对比,因此,戏剧性比较强烈,思想上也更为积极、深刻。反映了18世纪末德奥知识分子在当时狂飙运动影响下的进步思潮,表现出追求人的自由和尊严、社会的光明和正义、充满乐观向上的精神。

莫扎特作品赏析

1、歌剧《费加罗的婚礼》序曲(op.492)

莫扎特的歌剧《费加罗的婚礼》完成于1786年4月,同年5月在维也纳首次演出。剧本由篷泰根据法国剧作家博马舍的同名喜剧撰写。歌剧主要是描写伯爵的男仆理发师费加罗与伯爵夫人的女仆苏珊娜的纯洁爱情,作者通过喜剧性的爱情故事,深刻、尖锐地提出了反对封建制度的社会问题。在剧中,普通平民以机智、勇敢和胜利的姿态出现在舞台上,而对封建贵族的虚伪、堕落则进行了无情的讽刺、揭露,这部歌剧当时受到了非常热烈的欢迎,也遭到宫廷贵族的不满和禁演。

歌剧《费加罗的婚礼》序曲的主题音乐与歌剧中的音乐没有直接的联系,但在风格上和情绪上与歌剧的内容是一脉相承的。这首序曲是一首妙趣横生的作品,它概括了普通平民的性格特征,烘托了喜剧中胜利的欢乐气氛。从中不难看到费加罗机警、幽默的形象和苏珊娜聪慧、美丽的倩影。

序曲采用省略展开部的奏鸣曲式结构。呈示部的主部由两个主题构成:

第一个主题是稍快急速、性格爽朗的音流。

第二个主题为急板,像是明快、雄健的号声,体现出抒情喜剧的风格。

连接部出现活泼跳跃的节奏和弦,将热烈的情绪推进了一步。

副部也有两个主题,用属调写成。第一主题富有朝气,有一反复出现的音型,象征费加罗不屈不挠争取爱情自由的性格。

第二主题使费加罗勇于斗争的性格表现得更加突出。

结束部旋律优美、细腻,富于歌唱性,刻画了少女苏珊娜的形象。

经过一个短小的连接句,音乐进入再现部,副部的主题在主调上出现,全曲充满了热烈气氛,表现了费加罗战胜封建势力,获得婚姻自由的欢乐情绪。

2、《G大调弦乐小夜曲》(op.525)

莫扎特一生共写了十三首小夜曲,其中最有代表性的是1787年8月创作的《G大调弦乐小夜曲》。这是一部轻快的乐曲,充满了淳朴、真挚的感情。由第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴及倍大提琴演奏。由于它是莫扎特全部小夜曲中唯一用弦乐演奏的,所以被称作《弦乐小夜曲》或《G大调弦乐小夜曲》。它堪称18世纪器乐小夜曲的典范。

这部作品共有四个乐章,第一乐章:快板,奏鸣曲式结构,具有进行曲风格。开始四小节的前奏为号角特征的引子乐句,音调明朗有力,充满信心。

呈示部的主部主题清新、流畅,情绪饱满,颤音的出现更显得生机勃勃。

副部主题由两部分构成,第一部分主题节奏鲜明,连奏、断奏音型交替出现。

第二部分是连续反复的颤音和断奏,幽默而轻巧,蕴含一种自得其乐的情绪。

展开部非常短小,主要以引子乐句和副部主题的第二部分音型展开。

再现部按奏鸣曲式原则,副部主题的调性由属调转为主调,其它基本是呈示部的再现,最后是短小精悍的尾声。整个乐章节奏明快、旋律生动、简洁利落和富有推动力。

第二乐章:行板,是一首抒情的浪漫曲,具有回旋曲式的特征。主题淳朴、抒情、典雅、宽广。

第一插部旋律富于流动性,轻歌曼舞。

第二插部跳音与连奏形成鲜明的对比。

第三插部是全曲中唯一小调性的主题,它运用一个回音音型,连续不断地出现于小提琴与大提琴对答之中,形成高音部与低音部的对比,增加了乐曲的戏剧性。

最后,整个乐章在宁静的气氛中结束。

第三乐章:短小、精致的小步舞曲,复三部曲式结构。

第一部分主题由明快、有力和抒情、流畅两种富于对比性的旋律构成,带有舞曲风格。

第二部分旋律甜美柔和,具有歌唱性。也由两种对比性旋律构成。

第三部分反复第一部分的主题后,结束全乐章。

第四乐章:快板,回旋奏鸣曲式结构。呈示部含有两个主题,第一个主题是一首威尼斯流行歌曲,旋律活泼轻快,充满着青春的活力和生命的光辉,这一主题在本乐章中重复五次,但调性每次有变化。

第二主题优美、纤巧、生动,与第一乐章副部主题的第二部分近似,具有舞曲的风格。

展开部是以主部主题为基础的调性变化与发展。

再现部以副部主题在前、主部主题在后,倒置出现,从而加强了回旋曲特有的热烈情绪。

《G大调弦乐小夜曲》在欢快、明朗、兴高采烈的气氛中结束。

3、《A大调第五小提琴协奏曲》(op.219)

莫扎特的小提琴协奏曲共有六首。他的前五首小提琴协奏曲都是在1775年的几个月时间内写成。《第五小提琴协奏曲》完成于1775年12月。当时,年方十九的莫扎特在萨尔茨堡任宫廷乐师,但无论是创作速度还是艺术上的成熟都令人赞叹不已。这五首小提琴协奏曲风格典雅,旋律优美,洋溢着青春的气息。

莫扎特在确立古典协奏曲的体裁方面有较大贡献,他的协奏曲采用三个乐章快---慢---快的对比形式;并确定了第一乐章奏鸣曲式的主题对比原则:即第一乐章一般都有两个呈示部,第一个由乐队陈述基本主题,第二个则由独奏乐器展示,并强调独奏乐器的作用,充分发挥其技巧性。《第五小提琴协奏曲》以其结构之独特为人们所熟悉。

第一乐章:快板,奏鸣曲式。

乐队在乐章开始时全奏出一个强有力的和弦,给音乐以推动。接着,在第二小提琴和中提琴的颤音背景上,第一小提琴以明亮的音响奏出引子的主题,它是这个乐章第一主题的雏形。

经过一段连接,流畅地进入第二主题,这个主题典雅、轻巧。

接着,独奏小提琴奏出一段缓慢、富于表情的咏唱,这是第二呈示部的引子,紧接着是主部主题的出现,这时由独奏小提琴奏出的一段坚定有力、生气勃勃的旋律,给人们的感觉是这一乐章的音乐这时才真正开始。

连接部和副部都显示出了独奏小提琴与乐队之间的对比,富于装饰性。简短的展开部形象柔和抒情,再现部把前面的主题一一再现。乐章结束之前,出现了独奏小提琴辉煌的华彩乐段,它既快速明亮又柔和细腻。

第二乐章:慢板,三部曲式。

在这个乐章里,莫扎特表达了细腻而多样的内心体验,反映了这个时代的人们对生活的热情和渴望,第一部分主题抒情、委婉。

副部的旋律在力度上与主部产生对比。展开部和再现部中,几个主题加以展开和再现,最后出现简短的华彩乐段,安静地结束第二乐章。

第三乐章:回旋曲,小步舞曲速度。

乐章开始由独奏小提琴奏出主题,这是一个典雅而柔和的旋律,典型的小步舞曲节奏,构成了一幅宫廷舞蹈的场面。

这个主题时而由乐队,时而由小提琴奏出,但每一次出现都有新的装饰,丰富了主题的发展。

中间的插部是18世纪流行的所谓“土耳其音乐”的段落,二拍子,快板速度,是莫扎特采用的那种异国情调的范例之一。由五支节奏活泼、情绪欢快的旋律构成的间奏乐段的主题,是匈牙利的舞蹈音乐,刻画了民间生活。

乐章结尾经过小提琴的华彩乐段和小步舞曲的主题再现,把“罗可可”风格装饰的、轻盈美妙的旋律,又展示在听众面前。

【协奏曲】(Concerto)

协奏曲是一种独奏乐器和乐队协同演出的技巧高深的大型乐曲;也有以人声与乐队演出的声乐协奏曲。协奏曲通常分三个乐章:第一乐章快板,奏鸣曲式,富有戏剧性;第二乐章慢板,三部曲式,抒情,富于歌唱性;第三乐章急板,回旋曲式,有欢乐、歌舞性。

由一个乐章构成的协奏曲叫“小协奏曲”。巴赫时代由几件独奏乐器与管弦乐队竞奏的叫“大协奏曲”。

【回旋奏鸣曲式】(Rondo Sonata form)

音乐的曲式之一,属于奏鸣曲式的一种变体。原则是以奏鸣曲式和回旋曲式的结构特性相结合为基础,但在呈示部和再现部中,主部须在副部之后再出现一次,展开部通常改用插部代替。主要用于大型器乐套曲(奏鸣曲、重奏曲、交响曲、协奏曲)的最后乐章,有时也用于独立的器乐作品。

五、贝多芬 (L.V.Beethoven 1770--1827)

贝多芬1770年12月16日生于德国波恩,祖父是科隆选侯的宫廷歌手和乐长,父亲也是选侯的宫廷歌手。贝多芬的父亲竭力想把他培养成为莫扎特式的神童,因此,四岁时就强迫他学习小提琴和钢琴,八岁公开表演。在管风琴师C.G.内费的指导下,贝多芬开始学习巴赫等德国大师的作品,使他真正认识了德国的民族音乐,逐渐形成了自己的风格。

在1787年慈母病逝后,贝多芬进入了波恩有名望的F.V.布朗宁夫人家庭任音乐教师。在那里,他结识到许多思想进步、学识渊博的教授、文艺家和政府中的开明人士。他们谈论艺术、哲学和政治,使年青的贝多芬开始受到进步思潮的影响,初步树立起艺术要服务于善良、正义和人道主义的艺术观。十九岁时,他获准进波恩大学听课,攻读康德的哲学论著和古希腊文学,在那里接触到的法国资产阶级革命的启蒙思想,对他的世界观、艺术观产生了很大的影响。1792年,贝多芬离开了自己的故乡定居于维也纳,是年跟海顿学习作曲。1795年开始出版作品。1800年左右,贝多芬创作了《第一交响曲》,这是贝多芬的一部习作,是他九部交响曲中最古典化的一部。1802年,贝多芬创作了《第二交响曲》,从这部交响曲中我们可以看出,贝多芬正力图形成使自已的创作与所追求的崇高理想结合起来的创作倾向。

《第三交响曲》(英雄)的完成,标志着贝多芬的创作进入了一个新的阶段,这部1804年创作的作品,摆脱了海顿与莫扎特的影响,无论在思想和艺术上都是一大飞跃。这部作品吸取了法国革命音乐的音调,它与革命时代的感情相融合,奠定了贝多芬音乐创作的英雄性、群众性风格和“通过斗争,取得胜利”的基本思路。

1802-1815年间,贝多芬虽受包括耳疾在内的各种精神上的打击,但他还是创作了大量的音乐作品:第三交响曲到第八交响曲,小提琴协奏曲,钢琴协奏曲及序曲、奏鸣曲等等,这些作品对以后欧洲音乐的发展产生了深远的影响。

1815年以后,贝多芬完全失聪了,他变得孤僻、易怒,但并没有失去信心,他这时的音乐创作带上了深思的性质。伟大的《第九交响曲》的完成,标志着贝多芬的创作进入了一个新的高峰,显示出贝多芬的艺术思想更深刻、更细致、更成熟。这部作品体现了贝多芬的“自由、平等、博爱”及“全世界人民团结拥抱起来,像兄弟一样,经过艰苦的斗争,才能获得真正的欢乐”的理想。

1827年3月26日,贝多芬病逝于维也纳。下葬的那一天,所有学校停课哀悼,两万人参加了葬礼,他的墓碑上刻着奥地利诗人格利尔巴采的题词:“……当你站在他的灵柩跟前的时候,笼罩着你的并不是志颓气丧,而是一种崇高的感情;我们只有对他这样一个人才可以说:他完成了伟大的事业……”

贝多芬的音乐,占特殊地位的是他的交响曲。从这些交响曲当中,我们可以了解到交响曲从海顿、莫扎特、贝多芬过渡到舒伯特、门德尔松的各个时期发展概况,也可以了解到贝多芬创作的基本思维和精神面貌。贝多芬的交响曲,全面继承了德国音乐的优秀传统,吸取了法国大革命音乐的各种成果和富于英雄性的音调,因此,他的音乐具有鲜明的时代感,同时,他又吸取了德、奥民族音乐的精华,他的作品又具有更明显的民族性。

贝多芬的交响曲以表现革命斗争的英雄为中心,他把英雄的主题放在他交响曲创作中的首位。从贝多芬的《第三交响曲》、《第五交响曲》、《第六交响曲》、《第七交响曲》、《第九交响曲》中,我们都可以看出这些作品从各个不同的侧面描绘了英雄的活动与思想、英雄与革命斗争、英雄与大自然、英雄与人民、英雄与胜利、英雄与他的内心世界等等,这些富于英雄性的音调,把英雄塑在人民中间,表现了他们为实现正义的事业而战斗,甚至牺牲自己,直到赢得斗争的胜利。

贝多芬的交响曲创作多采用扩充的奏鸣曲形式,他的创作构思宽广、宏伟,思想深邃,形象对比鲜明,丰富多样,在曲式的处理上都达到了作品整体上的高度统一,在创作之中把原交响曲中的第三乐章小步舞曲改为谐谑曲,把歌剧中对人世间矛盾冲突通过斗争取得胜利的戏剧性表现手法运用到交响曲中,在《第九交响曲》中甚至加入了合唱,扩大了交响曲的表现能力与氛围。另外,在交响曲的创作中,贝多芬在配器方面作了大胆的创新,确立单簧管在乐队中的地位,在《第九交响曲》中使用四支长号等等,形成了一个新颖的风格,开始了一个新的领域,用这种创新的音乐形式充分表达了他的内心世界,反映了当时社会的进步思潮,将欧洲古典乐派的音乐发展到了最高峰,开创了19世纪欧洲浪漫主义音乐之先河。

贝多芬作品赏析

1、《c小调第五交响曲》(命运)(op.67)

《第五交响曲》是贝多芬的交响曲中最富于哲理性和戏剧性的作品之一,早在1804年《第三交响曲》脱稿之际,贝多芬就已构思创作了,只是他改变计划先完成了《第四交响曲》。1807年《第五交响曲》总谱出版。1808年12月22日在维也纳皇家剧院由贝多芬指挥首次演出了第五、第六交响曲。

《第五交响曲》是《第三交响曲》之后又一部英雄性、史诗性的作品。贝多芬称第一乐章主题是“命运在敲门”,因此后人称之为《命运交响曲》。“命运”这个主题是指当时令人窒息的德国封建社会,贝多芬揭示的“通过斗争,达到胜利”,是指从黑暗到光明,从与苦难“命运”抗争和与封建势力博斗,上升为欢乐和胜利。

《第五交响曲》是贝多芬艺术风格的代表作品,它的结构严谨、完整,手法简练、明快,发展紧凑、均衡,主题形象鲜明、生动。作为一部英雄性交响曲来说,它的矛盾冲突、情绪对置及紧张的戏剧性,比以前的作品更集中、更统一、更尖锐。各乐章之间紧密的内在联系,使全曲情绪激昂,有强烈的艺术感染力。这种浑然一体的雄伟气魄,代表着贝多芬的艺术风格。有人曾经说过:“贝多芬就是在这部交响曲中成为巨人的。”

《第五交响曲》共分四个乐章。

第一乐章 热情的快板,2/4拍子、奏鸣曲式。

这一乐章展示了一幅斗争的场面,音乐象征着人民的力量如洪流般以排山倒海之势,向黑暗势力发起猛烈的冲击。乐曲一开始出现的强有力的富有动力性的四个音,也就是贝多芬称为“命运”敲门声的音型,这就是主部主题。

这一主题是向前冲击的音乐形象,推动着乐曲不断发展,也在以后的各乐章中不断出现、发展。这一主题激昂有力,具有一种勇往直前、不屈不挠的气势,展示了惊心动魄的斗争场面,表达了贝多芬内心充满愤慨和向封建势力挑战的坚强意志。

当各种乐器进行轮回模仿,相继掀起一次比一次紧张的浪潮之后,圆号奏出了一个命运动机的变体,它表达了一种必胜的信心。

这是一个连接句,它从前面紧张、威严的音乐场面中,引出了富于歌唱性的第二主题,这是一个抒情的旋律,温柔优美、明朗的音调与前面形成对比,它抒发着人们对幸福生活的渴望与追求的情感。

在这里,严峻的命运动机退居到低音声部并以伴随形式出现,使温柔的音乐里带有不安的色彩,推动音乐继续发展。乐曲最后在明朗的气氛中,以果断、热烈的音响结束了呈示部。

经过富于表现力的两小节休止后,随着命运动机的出现进入发展部,音乐又回到了不安的音调,艰苦激烈的斗争又开始了。这时的第一主题非常活跃,它无休止地反复,调性不断转换,力度不断加强,随后出现鲜明有力的号角般的第二主题。这两个主题用各种手法交替变化发展,如对比复调的手法、频繁的转调等等,增加了音乐的不稳定因素,使音乐更加丰富。最后,命运的动机又闯了进来,并以最强的音响不断重复,形成了发展部的戏剧性高潮,音乐直接进入再现部。

再现部中,呈示部那种斗争的场面再度出现。在第一主题与连接部之间,双簧管奏出了一段缓慢的哀鸣音调,第一主题的发展突然被打断。可是,激动不安的情绪又立即恢复,只是当第二主题出现时才稍为平静。然而,光明与黑暗的斗争并没有结束,在庞大的尾声中越来越激烈。这时,音乐发展的气势锐不可挡,鲜明的力度对比,紧张的和声发展,形成全乐章的最高潮。乐章结束时,第一主题动机那强烈的音响,进一步刻画了勇于挑战的英雄性格,显示了人民必定战胜黑暗势力的坚强信心。

第二乐章: ba小调,稍快的行板,3/8拍子,双主题变奏曲式。这是一首优美的抒情诗,宏伟而又辉煌,同第一乐章形成了对比。它体现了人们的感情世界,战斗后的静思同对美好理想的憧憬互相交错,最后转化为坚定的决心。

乐曲开始时,在低音提琴拨弦伴奏下,中提琴和大提琴奏出第一主题,它深沉、安祥、优美,蕴藏着深厚的力量和对美好生活的向往。

紧接着,单簧管和大管奏出了具有战斗号召性的第二主题。

这个主题的音调与第一主题很接近,并与法国革命时期的歌曲有音调上的联系。这是进行曲风格的英雄主题,它起初抒情而沉思,转入C大调由全乐队强奏后,成为一支雄伟的凯旋进行曲,充满着火热的朝气,鼓舞着人们永往直前。

以后音乐的发展是这两个主题交替出现的六次不同的变奏。这六次变奏,贝多芬运用不同的节奏音型,调性转换、乐器变换等各种手法,表现出英雄在激烈斗争后的沉思和战胜黑暗的坚定信念,以及充满活力的激情。例如第一变奏以第一主题连续的十六分音符把音乐变得起伏和激动不安。

第二变奏以三十二分音符的连续出现,增强了动力性,表现出英雄战胜黑暗的坚定信念。

最后一次变奏,像英雄的凯歌一般,具有豪迈的英雄气概和乐观情绪,这一乐章的尾声,对第一主题作了简单的展开,表现出从深思中获得力量,对未来的胜利充满信心。

第三乐章:C小调,快板,3/4拍子,谐谑曲。这个乐章用复三部曲式写成,在调性上,回到了动荡不安的情绪,像是艰苦的斗争还在继续,它是通向第四乐章的过渡和转换。主部由两个对比性主题构成,第一个主题有两个因素:第一个因素由大提琴和低音提琴奏出急速向上的旋律,有一种向前推进的力量,但又显得有些迟疑。

另一个因素是这个基础上的应句,由一连串和弦组成,它沉着、抑制,又显出不安的情绪。

这个主题陈述两次之后,圆号奏出一个非常活跃的、号角般的新主题,那熟悉的节奏, 使我们一下子就能确认第一乐章的主题在这里以另一种形象出现了,它威严、稳健,具有进行曲的特征。

两个不同气质的、尖锐对置的主题轮番出现,表现了动荡不安及艰苦斗争的场面,而且每一次出现都越来越尖锐、复杂,富于戏剧性的效果。

中间部分以热烈的德奥民间舞曲为中心主题,由C小调转为明朗的C大调,音乐采用了复调赋格与主调和声的对比手法,情绪热烈而乐观,先由大提琴和低音提琴奏出,它与前面的音乐形成对比,有一种不可遏制的力量,造成风起云涌之势,表现出人民的力量一浪高过一浪和越来越强的必胜信念。

第三部分是动力性的再现部。第一部分的两个主题都用弱音奏出,进行再现和发展。定音鼓敲击的基本动机节奏型预示矛盾冲突在继续,这是在积蓄着准备最后冲刺的力量。接着,第一主题轻声出现,音乐自由向上伸展,乐队的音域不断扩大,力度由弱到强,调性色彩由暗到明,渐渐发展成为一种不可遏制的力量,响亮的和弦音导入光辉灿烂的最后乐章。

第四乐章:快板4/4拍子,奏鸣曲式。规模宏大的第四乐章充满光明和无比欢乐的情绪,是欢呼胜利的热烈场面。乐章呈示部的主部主题包含两个部分,第一部分以雄伟壮丽的凯旋进行曲开始,和弦饱满有力,旋律积极向前,由全乐队强奏。

第二部分音乐的情绪与前部连贯,由圆号和木管乐器奏出,音色明亮而柔和,进行曲的节奏,情绪喜悦富于歌唱性。

副部主题由弦乐器奏出,建立在G大调上。这是一支以三连音节奏为主,轻松而带有起伏的欢乐舞曲。

在呈示部的结尾段中,出现了一段与呈示部相联系的新旋律。

展开部是以第二主题广泛活跃的发展为基础的,不断高涨的音乐,像是无边无际的人群,汇成了欢乐的海洋。在接近高潮时,“命运”音型又插了进来,但它已不再刚毅强劲,倒像是对过去斗争的回忆,与第一乐章遥相呼应。再现部基本上重复了呈示部的音乐,新的力量稍有增添。

这个新主题,像一股巨浪从英雄心底流出,自信、豪迈而勇往直前。庞大的尾声,响起了C大调光辉灿烂的凯旋进行曲,它具有排山倒海的气势,表现出人民经过斗争终于获得胜利的无比欢乐。

《第五交响曲》是贝多芬交响曲创作中最有代表性的作品之一,恩格斯说过:“要是没有听过这部壮丽的作品的话,那么你这一生可以说是什么作品也没听过。”

2、《F大调第六交响曲》(田园)(op.68)

贝多芬的《第六交响曲》作于1807--1808年,1808年12月22日与《第五交响曲》同时首演于维也纳,1809年出版。标题性交响曲是贝多芬创作的特点,他的第三、第五交响曲都是标题性的,而最突出的是《第六交响曲》(田园)。贝多芬为每个乐章加了小标题,还在总谱的扉页注上:“主要是感情的表现,而不是音画。”这对人们理解这部作品特别重要。

贝多芬非常热爱大自然,大自然是他生活中的一个重要组成部分。1802--1808年间,耳疾严重的贝多芬常隐居于维也纳郊区。他有时躺在林中的草地上,有时漫步在淙淙的小溪旁,凝神思索万物生命的实质,细心洞察大自然的奥秘。从故乡莱茵河到维也纳郊外,贝多芬从大自然的怀抱中产生创作的灵感、获得心灵的欣慰,。

《第六交响曲》就是通过对大自然和农村生活景象的描写,反映人的崇高精神世界以及自然和生活的伟大。

这部交响曲共五个乐章,后三个乐章的演奏不间断。

第一乐章:《初到乡村时的愉快心情》,不过分的快板,奏鸣曲式。整个乐章的音乐愉快、明朗、淳朴、和谐。乐章一开始由小提琴奏出主部主题,这个主题充满着生机与活力,浓厚的乡村风味使人沉浸在春天的原野中,温柔的轻唱又渲染出无限的欢乐。

主部主题之后是呈示部的连接部,由管乐奏出的连续三连音音型,它以轻弱的力度奏出,犹如小溪的流水声,给人以清新的感受。

副部主题是主部主题形象的继续,它建立在C大调上,使人感受到更加清新、欢愉。旋律流畅、恬静,充满了人与大自然的和谐气氛。

接着是弦乐与木管先后奏出的副部主题第二部分,仿佛一问一答,构成自然和谐的画面。

在展开部里,贝多芬只运用主部主题中的少量音型为素材进行发展,他以精湛的技艺,创造性地运用调性的色彩和力度的对比等手法,描绘出一幅辽阔无边、充满生机的田野风光,荡漾着乡村生活的欢乐。

再现部与呈示部没有多大差别,但木管乐器的运用更巧妙,令田园风味更浓。

尾声将结束部主题的下半句变成三连音进行,增强了怡然自得的情绪。

第二乐章:《溪边景色》,稍快的行板,奏鸣曲式。呈示部开始时弦乐器奏出了稍有起伏的潺潺流水音型。在这个伴奏背景下,第一小提琴奏出了柔美动听的主部主题。

副部主题先由大管奏出,后由中提琴和大提琴加入。这个流畅的主题好似溪边美景中又传来牧人的笛声和乡民的歌唱,表现出清新抒情的气息。

展开部由一个强烈的不协和和弦开始,着重发展主部主题的素材,调性的变化及各种乐器色彩的变化,使主部素材得以充分展开。

再现部中主部主题增加了大管、单簧管的分解和弦及双簧管的三连音,将潺潺的流水描绘得更加生动。

尾声十分著名,贝多芬用长笛模仿“夜莺”,双簧管模仿“鹌鹑”,单簧管模仿“布谷鸟”的鸣叫声,描绘出一幅阳光和熙、鸟语花香、充满了诗意的动人画面。

第三乐章:《乡民欢乐的集会》,快板,谐谑曲。这一乐章的音乐欢快而有舞蹈性,表现了一个形象鲜明的风俗性乡民集会的欢乐场面。第一部分开始是一段三拍子舞曲,曲调轻快急速。

这一主题反复发展,力度不断加强,强烈全奏之后,双簧管奏出了牧歌风的优美如歌而富有生活气息的第二部分主题。

大管吹奏的简单音调陪衬着这支旋律,好像是一支乡村民间乐队在演奏,而其中有位乡村老农,拿着古老的风笛也到场助兴,但他只能吹出Fa、Do、Fa,乐队转调时他只好停下,到乐队转回原调他又响起来。乐章的中段是源自奥地利的二拍子舞曲,它粗犷活泼,带有浓厚的乡土气息,好像穿着木履的农民们的到来。

第三部分是第一部分的再现,音乐又回到三拍子的舞曲,但比前面更活泼、热烈和喧嚣。当舞蹈进行到最热烈的时候,突然,远处传来了雷鸣,狂欢的集会被打断,人们各自散去,随即进入第四乐章。

第四乐章:《暴风雨》,快板,自由曲式。这个乐章贝多芬运用了不协和和弦、频繁转调、色彩性配器、形象化旋律等手法,刻画出一幅电闪雷鸣、风雨交加的生动景象。弦乐快速跳弓像带着雨点的狂风在咆哮,低音提琴混沌的呼号像乌云笼罩的大地,短笛尖锐的呼啸更增添了恐怖的气氛,一场惊骇的狂风暴雨已来临。接着,一个半音阶伴随着不协和和弦从最高点迸发出来,长号和定音鼓雷鸣助威,爆发出强大的声势,显示出大自然的巨大力量。

随后,音乐渐渐平静下来,一场暴风雨过去了。木管乐器奏出温柔的旋律,像是远处又传来悠扬的牧笛声。

第五乐章:《牧歌,暴风雨过后的愉快和感激心情》,奏鸣回旋曲式。这一乐章紧接第四乐章连续演奏。雨过天晴,大地恢复了宁静,天上架起了彩虹,到处是一片清新的景色,鸟儿在枝头歌唱,牧人又吹起那悠扬的牧笛。双簧管和长笛衬托出由单簧管、圆号奏出的牧歌风格的引子。

这一牧歌风格的回旋曲引子之后,第一小提琴奏出了主部主题,这是一支具有阿尔卑斯山区牧歌风格的旋律,它表现了乡民们愉快、幸福的生活和对美好未来的热望。

这一主题,经过两次简单的变奏,引出第一插部的主题。

这个欢快的主题动机构成一个展开性的段落,很快回到主部主题上。第二插部由单簧管和大管奏出。

乡民们的舞蹈越来越热情强烈,如同节日的欢庆。第三次出现的主部主题非常流畅,充分表现了乡民们喜悦的心情。然后经过稍为激动的第一插部再回到主部主题的尾声。

这一乐章的尾声长达100小节,具有相当的独立性,它进一步重复、变化,发展了主部主题,把暴风雨过后人们愉快的心情和对幸福生活的憧憬表现得十分真切、动人。

3、《d小调第九交响曲》(合唱) 第四乐章(op.125)

贝多芬《第九交响曲》孕育于1814年,1823年完成,1824年5月7日在维也纳首演,前后经历了十年的时间。这部作品是贝多芬音乐艺术创作成就的总结,它集中地体现了贝多芬的思想境界、生活热情和艺术造诣,是他的艺术创作中占首要地位的作品。就像瓦格纳所说:“第九交响曲,是贝多芬登峰造极的作品。”这部四乐章作品,从悲剧性的斗争场面经过积极的行动和哲学性的静观思考,发展成为一首全人类胜利的欢乐颂歌,体现了贝多芬通过斗争得到自由欢乐的崇高理想。

把席勒的诗《欢乐颂》用人声写进交响曲,以表达对人类和平、自由、平等、博爱的理想,是贝多芬生平的一大夙愿。为实现这一宏伟的构思,他经过长时间的酝酿,终于创造性地将《欢乐颂》用合唱的形式写进了《第九交响曲》的第四乐章。这是这部交响曲中最为辉煌的部分,也是贝多芬交响曲发展的顶峰。

第四乐章:(合唱),急板、变奏与回旋的混合自由式。经前三个乐章的铺垫后,进入了急板的第四乐章----人们经历了艰苦的斗争和深沉的思考,所期待的欢乐就要到来。

这一乐章可分为两大部分:第一是器乐部分,包括序奏、宣叙调、前面三个乐章的回忆和欢乐主题的出现;第二是声乐部分,是一部用庞大的人声合唱写成的回旋变奏曲。这个乐章是整部交响曲的总结,即前三个乐章是“通过斗争和思索,寻求自由和欢乐”,而这个乐章是作出“斗争取得了胜利,欢乐战胜了苦难”的结论,这个结论也是作者一生的总结。“亿万人民团结起来”是乐章的中心思想。

乐章开始是一段狂风暴雨般猛烈的号角声,这是引子,它嘹亮雄伟,像怒潮般的冲击,瓦格纳称之为“恐怖的号角声”。但它立即被大提琴和低音提琴的宣叙调所否定:“不,这会使我们想到过去的苦难,今天是胜利的日子,应该用歌舞来庆祝”。原来,贝多芬的构思是在这段宣叙调的地方加入人声,但后来又觉得还不是时候,因此,他把唱词乐段向后推移。不过这些原稿中留下来的唱词,有助于我们理解贝多芬的构思。

接着,前面三个乐章的主题一一重现,又被一段段宣叙调一一打段。在第一乐章的引子主题出现后,低音乐器回答道:“哦,不,不要这个,我要更愉快一些的”;接着管乐吹出第二乐章谐谑曲主题,立即又遭到拒绝:“也不要这个,这只是戏谑,要更好的,更高尚的”;于是管乐又吹起第三乐章的慢板主题,回答仍是不满意:“这还是老样子,太纤柔了,一定要找出一些强有力的东西。我想,还是让我唱给你听吧。但是,要请你应和着我。”最后,木管乐器隐约闪现出《欢乐颂》主题的片断,才终于肯定:“这才对了,终于找到了”,这是贝多芬毕生追求的境界。这时,从乐队深处,像是从远方,缓缓地传来大提琴和低音提琴咏出的一支纯朴的旋律,乐章的主要部分开始了。

这是《欢乐颂》主题的全貌展现,第一次展示无任何伴奏,随后逐渐加入中提琴和小提琴。这个欢乐主题一次次重复着,音响逐渐增强,声势越来越大,直到发展成为乐队全奏的高潮。突然,“恐怖的号角声”又闯了进来,这时回答它的是人声了。首先独唱男中音揭开声乐的序幕,唱出了贝多芬亲自写的宣叙调的歌词:“啊,朋友,你别旧调重弹,还是让我们来唱一些更动听的、更欢乐的吧!”紧接着,男中音独唱《欢乐颂》。

在后面的发展中,以独唱、重唱、合唱的形式唱出了席勒《欢乐颂》的诗句,音乐的主题每次出现都有不同的形象变化,有威武雄壮的进行曲风格,有豪迈战歌般的男高音独唱,有庄严、肃穆的圣咏旋律……然后,转入快速的进行曲,这是由欢乐的主题演变成的一支活泼而热烈的进行曲。越来越热烈的进行曲,将乐曲推向又一高潮。之后,一个庞大的二重合唱赋格,以插部形式出现了“亿万人民团结起来”的主题。

这个主题先由长号奏出,继而合唱,之后又与欢乐主题构成二重赋格。最后以强烈、欢腾的尾声,把乐章推向高潮,结束全曲。

《欢乐颂》

席勒 诗 邓映易 译

 

啊!朋友,我们不要这种声音。

唱吧,让我们更愉快地歌唱,

更欢乐地歌唱。

欢乐,欢乐,

欢乐女神,圣洁美丽,

灿烂光芒照大地。

我们心中充满热情来到你的圣殿里;

你的力量使人们消除一切分歧。

在你光辉照耀下面,

人们团结成兄弟。

谁能做个忠实朋友,

献出高贵友谊。

谁能得到幸福爱情,

就和大家来欢聚!

真心诚意,相敬相爱,

才能`找到知己,

假若没用这种心意,

只能让他去哭泣。

 

在这美丽的大地上面普世众生共欢乐,

一切人们不论善恶都蒙自然赐恩泽,

它给我们爱情美酒,

同生共死的好朋友!

它让众人共享欢乐,

天使也高声同歌唱。

 

欢乐,好像那太阳,

运行在天空上,

欢乐,好像太阳,

运行在那壮丽的天空上,

朋友,勇敢向前进!

前进好像英雄上战场,

朋友,前进上战场,

欢乐前进,

好像英雄上战场。

欢乐女神,

圣洁美丽,

灿烂光芒照大地,

我们心中充满热情,

来到你的圣殿里,

你的力量能使人们消除一切分歧,

在你光辉照耀下面人们团结成兄弟。

亿万人民团结起来,

大家相亲又相爱,

朋友们!

在那天堂上仁爱上帝眷顾我们,

亿万人民虔诚礼拜,

敬拜慈爱上帝,

啊,上帝就在那天堂上。

欢乐,灿烂光芒照大地,

女神,灿烂光芒照大地!

你的力量使人们重新团结,

你的力量能把人们重新团结在一起,

亿万人民团结起来!

大家相亲又相爱!

朋友!在那天堂上,

有一位仁爱的上帝永世长存,

亿万人民团结起来!

大家相亲又相爱!

欢乐,

欢乐女神,

灿烂光芒照大地!

【标题音乐】(Program Music)

标题音乐是指创作时按标题进行构思,并要求听众按标题提示欣赏的器乐作品。常取材于历史、文学、戏剧、童话、民间传说或现实生活。欧洲的标题音乐从16世纪就开始逐渐在音乐创作中取得重要地位,19世纪以来又有较大的发展,如:李斯特的《塔索》、柏辽兹的《幻想交响曲》、莫索尔斯基的组曲《图画展览会》、德彪西的前奏曲《牧神午后》等。而贝多芬的《第六交响曲》(田园)更是较早的典型例子。我国标题音乐有悠久的历史,在古典和民间乐曲中,绝大部分是标题音乐,如:琴曲《高山流水》、琵琶曲《十面埋伏》、吹打乐《百鸟朝凤》等。现代作品也大都是标题音乐,如:交响诗《嘎达梅林》、交响曲《长征》、小提琴协奏曲《梁祝》等。标题音乐是“无标题音乐”(亦称绝对音乐)的对称。无标题音乐即指用曲式、体裁、调名、速度等来命名的一种器乐曲。如《g小调小赋格曲》、《C大调交响曲》、《e小调协奏曲》、《快板》、《慢板》等。

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第四章 浪漫主义时期的音乐(19世纪)

浪漫主义一词(Romance)原指流行于欧洲中世纪的英雄史诗和骑士传奇,19世纪初被用来称呼当时兴起的文学运动,后又运用到音乐中来。浪漫主义音乐(Romantic Music)是欧洲音乐特定历史时期的一种潮流,用于描述约1820至1900年间的音乐创作,它的产生和发展有着深刻的社会历史根源。法国大革命后,欧洲大陆封建复辟,在随后兴起的欧洲资产阶级民主革命和民族运动中,文学领域出现了以拜伦、司各特、华兹华斯、歌德、雨果、戈蒂埃、巴尔扎克等为核心的浪漫主义运动。音乐上的浪漫主义最初始于德、奥,而后波及整个欧洲。这一特定时期的音乐流派与文学领域的浪漫主义有许多共同点,但也有所不同。它没有前者那种统一的思想纲领和理论化的美学主张,但却有音乐艺术所独有的特征。

第一节 浪漫主义时期的音乐特点

浪漫主义音乐强调个人主观情感的表达,抒情性的形象在作品中占主要地位,其内容大多表现了理想与现实之间的深刻矛盾,偏重于幻想性的题材和着意抒发内心的感受。如果说古典音乐倾向表现共性,浪漫主义音乐则是更多地表现个性;它重视对大自然景物的表现,通过客观的抒情题材,用音乐艺术手法描写对美丽大自然的热爱,反映主观对未来自由、幸福的向往和渴求,进而抒发心中的理念和幻想;它追求音乐中的民族、民间内容,本民族或其它民族的传说、故事和质朴民间音乐素材,使浪漫主义音乐获得了清新、纯净的气质和格调;它对古典乐派一些严格规范的题材、体裁、风格、表现手法与形式做了大胆的革新,丰富和发展了古典的传统文化。标题性音乐的发展,更体现了音乐与其它姐妹艺术相互融合的浪漫主义美学原则。浪漫主义音乐亦可分为早、中、晚三个时期。

浪漫主义音乐是欧洲音乐史上成果最为丰硕的时期,也是欧洲音乐文化发展的重要历史阶段,这一时期涌现出了大批优秀的作曲家,并推动了欧洲歌剧的发展和民族乐派的兴起,对20世纪的欧洲音乐文化产生了深远的影响。这一时期的音乐作品至今仍是最受人民喜爱的艺术珍品,它的艺术魅力使千百万人为之倾倒。

第二节 早期浪漫乐派的代表人物

19世纪前半叶,出现了早期浪漫主义乐派代表人物──韦伯、舒伯特、舒曼、门德尔松、肖邦等,早期浪漫主义乐派的特点是继承了古典音乐的传统,不拘一格地创造出热情洋溢、性格鲜明的音乐。

六、韦伯(C.M.Weber 1786─1826)

韦伯1786年11月18日生于德国奥尔登堡的奥伊廷一个旅行剧团领班的家庭,幼年跟随父母过着颠沛奔波的生活。这种经历使他自幼就广泛地接触音乐和戏剧。1800年,他的歌剧处女作《森林女郎》公开上演,1803年他在维也纳向享有盛名的福格勒学习作曲和民间音乐,从而使他的音乐才华得以进一步的发挥。1804年后,韦伯开始自己独立的音乐生活,先后担任布雷斯劳歌剧院、布拉格歌剧院和德意志歌剧院的指挥,并以钢琴家的身份在欧洲各地从事钢琴演出。

在1813至1815年反拿破仑战争中,韦伯曾选用诗人克尔纳和沃尔勃鲁克的诗《琴与剑》谱曲,并创作康塔塔《战斗与胜利》,表达了他的爱国主义思想。

1821年,韦伯完成了他一生中最伟大的作品──歌剧《魔弹射手》,这部歌剧的成功,标志着具有浪漫主义特征的德国民族歌剧的诞生。在这部歌剧中,韦伯采用了德国歌唱剧与传统意大利歌剧相结合的形式,邪恶的黑暗势力和温柔亲切的抒情性形成了鲜明的对照。这部作品以民间气质的音乐,真实地再现了特定的生活环境,他在创作中力求达到思想性和民族性有机的统一,因而这部作品被誉为欧洲浪漫歌剧的先声。这部歌剧的序曲后来成为音乐会中独立演奏的作品。

1826年6月5日,韦伯在英国伦敦病逝。他一生虽然只有短暂的四十年,但却留下了大量形式多样的音乐作品,其中包括7部歌剧,3部合唱曲,2部交响乐,3部钢琴协奏曲,以及木管乐器协奏曲等。此外还有许多管弦乐、室内乐和声乐作品。然而在这些众多优秀作品中最平易近人、深受听众喜爱的则为他在1819年创作的标题钢琴曲《邀舞》。

韦伯是音乐史上的开拓者,他使歌剧摆脱了意大利影响的束缚,以本国民间曲式为歌剧及其它体裁所用。韦伯的器乐和声乐作品,作曲技术精湛,用普通乐器能取得惊人效果。在形式与技法上也有所创新,这对肖邦、李斯特、柏辽兹,乃至马勒均有所启迪。

【音乐会序曲】(Concert Overture)

音乐会序曲是指作曲家采用序曲体裁写成的单乐章乐队作品,多数采用奏鸣曲式,并有标题,在音乐会上独立演奏。如:韦伯的《魔弹射手序曲》、罗西尼的《威廉·退尔序曲》、门德尔松的《仲夏夜之梦》序曲、柴可夫斯基的《1812序曲》等。

[作品赏析]

1.歌剧《魔弹射手》序曲

歌剧《魔弹射手》一译《自由射手》。韦伯从1819年开始创作这部歌剧,1821年6月在柏林首演。剧情取材于德国民间古老的传说:青年射手马克斯为能与美丽的姑娘阿加特成婚,动摇于善与恶之间,为了在比赛中取胜,屈从于小人卡斯帕尔的诱惑,到狼谷与魔鬼萨密耶尔定约制造“百发百中”的魔弹。在比赛时,马克斯射出的魔弹六发六中,第七发魔弹的牺牲品按约将归魔鬼,马克斯竟将这发魔弹射向心上人阿加特化身的白鸽,正当大家万分惊讶之时,魔弹受隐士法力改变方向,射中躲在树上的小人卡斯帕尔。最后,善良战胜邪恶,有情人终成眷属。

序曲采用奏鸣曲式写成,音乐风格蕴涵着德国民间风韵。引子有两个音乐主题:第一主题由四支圆号奏出朴素的民间风格音调,以模仿猎人的号角音调,类似男声四部合唱,旋律悠缓、轻柔,充满了宁静的气氛,描绘出德国大森林的形象。

第二主题是表现魔鬼萨密耶尔的音乐主题,弦乐战栗的碎弓和低音提琴神秘的拨弦形成了令人不安的气氛。

序曲的主部是相互对照的两个主题,首先强音奏出了黑暗、邪恶的第一主题。

第二主题有两个旋律明朗、宽广的曲调,一个是马克斯在第一幕中的咏叹调;另一个是阿加特的主导动机,下面是后者。

展开部将主部第一主题加以发展,第二主题的时而出现使乐曲充满了戏剧性的矛盾冲突。弦乐器急速的音乐,表现出令人恐惧的黑暗,阿加特、马克斯的爱情主题完全被包围在妖雾之中。

再现部开始,仍是黑暗势力占优势,仿佛魔鬼在张牙舞爪。突然,乐队以强奏奏响了进行曲式的阿加特主题并多次重复。最后,乐队以强有力的和弦结束全曲,表现爱与善的力量最终获得胜利。

2.《邀舞》(op.65)

《邀舞》又名《华丽回旋曲》,是韦伯在1819年为新婚妻子生日而写的一首标题钢琴曲。乐曲由序奏、四首小圆舞曲及结尾组成,其结构严谨,旋律优美、流畅,音乐语言形象、逼真,描绘了一场生动、热闹的舞会。乐曲开始,一位风度翩翩的绅士在舞会上向一贵妇人邀请,经过非常有趣的结识─交往─跳舞─致谢─行礼─告别,表现了19世纪上流社会的一个生活场景。由于这部作品音乐语言生动,手法新颖,民族色彩浓厚,一百多年来被改编为许多管弦乐曲和芭蕾舞剧。改编后的作品,更加备受人们的喜爱。

法国作曲家柏辽兹的管弦乐曲《邀舞》是最为出色的编配,他根据乐队需要,把原作的bD大调改为D大调,序奏由大提琴在低音区从容不迫奏出绅士邀请的旋律,曲调宽广、温暖而热情,乐句的尾音停留在不稳定的4度“fa”音上,以表示征询。

接下来的旋律表示女方因腼腆而谢绝,音乐由单簧管在高音区奏出轻盈、典雅的曲调,并停留在属音上。

绅士再次挚意邀请,交谈一阵后,贵妇人终于应邀起舞。这两段对话式的旋律重现,并加进了装饰音,使旋律变得更为恳切、真挚,对话旋律结束在主音上,舞会便开始了。

乐曲的第二段是舞会的舞蹈场面,它是整个作品的核心,篇幅是由四首小圆舞曲组成,生动地表现出男女双方丰富多姿的舞步。

第一圆舞曲热烈、强健,用急速的快板。音调炽热、欢快,一下子就将人们带入到盛大、华丽、热烈而欢腾的舞会之中。

第二圆舞曲是一个轻盈、优雅、流畅的旋律。表现出舞蹈者飞速旋转的优美舞姿。一对对喜悦的舞伴尽情地欢跳,沉浸在轻松愉快的气氛之中。

经过轻捷的旋律之后,音乐再现了开头的热烈、华丽的主题。

第三圆舞曲比较优雅,在圆舞曲节奏衬托下,出现了由顿音和变化音构成的动听的旋律片断。音乐有时在低音区,有时移至高音区,仿佛是男女双方含情脉脉的对话。

第四圆舞曲,音乐主题奔放、活跃,情绪更为欢快,生机勃勃,圆舞曲旋转幅度加大,使舞蹈变得更加热烈。

接下去,音乐经过发展,前面出现过的四首圆舞曲主题频频再现,第一圆舞曲主题将音乐推向高潮,舞蹈圆满、热烈地结束了,但乐曲未完,作者巧妙地安排了一段尾声。

尾声慢板,序奏中代表绅士的大提琴旋律和代表贵妇人的单簧管旋律在这里重新出现,表示绅士彬彬有礼的致谢,贵妇人也回礼、告别。舞会留下了美好的记忆。

七、舒伯特(F.P.Schubert 1797─1828)

奥地利作曲家舒伯特于1797年1月31日出生在维也纳贫困的小学校长家庭。他从小学习钢琴和小提琴,十一岁被帝国小教堂唱诗班录取,并住进神学院,成为该校乐队小提琴手,同时还担任指挥,这使他有机会接触维也纳古典乐派一些著名作曲家的名作,他1813年为该乐队创作了《第一交响曲》。1813年因变声离开神学院,舒伯特为了减轻家庭负担,到父亲所在的学校里担任助理教师,同时继续创作。1814年10月19日为歌德的诗《纺车旁的格丽卿》谱曲,舒伯特的这第一部歌曲杰作,打开了他创作灵感的闸门。仅1815年一年,舒伯特就写了144首歌曲,其中10月的一天就写了8首歌曲。除歌曲外,他还创作了1部交响曲,2部弥撒曲和其它作品。1816年,他辞去教师的职务,专心从事作曲。由于没有固定收入,生活比较贫困,在他的一些作品里也常常反映出苦闷和压抑的情绪,尽管这样,他还是满怀热情地创作了大量的歌颂民族解放斗争的优秀作品。长期的困苦生活,使舒伯特身心受到极大的摧残,1828年11月19日,年仅三十一岁的舒伯特在维也纳溘然长逝,他被人们崇敬地安葬在贝多芬墓旁。

舒伯特的创作生涯虽然很短暂,却给后人留下了大量的音乐财富,600多首委婉动听的艺术歌曲,为世界音乐宝库增添了耀眼的光辉,在音乐史上被誉为“歌曲之王”。其最有代表性的歌曲有《魔王》、《野玫瑰》、《圣母颂》、《菩提树》、《鳟鱼》、《小夜曲》、声乐套曲《美丽的磨坊女》、《冬日的旅行》等;另有18部歌剧、歌唱剧和配剧音乐,10部交响曲,19首弦乐四重奏,22首钢琴奏鸣曲,4首小提琴奏鸣曲以及许多其它作品。

[作品赏析]

1.《魔王》D328(op.1)

《魔王》是一首戏剧性、艺术性很强的叙事歌曲。演唱者要善于用不同的音色变化和感情处理来表现四个不同人物。这首歌曲创作于1815年,是舒伯特最著名的歌曲之一。

全曲以德国诗人歌德的同名叙事诗为词,通过不同的旋律音调,配上不同的唱腔,以及钢琴模仿持续不断的急驰马蹄声和呼啸的风声的三连音,表现了叙事诗里儿子、父亲、魔王以及叙事者四个性格各异的人物和特定的环境。叙述了一个在昏暗的大风之夜,父亲怀抱生病的儿子在烟雾笼罩的森林里策马疾驰,黑暗中传来昏迷的孩子紧张、惊恐的呼叫,凶恶、狡猾的魔王幻影正引诱、威逼孩子随他而去的故事。这首歌曲虽然是自由发展,但保持结构的统一和形式的完美。

第一段:叙事者以口语化的朗诵调唱出。

第二段是父亲和儿子的对话。音乐在声部的低音区,以沉着、平衡的声调,刻画父亲的关切和抚慰,父亲慈爱地问。

第三段魔王的音乐旋律是抒情歌唱性的,显得甜蜜、虚假、狡猾。

接着,父与子再次对话,魔王步步进逼,儿子心里害怕,一次次呼喊父亲,一次比一次惊惶,直到第五段,魔王软硬兼施,威逼恐吓。

最后一段,叙事者用焦急沉痛的音调描述了可悲的结局:父亲急驰到家,儿子早已在怀抱中死去。钢琴以两个特强和弦,表现了精疲力竭的父亲悲痛欲绝的心情。

2.《圣母颂》

舒伯特的这首《圣母颂》是他在1825年根据英国诗人瓦尔特·司各特的叙事长诗《湖上美人》中的《爱伦之歌》谱写而成。歌曲抒发了叙事诗主人少女爱伦祈求圣母饶恕其父罪行的纯真感情。歌曲采用分节歌形式,曲调柔美委婉、纯净朴实,音乐表情细腻丰满,表现了作者对真善美的向往。由于这首歌曲的艺术魅力,后人将其改编成器乐曲演奏,又以小提琴独奏及弦乐演奏主旋律、竖琴伴奏的谱本流传较广。

歌曲开始的前奏,采用了六连音的分解和弦造成一种感情上的起伏。

歌曲旋律优美、舒展、动人,感情委婉、真挚、感人至深,歌曲里的临时变化音、装饰音和三连音运用得特别巧妙,恰到好处,使歌曲新颖不俗,独具魅力。

当歌曲唱到第八小节,出现了感情的高潮,然后逐渐平静下来,轻声呼唤圣母的名字。

最后,全曲在宁静的气氛中结束。

3.《小夜曲》

舒伯特于1828年他逝世前数月完成这首小夜曲。原为作者声乐套曲《天鹅之歌》的第四首,由维也纳音乐出版家哈斯林格题名,意借天鹅临死才放喉歌唱之说,暗示这一套曲为作者绝笔。《小夜曲》是作者根据诗人莱尔斯塔勃的诗所作,是一首脍炙人口的名曲。这首《小夜曲》由于旋律优美、动听,也被改编成器乐曲演奏,广受人们喜爱。

歌曲结构为二部曲式,大小调交替发展。第一段d小调旋律轻盈婉转,情绪柔和明朗,模仿吉它的伴奏,表现了一位青年向心爱的姑娘倾诉爱慕之情。

第一段歌词是对四周幽静环境的描绘。接着是8小节抒情而安谧的间奏。

第二段中部转D大调,运用了变化音,调性的变化使感情变得激动,形成全曲高潮。

尾声的旋律和节奏加入了新的因素。随着以D大调为主,带有大小调综合倾向的结束句由强渐弱,表现了爱情的歌声在优美恬静的夜色中渐渐远去。

八、门德尔松(F.Mendelssohn 1809─1847)

德国作曲家、钢琴家费利克斯·门德尔松,1809年2月3日出生于汉堡一个富裕而有文化的家庭。祖父是哲学家,父亲是银行家,母亲是多才多艺,娴习钢琴。在四个孩子中,他排行第二,长姐范尼·门德尔松是钢琴家。门德尔松最早的钢琴课由母亲任教,后从卡尔·策尔特学和声。九岁作钢琴公开演奏,十岁为《诗篇19》谱的音乐由柏林歌唱学院演出。十一岁策尔特带他到魏玛拜访歌德,七十二岁高龄的诗人与已是作品累累的十二岁男童之间建立了深厚友谊。门德尔松十七岁创作《仲夏夜之梦》序曲。1826~29年就读于柏林大学。1829年3月在歌唱学院指挥演出巴赫的《马太受难曲》,为复兴巴赫作品作出贡献。1829年访英,演出贝多芬《皇帝》协奏曲;创作出《赫布里底群岛》(即《芬格尔山洞》)序曲。1831年创作交响曲二部;发表第一部《无词歌》集。1833~36年受聘任杜塞尔多夫下莱茵音乐节指挥。1835~46年任莱比锡布业会堂乐队指挥。1837年结婚后几年创作了几部最优秀的作品,包括《颂赞歌》、《庄严变奏曲》等。1843年创办德国第一所莱比锡音乐学院,亲任院长,并教授钢琴与作曲。他先后曾10次访问英国,1846~47年访英期间,还在伯明翰、伦敦、曼彻斯特等地指挥演出清唱剧《以利亚》等。由于劳累过度,1847年5月又受到胞姐范尼突然去世的沉重打击,作曲家于同年11月在莱比锡逝世。

门德尔松是早期浪漫乐派作曲家,作品曲式严谨明晰,旋律生动流利,和声简洁精练,音乐语言纯朴典雅、清晰自然,作品有:喜歌剧《卡马乔的婚礼》、戏剧配乐《仲夏夜之梦》等5部;早期交响曲12首,1824年后5首(包括第三《苏格兰》、第四《意大利》);序曲5首;协奏曲9部;清唱剧《圣保罗》等7部;诗篇谱曲9首;室内乐《无词歌》等29首;钢琴曲20首;人声与钢琴10部;主调合唱曲11部;还有管风琴曲等。

门德尔松是位十分幸运的作曲家,在世时就获得很高的声誉。不像贝多芬和舒伯特那样一生同贫困作着顽强的斗争,而是在舒适、平静和愉快的环境中渡过一生,所以在他音乐作品中,处处充满着生命的活力,恬静幽雅、无冲突的气质,给人一种轻松清澈的感觉。

门德尔松的音乐作品以管弦乐为主,他的管弦乐序曲在结构上既保持着与古典奏鸣曲的联系,又根据内容的需要而自由处理,开辟了独立的标题性交响序曲的天地。

他的钢琴曲集《无词歌》在他的音乐创作中占有很重要的地位,这47首高雅纯静的钢琴小曲,内容丰富,题材广泛,既有表现劳动和日常生活的,亦有描绘优美自然风光的风景画,还有抒发作曲家思想感情、生活体验的抒情诗。每首小曲都能给人一种新鲜和独特的情趣,就像镶嵌在宝石上的颗颗明珠,五光十色,令人回味无穷。

[作品赏析]

1.《春之歌》(op.62-6)

乐曲是一首典型的《无词歌》,是《无词歌曲集》中的一首著名的小曲。除了钢琴独奏之外,还被改编为其它器乐独奏曲,流行甚广。

乐曲开始是优美的小快板,高声部流畅、欢快,富于歌唱性,表现了春光明媚、百花盛开的春天景色。乐曲的中低声部伴奏部分,从头到尾贯穿着琶音音型的和弦,烘托出生机勃勃、春意盎然的音乐形象。

中段音乐在前面的基础上旋律起伏较大,显得更为热情奔放。伴奏色彩较为柔和,仿佛从春景的描绘进入对春天的热情歌颂。

经过一段华彩乐段后,乐曲进入第三段音乐。钢琴很轻地奏出第一段音乐主题,接着,乐曲掀起新的波澜,旋律拉开、力度增强、音量加大,达到全曲的高潮,营造出情绪高涨、朝气蓬勃的氛围。最后响起一连串自低而高清脆悦耳的琶音,给人留下无穷的回味。

2.《仲夏夜之梦》序曲(op.21)

标题性音乐会序曲可以说是浪漫主义的产物。作为音乐会序曲的新体裁,门德尔松是创立者之一。《仲夏夜之梦》序曲,是具独创性的优秀之作。这首序曲于1826年夏间写成。当时十七岁的门德尔松和妹妹芳妮醉心于阅读新出版的莎士比亚戏剧,其中《仲夏夜之梦》给他留下的印象最深,于是他根据这一题材写出了钢琴四手联弹《仲夏夜之梦》序曲,初时由他和妹妹演奏,次年才编配为管弦乐曲公演。时隔17年后的1843年,门德尔松又重回到《仲夏夜之梦》这一题材,为此剧的上演,创作了12段配乐。至今,人们演出这部喜剧仍离不开这12段配乐。

这首序曲不是用概括剧情的手法写成,而是将剧中故事所产生的印象和富于幻想的情趣,通过音乐加以表述。所以,从音乐角度讲,它是一部带幻想性质的序曲,一部写作技巧高超、艺术性完美的杰作,用奏鸣曲式写成。

引子由木管乐器轻柔地奏出自由延长的四个持续和弦,那漂渺的音响、营造出朦胧月夜的背景,令人虚幻,如置身于寂静,神秘的树林。

随后,小提琴在高音区用轻盈的跳弓以快速的断音奏出主部的第一主题,这轻盈灵巧的旋律、活泼的节奏、奇妙的音乐,描绘出森林仙境中的一群小仙灵们愉快的追逐、嬉戏的情景,这个小仙灵主题在序曲中多次出现。

接着,乐队以强奏奏出一段威严有力的旋律,它是主部的第二主题,代表仙王和仙后的形象,音乐与前面两个主题形成鲜明对比。

副部抒情的旋律从弦乐上歌唱出来,先由小提琴奏出,再由乐队全奏,是非常柔美的爱情主题,给人柔情似水、缠绵甜美之感。

主部的小结尾中,出现了粗犷有力的舞蹈性音乐,栩栩如生地描绘了仙灵群舞的场面。

展开部以小仙灵主题为主,表现迷蒙月夜的寂静林中小仙人跳着轮舞的神奇境界,并使人联想起因小仙灵的捉弄而发生在林中的各种趣事。随后,开始的持续和弦又重响起。

再现部中音乐有所减缩,小仙灵的轮舞又一次出现,爱情主题和谐地发展着,音色、音调比以前更加迷人,一连串轻盈、快速的乐句,把乐曲引向高潮。

结尾是主部和副部主题再现,象征青年恋人的爱情得到完满解决。主部主题的最后一次出现,并把原来威严有力的第二主题延伸开来,使旋律抒情、柔和,乐曲消失在开始的持续和弦中。这个结尾表现仙王和仙后在祝贺年青人终成眷属之后,返回了神妙的王国,小仙灵们的轮舞也消失在迷雾仙境中,人们向奥布朗王国告别,仲夏夜的一场梦幻结束了。

九、肖邦(F.F.Chopin 1810─1849)

波兰作曲家、钢琴家肖邦1810年3月1日生于华沙近郊,父亲是一位侨居华沙在一所中学当法文教员的法国人,母亲是波兰人。肖邦从小就表现出非凡的艺术天赋,六岁开始学习钢琴、作曲,八岁登台演出。1822年跟华沙音乐院院长埃尔斯纳学习和声、音乐理论。1825年出版《c小调回旋曲》,翌年进入华沙音乐学院,1829年离校。在这期间,他逐渐成为波兰公认的钢琴家和作曲家,在钢琴演奏和作曲方面取得了惊人的成就。

1830年11月华沙起义前夕,肖邦离开祖国经维也纳到法国巴黎定居,在那里他结识了西欧文艺界许多重要人物,包括德国诗人海涅,匈牙利音乐家李斯特等,特别与法国女作家乔治·桑的关系,对肖邦的思想、生活产生了深刻的影响。从30年代初到40年代中期,肖邦的思想和艺术高度成熟,创作上获得极其丰硕的成果。由于40年代波兰民族运动的几次挫折,给肖邦精神上带来沉重的打击;故乡、亲人、挚友的相继离去、逝世,给他身心造成深深的创伤。1936年开始患的肺结核症兆在他身上日益加重。1848年,衰弱的肖邦去英国短期教学和演奏,他给流亡国外的波兰同胞开了最一次演奏会。回巴黎后,他的健康急剧恶化,终于1849年10月17日病逝巴黎。临终前他要求亲人把他的心脏运回祖国波兰。

肖邦的创作可分四个时期。华沙时期(早年-1830):这一时期是肖邦一生创作的起点,作品已经闪耀着民族感情和民族风格的光辉。这在他的《d小调波洛奈兹舞曲》(1827)、《C大调马祖卡舞曲》(1829)中都有鲜明的体现。而这一时期最重要的作品是1830年创作的《第一钢琴协奏曲》与《第二钢琴协奏曲》,这两部作品富于浪漫主义气质,音乐具有民族民间风韵,情绪明朗欢快,充满了对幸福生活的热烈向往。

华沙起义时期(1830-1831年):这时期,肖邦的创作出现飞跃。肖邦为华沙起义的民族浪潮激起的爱国热情和对祖国亲人的思念,令他创作出强烈爱国主义内容与高度完美艺术形式相统一的早期杰作《c小调练习曲》(《革命练习曲》)、《a小调前奏曲》等。

巴黎全盛时期(1832-1845):肖邦的具有深刻民族内容、独创的艺术形式和娴熟的钢琴表现技巧的创作日臻完美。他涉猎了各种音乐体裁,从练习曲、前奏曲、马祖卡、波洛奈兹、夜曲、圆舞曲、即兴曲,到结构复杂的叙事曲、谐谑曲、奏鸣曲等,获得极其丰硕的成果。其中《E大调练习曲》、《降d小调钢琴奏鸣曲》的第三乐章《葬礼进行曲》、《C小调夜曲》、《降A大调波洛奈兹舞曲》等尤为突出。

晚期(1846年后):肖邦这时的创作明显衰退,较重要的作品有《幻想波洛奈兹舞曲》、《f小调马祖卡舞曲》等,依然倾诉着对祖国、亲人的思念与期望。

[作品赏析]

1.《c小调练习曲》(op.10-12)

肖邦创作过27首钢琴练习曲,其中流传最广的是1831年创作的《c小调练习曲》。1831年9月,坚持了十个月的华沙革命终于被沙俄血腥镇压。当时,正赴西欧途中的肖邦听闻此讯,悲愤万分,于是把全部感情灌注在音乐创作中,写出了这首激动人心的练习曲。这首练习曲表现了肖邦对华沙革命失败的内心感受,因此被命名为《革命练习曲》。

乐曲采用复三部曲式。引子从右手弹奏的不协和的属九和弦强奏开始,左手引出一连串的上下翻滚流动的十六分音符,来表现作者悲愤的情绪。

接着,高声部弹出一个刚毅、激昂、带有英雄性格的主题。它清澈、明亮,有如波兰人民不屈不饶的战斗呼声。

音乐进入展开性的中段,呐喊式的主题进行反复、变化和发展,而且越来越紧张、越来越高昂的音乐,将乐曲推向高潮。随后,音乐转回原调共四小节,它表现了在感情上激烈动荡之后极度悲愤的气氛。

再现部再现了前面英雄的音调,并加上变奏和装饰音,使音乐更富于冲击的力量。这冲击力一直冲向乐曲的尾声。尾声的音乐由强到弱,出现了一个悲伤的音调,它好像发自肺腑的哭泣,仿佛是作者对祖国的命运的忧虑。最后,乐曲情绪重新振奋,音乐在很强的力度下,由高音向低音冲击并在强奏的和弦上结束,象征了肖邦对胜利的坚定信念。

2.《bA大调波兰舞曲》(op.53)

这首波兰舞曲约作于19世纪40年代末,1842年修订,1843年12月正式发表。作品表达了流落异国多年的肖邦对蒙受苦难的祖国的悲恸心情和渴望祖国胜利光复的信念。

bA大调波兰舞曲》3/4拍子,中速,复三部曲式结构。乐曲开始有十六小节的引子,其前四小节是引子音乐的基本素材。紧接着将音域提高小二度变化重复一次,情绪开始高涨,随之再不断提高音域,并连续出现两次,使情绪十分激昂。

第一部分,三部曲式。第一段十六小节一气呵成,第一乐句前四小节是全段音乐的基本素材,具有坚韧不拔的性格,经提高小二度变化重复后,第二乐句由低向高盘旋发展,在快速自由节奏的上行音节后结束于属七和弦。第一段移高八度变化重复后结束于主和弦。

第二段f小调,由两个八小节的乐句构成,第一乐句前四小节音乐的律动性十分强烈,给人以振奋的感受。通过向上移位模仿,变化重复,构成第一乐句的后四小节。

第二乐句八小节,音乐旋律深沉,这个旋律在提高八度变化重复后结束第二段。

第三段为第一段在高音区上的再现。

乐曲的中间部分相当庞大。为不带再现部的单三部曲式结构。第一段转入E大调,有四小节的引子,连续六个四分音符的柱式主和弦后,进入两小节模仿马蹄音响的八度节奏音型,这个音型贯穿在整个第三段的伴奏中,其主旋律像进军号般地雄壮有力。

第二段转入f小调,这里伴奏音型全部是后十六分节奏,动力性较强,而旋律则较富于歌唱性,与第一段形成对比。

第三段旋律几乎全是十六分音符构成的音阶或琶音相间的曲调,开始在G大调上出现,其调性虽然频繁转换,但音调却清晰淡雅,流畅动听,体现了肖邦所特有的抒情韵味。

再现部只将第一部分中提高了八度的第一段进行变化再现,而省略了其他部分,从而更加突出了刚劲有力、不屈不挠的战斗精神和雄伟气魄。

结尾部分以引子音乐中的主要乐思和第一部分中的开始动机为素材发展构成。这两个素材先后重复发展出现,尤其第二个素材动机的连续相接,再一次将音乐推向高潮。最后在急促的节奏中以八个扣人心弦的和弦有力地结束全曲。

【波洛奈兹舞曲】(polonaise,法;polacca,意)

又称波兰舞曲,是一种单三拍子的波兰民间舞曲。16世纪后半叶流入宫廷,成为波兰宫廷典礼行列的伴随音乐。巴赫、亨德乐、莫扎特等都曾将其用于创作。19世纪初,随着波兰民族运动的掀起,出现了许多用波洛奈兹曲调编写的爱国歌曲和带标题的钢琴曲。

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第三节 中期浪漫乐派的代表人物

19世纪中叶出现了中期浪漫主义乐派,代表人物有柏辽兹、李斯特、勃拉姆斯、柴科夫斯基、约翰·施特劳斯等。这一时期的音乐有一个重要特点,即钢琴小品、艺术歌曲等小型作品已不占主要地位,音乐创作开始转向交响音乐、民族歌剧等大型体裁。标题性交响音乐的确立与“标题交响曲”的出现,为这一时期管弦乐创作开拓了新的道路。

十、柏辽兹(H.L.Berlioz 1803─1869)

柏辽兹是法国著名作曲家、指挥家和音乐评论家,1803年12月11日出生在法国南部一个医生家庭。柏辽兹自幼酷爱音乐,可家庭希望他继承父业,十八岁时,让他赴巴黎进了医科学校。但他对医学毫无兴趣,专志于学习音乐,最后终于违背家庭意愿,放弃医学从事音乐。柏辽兹1826年入巴黎音乐学院,1830年以康塔塔《萨丹纳帕路斯之死》获罗马大奖,并创作了使他名声大振的《幻想交响曲》。1831年,柏辽兹赴罗马留学。柏辽兹在罗马留学期间,对学院的保守气氛甚为不满,因而于1832年5月提前回国。

柏辽兹回国后进入了创作的繁荣时期,作品包括:中提琴与乐队《哈罗德在意大利》、人声与乐队《纪念亡灵大弥撒》、戏剧交响曲《罗密欧与朱丽叶》、《葬礼与凯旋交响曲》及歌剧《本维努托、切里尼》等著名的浪漫主义作品。他还继续进行指挥及音乐评论活动,并撰写了《配器法》等著作及论述中国音乐的《中国的音乐形态》。从1842年起,柏辽兹去欧洲各国作旅行演出,其间创作了鼎盛时期代表作品──戏剧传奇曲《浮士德的沉沦》。柏辽兹的老年不幸丧妻丧子,1869年3月8日,六十六岁的柏辽兹病逝于巴黎。

柏辽兹是法国浪漫乐派的主要代表人物,他在继承古典传统的基础上,大胆地开创了“标题交响曲”这一新的体裁。他的全部交响曲和管弦乐序曲都有明确的标题,某些作品还有具体情节的文字说明。他在交响曲中运用了“固定乐思”的艺术手法,打破了四个乐章的传统形式(《幻想交响曲》五个乐章,《葬礼与凯旋交响曲》三个乐章),使曲式更为自由,缩小了同戏剧音乐(歌剧、清唱剧)体裁之间的界限。1830年创作的《幻想交响曲》就是标题交响曲的典范作品。

柏辽兹发展了管弦乐法,在管弦乐队中充实了新乐器,丰富了配器手法,提高了抒情写景的技巧,《配器法》一书正是他的艺术实践在理论方面的总结。柏辽兹的作品包括4部交响曲,3部歌剧,6首管弦乐序曲,以及许多清唱剧、康塔塔和声乐、器乐作品。

[作品赏析]

《幻想交响曲》(一个艺术家生涯中的插曲)

《幻想交响曲》实际上是作者的自传体式交响曲,也是作者爱情生活中某些复杂的思想感情在艺术上的再现。音乐描述一个神经衰弱而精神狂热、富于想象力的青年音乐家,在失恋时服毒自杀,但因药量不足,昏迷中进入了一个光怪陆离的幻境:他因妒嫉杀死了恋人,被处以死刑。这部交响曲由《梦幻、热情》、《舞会》、《田野景色》、《赴刑进行曲》和《妖魔夜宴的梦》五个乐章组成,每个乐章作者自拟了标题和简略的题解。这五个情绪和特性各不相同的乐章,又以一段象征恋人的“固定乐思”为统一的基本主题。随情节的发展,“固定乐思”也作了种种变化。

第一乐章“梦幻、热情”单主题奏鸣曲式。引子,广板,单三部曲式。旋律先由加弱音器的第一小提琴奏出,像回忆,又像思索。音调温柔、精致、纯真,但不免抑郁之感。

经过呈示部后,音乐进入主部主题。这个旋律是由小提琴演奏,长笛助奏,显得特别亲切、抒情。随后,音乐进入副部。副部主题比较短小,但很突出、有力,开始时同主部主题非常接近,只是比前段还要热情和激动。

展开部是主部与副部材料构成的三次起伏,并掀起三次高潮,再现部为本乐章的最高潮。由乐队演奏的主部主题像火一样热情激动,结尾音乐逐渐沉静了下来。

第二乐章“舞会”复三部曲式。引子由弦乐的弱奏震音开始,并伴有两架竖琴拨弹的华丽而带有装饰性的琶音,渲染出舞会的豪华与隆重。随后是一首节奏轻盈,旋律优美、典雅的圆舞曲主题,整段音乐十分细腻而又轻巧、柔和,并以其明朗、流畅、飘逸的进行而引人入胜。

中部是“固定乐思”,先由长笛和双簧管重复一遍,仿佛在舞会上又见到恋人的身影。再现部是圆舞曲的再现,音乐显得更加热烈、华丽。结尾又出现恋人主题,它是由单簧管独奏,似乎是主人公对遥远恋人的隐隐思念。

第三乐章“田野景色”复三部曲式。引子以英国管和双簧管的呼应来模仿民间牧歌的二重唱。仿佛一对情人沉浸在美丽的大自然中。随后,由小提琴与长笛奏出清澈、明朗、宁静的主部主题,表现了纯朴的田园风光及主人公的神态与心情。

中部音乐加上了小提琴不安的音型,当这个田园主题重新在低音区出现时,曲调已带上了阴暗、焦躁不安的色彩。当代表情人主题由长笛和双簧管吹出时,主人公的心缩紧了,他显得心神惶惑,激动不安。乐队奏出的一系列的不协和和弦,再使这种情绪达到了顶点。随着音阶的下行,刻画了主人公痛苦的精疲力竭的倦态。再现部音乐又恢复了原有的宁静,单簧管重又吹奏出牧歌的曲调,最后,用定音鼓的滚奏表现远方的雷鸣,暗示甜蜜的爱情已消逝,生活中的风暴即将到来。

第四乐章“赴刑进行曲”复三部曲式。这是一段阴森恐怖的进行曲。引子以定音鼓低沉的音响加上弦乐均匀的拨奏和圆号朦胧的自远而近的音调造成阴森气氛,接着大提琴和低音提琴奏出冷酷的主部主题。在这里,直线下行的小调旋律,更增加了恐怖的气氛。

中部引出一个庄严、辉煌的进行曲,它是由全部管乐组演奏,给人喧嚣、嘈杂的印象。

再现部乐队以最强的力度全奏第一主题,随后引入情人主题,直接进入尾声。结尾当音乐达到高潮时,在单簧管上又出现了恋人主题(固定乐思),仿佛是主人公临刑前对爱人的最后眷恋,但这个乐思很快被整个乐队猛然一击所打断。最后,管乐器上的一系列强有力和弦,定音鼓、小鼓的威武敲打,宣布了死刑的执行。

第五乐章“妖魔夜宴的梦”自由曲式。由引子和三个部分组成。第一部分开始是中世纪教堂安魂弥撒中的一支歌调《愤怒的日子》死亡主题。

中部是魔鬼的轮舞,这个舞蹈快速而怪诞。

结尾,魔鬼的轮舞在这里得到进一步的发展,与安魂主题交织在一起,乐队以极强的全奏表现了群魔乱舞的情景,最后音乐在狂热急速的喧嚣声中结束。

十一、李斯特(F.Liszt 1811─1886)

李斯特是19世纪欧洲乐坛上声名显赫的钢琴演奏家、作曲家和音乐评论家。他1811年10月22日生于匈牙利西部一个农村,六岁随父学钢琴,九岁登台表演。1821年,三位贵族资助他赴维也纳深造,拜著名的钢琴家车尔尼为师。1823年拟进巴黎音乐学院接受系统教育时,院长凯鲁比尼却以国籍为由将他拒之门外,这一挫折和打击并没有使李斯特丧失信心,反而使他更加坚强。他广泛接触巴黎的知识阶层,提高艺术修养,并跟随A.哈雷和F.帕埃尔继续学习音乐。1824年3月8日李斯特在巴黎首演一举成名,成为当时欧洲公认的一代钢琴名家和作曲家。1825年先后两度去英、法演出,在7月为英皇乔治四世演奏后,他的声誉大增,初露他创作才华的钢琴曲和歌剧《城堡的爱情》也获好评。

小提琴大师帕格尼尼1831年到巴黎的演出,使李斯特深受启发,立志做“钢琴的帕格尼尼”。由于他钻研和吸收了巴黎各派钢琴演奏之所长,技艺日臻成熟,形成了自己的学派。他还致力于革新钢琴的演奏方法,广泛地探索和开拓钢琴的表现领域。1830年“七月革命”爆发,李斯特同情里昂工人起义,接受了空想社会主义及浪漫主义思潮影响,于1834年创作了表现里昂工人起义的钢琴曲《里昂》。1838至1848年,李斯特旅欧演出的足迹遍布匈、奥、德、法、英、罗等国,获得很大成功。此后,他结束了长期的旅行演出,定居德国魏玛从事创作,并任魏玛宫廷乐长兼剧院指挥。这时欧洲各地革命相继爆发,他同情和支持这场革命,创作了《匈牙利康塔塔》和《工人大合唱》。1849年匈牙利革命失败后,他沉痛地写了钢琴曲《送葬的行列》及交响诗《英雄的葬礼》以悼念英烈。

李斯特的创作领域主要是钢琴和交响音乐,他在音乐史上最突出的贡献是首创交响诗的体裁。李斯特认为:交响乐经百年的发展后应有创新,他主张以文学诗歌的内容来决定乐曲的构思,推崇柏辽兹的固定乐思和门德尔松的单乐章标题序曲,并将这些原则发展运用到他的交响诗中。他根据内容需要,采用了单一主题贯穿、变型的发展手法及灵活的奏鸣曲式的单乐章体裁。他的13首交响诗大半是根据著名诗歌、戏剧或绘画等作品题材创作,主人公的命运大都是生前受苦、身后荣耀,充满人道主义精神。他的交响诗对后世的作曲有很大的影响,旋律中的变化音,大胆发展的和声手法,富于色彩性的配器,显示了他独特的个性,增强了管弦乐的表现力。他最著名的杰作是交响诗《塔索》。

李斯特的钢琴音乐创作和演奏在音乐史上都占有重要地位。在演奏方面,他创造了一套让钢琴发挥出乐队风采的精湛技巧,开创了钢琴独奏会和背谱演奏的先例,形成一种热情、诗意和辉煌的风格;在创作中,以激情和诗意见长的有《但丁奏鸣曲》、《爱之梦》,悲壮奋发的有《里昂》、《送葬的行列》,雄劲刚健的有《第一钢琴协奏曲》,思想深刻并富于戏剧性的有《b小调钢琴协奏曲》,最具民族民间特色的有十九首《匈牙利狂想曲》。1870年后,李斯特一面教学、传教,一面继续创作。1875年他创建了布达佩斯音乐学院,并亲任院长,教授钢琴课。1886年7月31日,李斯特因肺炎逝世于拜罗伊特。

[作品赏析]

1.交响诗《塔索》

这首交响诗是李斯特于1849年根据拜伦的诗《塔索的哀诉》写成。塔索是文艺复兴时期意大利著名诗人,他有才华和志向,却不被人理解,饱受痛苦,一生境遇悲惨。全曲由引子、第一部分“哀诉”和第二部分“胜利”组成。引子由低音弦乐器奏出缓慢的带有忧伤和凄凉的曲调。

这一旋律在全曲的发展中起着极为重要的作用,它揭示了塔索悲惨的经历。

接着音乐像一首夜曲,由大提琴奏出,好像是塔索生前的写照。这一主题在低音单簧管声部时,音调像无力的呻吟,但当它一次次由大提琴和小提琴复奏时,似已变成深挚的哀歌(bA大调),表达出塔索抒情性的一面。后来音乐改用小号奏出,音乐变得明亮辉煌,像一首坚定而又雄伟的进行曲,又像是欢乐节日的预告一般。

这个主题经过发展,引出一个旋律优美而典雅的小步舞曲。由弦乐器演奏,后来经单簧管声部转交弦乐器组分奏的音乐显得越来越光辉。描写塔索在宫廷舞会受到优待的情景。接着开始时的悲伤主题再现,结束了交响诗的第一部分“哀诉”。

交响诗的第二部分“胜利”。首先由铜管乐器奏出快速号角性的音调,预示即将出现的胜利的欢乐场面。接着,整个乐队奏出了极其壮丽、明朗、雄壮而高昂的旋律,将乐曲情绪推向高潮,表现出塔索诗歌艺术上的成就终于被人们所承认。乐队以其壮观的音响,表示人们为这位伟大诗人塔索戴上光荣的桂冠,庆贺正义这一崇高思想的伟大胜利。全曲在欣喜若狂的凯旋欢呼声中结束。

2.《匈牙利狂想曲》(第二首)

李斯特的《匈牙利狂想曲》共有十九首,创作于19世纪40--80年代,大多取材于作者在1839?847年选编出版的《匈牙利民间曲调集》,作于1847年的第二首《匈牙利狂想曲》最为典型。作品以匈牙利民间舞曲《恰尔达什》为素材。这种舞曲由两部分组成:前一部分称为“拉苏”,意思是“缓慢”,是独舞的音乐。后一部分称为“弗里斯”,意思是“新鲜”,速度迅急、热烈,是双人舞的音乐。该作品采用自由曲式,不受一般乐曲形式的限制,别具风格,独树一帜,深受各国人民的喜爱。

乐曲开始有一个速度缓慢,节奏自由,并带装饰音,沉着有力的引子,这段引子一下子就把听者引入民间生活丰富多彩的美丽画面。

接着音乐进入性格豪放的“拉苏”第一部分,音乐从中音区开始,缓慢庄严的旋律,唱出充满内在的激情,唱出悲痛的往事。在滞缓的节奏衬托下,低沉压抑的旋律蕴含着巨大的悲痛和愤怒,表现了匈牙利人民对民族不幸的哀痛和控诉,也表现了匈牙利人不屈不挠的坚毅性格。这是第一主题。

这一主题在高音区变化反复之后,音乐转入一个舞曲性旋律,它那轻快跳跃的旋律、匀称而规整的节奏,使舞曲变得更富于动力性,这支旋律在整个乐曲中十分重要,因为它还将是后一段音乐的基础。这是第二主题。

第二部分音乐速度加快,出现了狂热急板的“弗里斯”舞曲,描绘了民间节日欢欣起舞的场面;这段音乐基本上是由舞曲的第一段“拉苏”变奏发展而成的。在这些变奏中,有时运用急速的同音反复以模仿洋琴的音响,有时是主音与属音的和声交替,这也是匈牙利民间舞蹈音乐常见的特征。

随着音乐速度的加快,力度的加强,音乐进入了表现万众狂欢的群舞场面。狂放的舞步,飞腾的旋律,急速的节奏,表现出匈牙利人豪放、乐观、热情的民族性格。当乐曲达到很强的高潮之后,音乐停顿下来。舞蹈者走了,但人们又汇集起来,音乐再度响起,恢复了以前的狂热,最后在振奋人心的沸腾气氛高潮声中结束全曲。

十二、勃拉姆斯(J.Brahms 1833─1897)

勃拉姆斯1833年5月7日出生于德国汉堡一个音乐家庭,父亲是职业乐师,能演奏多种乐器。勃拉姆斯童年便随父学小提琴、大提琴、圆号,又师从当地的音乐教师学习钢琴、作曲,特别是E.马克森的严格教导和他对德奥古典音乐和民间音乐的热爱,给勃拉姆斯留下深刻的印象。由于家庭贫寒,十五岁的勃拉姆斯开始为生活奔波。他常到酒馆里弹奏钢琴,也有机会广泛地接触到民间音乐和流行音乐,他开始编写一些娱乐性的小曲。

1853年,勃拉姆斯到各地旅行演出,认识了音乐界的一些知名人物。如小提琴家约阿希姆,钢琴家舒曼、李斯特等,这些音乐大师都非常赏识勃拉姆斯的才华。勃拉姆斯也得到了这些前辈的许多帮助,并对他的创作生涯,产生了深远的影响。1853至1860年间,勃拉姆斯主要进行演出活动,他早期的音乐创作大都是一些钢琴曲和声乐曲。

1860年以后,勃拉姆斯形成了自己的风格,开始写交响曲和其它器乐曲,他的创作进入了黄金时代。勃拉姆斯的作品包括300多首声乐作品,4部交响乐,一些协奏曲、室内乐和钢琴曲,杰出作品有《c小调第一交响曲》《e小调第四交响曲》《D大调小提琴协奏曲》《bB大调第二钢琴协奏曲》《a小调小提琴大提琴双协奏曲》等。由于勃拉姆斯在音乐上的成就,他被选为柏林艺术学院院士,授予剑桥大学、布雷斯劳大学博士,荣获汉堡市“荣誉公民”。1879年4月3日勃拉姆斯因患癌症在维也纳病逝,终年六十四岁。

在勃拉姆斯的创作中交响音乐占有重要地位。在这类作品中,结构的原则、调性的布局、主题发展的逻辑性、复调思维的深刻性以及宏伟的气势等,都明显地看到巴赫、贝多芬的影响。他完整地继承了德、奥古典音乐的优良传统,同时广泛地吸收了欧洲各民族音乐文化的素养,在纯正古典音乐形式下,渗进了许多新因素(但很少采用标题),形成了“新古典主义”的音乐。在他的四首交响曲中,第一和第四首最为著名。但他的第一交响曲又不像其他作曲家的第一交响曲那样带有尝试和模仿前人的性质,而是部成熟之作。从1862年写出第一乐章到1876年最后完成,历时14年之久,反映了勃拉姆斯对德国统一前后的十多年现实生活的感受,显示了他探求理想,摆脱痛苦,走向光明的坚定信念。

[作品赏析]

《c小调第一交响曲》

这部交响曲从第一乐章沉重的疑虑、奋力的抗争,第二、三章乐殷切的期待、执着的向往,到第四乐章胜利的狂欢,热情的凯旋,激起人们思想情感上的强烈共鸣,成为世界交响乐宝库中的一部受人们喜爱的著名作品。

第一乐章,快板,奏鸣曲式。引子是一个慢板段落,低音大管、低音提琴、定音鼓的持续低音,构成一个阴沉、不祥的悲剧气氛,确立了悲剧性的基调。

主部音乐的出现,冲开了前奏阴沉气氛,小提琴奏出的兴奋、热烈的主题,像号召人们奋起的号角。这个主题的进行是不安定的、爆发性的,它的发展像万马奔腾般有气势,像在叫啸和跳跃,又像在挑战、在鼓动、在命令那样,构筑起有血有肉的有机体。

接着音乐出现了宁静的瞬间,双簧管吹出一支温柔感人,对美好前景祈求的第二主题。

随后,音乐很快进入展开部。它像是对以往奋斗历程的回顾。在展开部末尾,音乐非常强烈地再现了引子中阴沉的主题。尾声又出现引子的动机和定音鼓的敲击声,最后,以悠缓的木管长音轻轻地结束了第一乐章。

第二乐章是色彩暗淡的抒情乐曲。音乐开始,由第一小提琴和大管柔和地奏出略带伤感的第一主题,这是一支抒情美妙的旋律。

接着,双簧管奏出宁静的沉思的第二主题,它亲切、柔美,略带深沉和悲叹。

当沉思的主题再现时,音乐又加入了迷人的双簧管和圆号,唱出了动听的抒情主题,这段音乐是这部交响曲中极为动人的一个精彩乐段。最后,独奏小提琴在高音区奏出的延长音,静静地结束了这个抒情的乐章。

第三乐章是用复三段体形式写成。音乐开始以单簧管清澈透明的音色,温柔地奏出朴实无华的主题,那秀丽、典雅的行进,充满着维也纳民间舞蹈情调。

随后是一段节奏活泼、旋律流畅的音乐主题,很容易令人联想到匈牙利的民间音乐,这一插段虽短,但对音乐的节奏和形式的变化影响很大,它以木管乐器同弦乐器欢快的对答为基础,近似贝多芬《第九交响曲》中的“欢乐颂”主题。

结尾再现了欢快的基本主题。

第四乐章,奏鸣曲式,表现了积极向上的力量与黑暗的重压作最后的决战。开始是慢板的引子,充满了低沉阴郁的情绪。首先是乐队表现绝望的恸哭,接着是从深处悄悄地出现并迅即席卷全部弦乐组的神秘拨奏和定音鼓的滚奏,掀起了一次次的浪潮起伏。突然,浑厚的圆号奏出了一段悠长宽广的曲调,随后,长笛在高音区奏出这支旋律的“回声”,据说这是阿尔卑斯山的号角声。

当阿尔卑斯山的号角声再次奏响时,出现了著名的,威武、庄严的第一主题,它近似贝多芬《第九交响曲》终曲《欢乐颂》。全曲在这里达到壮丽雄伟的顶峰。

在这个基本旋律稍经反复和发展之后,引子中那个圆号的信息又出现了,随之而来的是第一小提琴轻盈的奏出第二主题,它表现了经过斗争取得胜利的欢乐心情。

再现部由弦乐演奏,音乐变得欣喜若狂。最后铜管乐器以无比强大的力量,高奏明亮胜利的凯歌,情绪显得庄严豪放,将全曲的气氛推向高潮。

十三、柴科夫斯基(P.I.Tchaikovsky 1840─1893)

俄国作曲家柴科夫斯基1840年5月7日生于沃特金斯克,父亲是一位矿山的工程师,母亲是一位音乐爱好者。小时候,母亲常给柴科夫斯基唱一些古老的俄罗斯民歌、浪漫曲及当时的流行歌曲,由于他天生敏锐和从母亲那里得到的音乐启蒙教育,很早便显露出音乐才华。1850年,父亲送他进彼得堡法律学校学习,希望他能到政府任职。此后,柴科夫斯基一面学习法律,一面选修音乐课,从师菲利波夫学习钢琴,并开始了音乐创作。1859年,他学习毕业进入司法部任职,同时继续钻研音乐。1862年,圣彼得堡音乐学院成立,柴科夫斯基成为了俄国第一所音乐学院的第一批学生,在扎连芭和鲁宾斯坦的指导下学习。

由于司法部工作与学习音乐的矛盾,柴科夫斯基几经考虑,终于在1863年辞去了司法部的官职,献身于他热爱的音乐事业。三年后,他以优异的成绩毕业于圣彼得堡音乐学院。1866-1878年间,柴科夫斯基任教于新成立的莫斯科音乐学院,并继续进行音乐创作,他的早期作品包括:3部交响曲、钢琴协奏曲、歌剧、舞剧、管弦乐序曲、室内乐等。

1877年,柴科夫斯基与学生安东尼娜·米柳科娃结婚,这个不幸的婚姻不久即离异。工作的繁重与婚姻的失败,使他濒临精神崩溃。这时,柴科夫斯基得到了颇有文化及音乐修养的富孀娜杰日达·冯·梅克的友谊。梅克夫人出于对他音乐的欣赏,给予了优厚的经济资助,使他得以辞去教职,一心从事创作。柴科夫斯基将《第四交响曲》送给了梅克夫人。

柴科夫斯基是俄罗斯历史上最全面的作曲大师,他的作品遍及歌剧、舞剧、交响乐、钢琴曲、协奏曲、室内乐等各个领域,内容十分广泛。在浪漫乐派代表人物中,他是唯一在创作领域中达到古典大师广度的作曲家。柴科夫斯基在舞剧音乐创作上取得的成就,更具有特殊的意义,他对舞剧音乐进行了许多创新,克服了舞剧音乐公式化的弊端,赋予舞剧音乐以交响性的发展,提高了舞剧音乐的表现力,使舞剧音乐更富于戏剧性。柴科夫斯基的舞剧《天鹅湖》、《胡桃夹子》、《睡美人》等对世界舞剧艺术的发展产生了巨大的影响,成为各国芭蕾舞台上广泛流传的精品。柴科夫斯基于1893年11月6日逝于圣彼得堡。

[作品赏析]

1.芭蕾舞剧《天鹅湖》选段《第二幕、场景》

这一段音乐是舞剧《天鹅湖》第二幕的前奏曲。密林环绕的湖面上,倒映着皎洁的明月,一群洁白的天鹅静静地悠游。乐曲的开始是竖琴的琶音和小提琴的颤音,接着双簧管奏出天鹅的主题。

天鹅的主题音乐优美,含有哀怨、忧伤的情调。这些白天鹅是被恶魔施了妖术变了形的公主奥杰塔和她的侍女们,恶魔则化身为猫头鹰,不分昼夜地监视她们。音乐进入高潮,乐队全奏天鹅的主题后,出现暗示恶魔的音型。

这时,从林中走出手持弓箭的王子齐格弗里德和他的朋友们,他们正在寻找猎物棗天鹅。朋友们商定分头去寻找,王子独自留在了湖边。

2.《1812》序曲

这首著名的序曲是1880年柴科夫斯基应鲁宾斯坦的要求,为重建因1812年战火被毁的莫斯科大教堂而作。作品以1812年抗法战争胜利的历史事件为题材,用奏鸣曲式写成。

乐曲的开始是一个序奏,它包括两个主题,第一主题采用俄国圣歌《上帝,拯救你的众民》,是由弦乐奏出的缓慢、庄严的主题,木管乐器与之相呼应,仿佛是俄国人民在国难当头祈求上帝保佑。

接着是乐队的轰鸣,低声部出现一种惊惶不安的节奏,带来骚乱而激动的情绪,音乐的速度开始不断地加快,音响不断地加强,描写俄罗斯人民对家园被侵略、践踏的悲愤与反抗。在小军鼓伴奏下,圆号和木管奏出序奏的第二个雄壮的号召性俄罗斯骑兵主题,表现军队整装集结奔赴前线,音乐带有骑兵进行曲的特点,激昂而雄壮。

这个主题几经反复后转入快板部分。快板的主题是冲击性的,像旋风一样急促,描绘了紧张的战斗场面。从这个主题特意加强的重音和切分音中,仿佛可听到剑击声和马啼声。

在乐曲中段,由圆号吹奏的《马赛曲》自远而近,它是法军入侵俄国国境的象征。

上下行音阶的相互对抗,形象地描绘了俄、法两军的生死搏斗,乐曲在高潮时突然平静下来,紧接着奏出了副部两个抒情、优美具有俄罗斯风格的主题,表现了战斗间隙中俄军战士对祖国和家乡的热爱与思念。第一主题是弦乐演奏的一段宽广、流畅、深情的曲调。

第二主题是由长笛、英国管吹奏的一段具有舞曲特点的俄罗斯民歌《在大门旁》的旋律,描写了俄罗斯人民即使在危难时刻仍然不失去蓬勃的朝气和肯定自己力量的信心。

展开部再现了战争场面。主部主题和《马赛曲》的此起彼伏,铜管、木管、弦乐的交错出现,表现大炮的轰击鼓、钹声,描写了战争的白热化,展示俄军正向侵略者进行反攻。

再现部音乐转到坚强有力的大调,表现了反侵略战争的节节胜利。副部虽出现《马赛曲》主题,但很快被骑兵主题压制、撕裂,乐曲的下行音阶描绘了最后的搏击和敌军的溃逃。

序曲尾声是庄严的凯旋庆典,引用了沙俄国歌的曲调(即格林卡歌剧《伊万、苏萨宁》中《光荣颂》主题),并加进炮声、钟声,全曲在庆祝保卫祖国的辉煌胜利气氛中结束。

3.《b小调第六交响曲》(悲怆)(op.74)

《第六交响曲》是柴夫斯基在生命的最后一年写成的作品,是一位饱经风霜、历尽坎坷的音乐伟人沉静的、最后的思考,也是作者自信为最佳的作品。全曲共分四个乐章。

第一乐章,快板,奏鸣曲式。引子暗淡、缓慢,由大管在低音区以苍老的音色奏出沉重的叹息,陪伴它的只有低音提琴半音下行,充满悲痛的情绪及单调、阴暗的悲剧性色彩。

主部主题由中提琴、大提琴奏出,音乐是那样的短促,显得特别惊慌不安。

副部主题是从中提琴的一个富有表情的乐句引入,这个暗淡但充满着向往之情的乐句,打开了进入抒情世界的通路,体现了个人对过去的甜蜜回忆和对幸福美好未来的渴望,特别是五声音阶的进入,使它显得特别清新,带弱音器演奏的小提琴奏和大提琴的特别柔和音色,又为它增添了不少温暖、诚挚的感情。

突然全乐队猛然击出一个强有力的和弦,打破了梦境的回忆。展开部暴风雨般的全奏,冲突、搏斗、呼号、哀痛交织在一起,形成一次次感情的高潮。高潮之后,一切恢复了平静,音乐在葬礼般的象征着不可避免的死亡气氛中结束。

第二乐章是文雅明朗的快板,复三部曲式。这一乐章是五拍子的圆舞曲,主部由大提琴奏出清新、愉快、轻盈、柔美如歌的旋律,仿佛将人们带到幸福的遥想中去。

中段,舞曲突然消失,表现出无可奈何的哀伤,出现了忧郁叹息的音调,好像是说,即便是这欢乐的舞会,依然无法排遣主人公的内心痛苦和悲伤。

最后舞曲再现,结尾曲调从明朗转为阴暗,甜美回忆与痛苦心酸交织在一起。

第三乐章,活泼的快板,谐谑性进行曲,表现了人与生活道路上的障碍进行斗争。主部是谐谑曲的风格,是由小提琴轻快柔和的瑟瑟声开始,浮动不息的音调,表现出慌乱不安的情绪。

副部是由双簧管和铜管先后奏出的进行曲。这是从苦恼与哀痛中迸发出的鼓舞人心的战斗号角,具有势不可挡的气魄。

这个英雄性主题不断发展着,最后,这个主题以最强的力度由全乐队的强奏进入本乐章的结尾。震耳欲聋的音响表现出压倒一切的意志和力量,浩大的声势形成乐曲高潮。

第四乐章,悲哀的慢板,是用没有展开部的奏鸣曲式写成。主部是令人心碎的哀痛音调,抒情的下行的旋律,不协和的和声,表现出悲剧性的主题。

它挣扎前进到一个小高潮,又悲痛地下行减弱。主部经过重复发展后,副部主题由第一小提琴和中提琴奏出,它仿佛是在从极度的悲哀中倾诉对生命的眷恋。

乐曲接近尾声时,小号、长号奏出了安魂祷告的音调。随着音乐越来越低沉,最后在大提琴的低音深处重复着这个音调,直至音乐完全寂静下来。

十四、约翰.施特劳斯(J.Strauss 1825─1899)

维也纳轻音乐的兴起,是浪漫主义中期德奥音乐的一个重要现象。19世纪上半叶是沉闷的复辟年代,维也纳的人们为从音乐、舞蹈中寻求精神上的安慰,在19世纪中叶兴起了轻松愉快的圆舞曲,约翰·施特劳斯就是这一时期最有影响的圆舞曲作曲家。

约翰·施特劳斯于1825年10月25日出生在奥地利维也纳一个著名的音乐家庭,父亲是维也纳圆舞曲的奠基人老约翰·施特劳斯。由于家庭的影响,小约翰从小热爱音乐,年仅七岁时就创作了第一首圆舞曲。因父亲反对他学音乐,小约翰只得到实业学校学习商业,但母亲理解他的志愿,又私下为他请了音乐教师。1844年,十九岁的约翰·施特劳斯组织了一个乐队,亲自指挥演奏了他创作的三首圆舞曲。首演获得成功后,他选择了以音乐为终生职业。1849年老约翰去世后,他便领导起父亲的乐队,他在乐队拉小提琴和指挥,并不断地创作。约翰·施特劳斯的一生完全在创作和演奏中度过,他令人心旷神怡的作品和光彩照人的演奏及指挥,确立了他在奥地利乐坛上小提琴家、指挥家和作曲家的地位。

约翰·施特劳斯有编号的作品近500首,其中圆舞曲170首、波尔卡141首、方阵舞曲69首、进行曲47首。加上无编号其总数估计在800首以上。他的创作可分为三个时期。第一时期(1844-1863)遵循兰纳和其父确定的维也纳圆舞曲形式,代表作有《爱之歌》《无穷动》等。第二时期(1864-1870)创作趋于成熟,广泛流传的维也纳圆舞曲多作于这一时期,如称为“奥地利第二国歌”的《蓝色多瑙河》,形象鲜明与奥地利民间音乐息息相通的《维也纳森林的故事》等。第三时期(1871-1899)虽然写出了著名的《南国玫瑰》、《春之声》、《皇帝圆舞曲》等,但主要转入轻歌剧创作。他的轻歌剧回避了尖锐的社会矛盾,充满幽默的情绪。1899年6月3日,约翰·施特劳斯病逝在维也纳,享年七十四岁。

约翰·施特劳斯享有“圆舞曲之王”的美称,虽然他的作品对生活还缺乏深刻性,但表现了奥地利人民热爱生活的思想感情和喜爱音乐的气质。约翰·施特劳斯的圆舞曲大部分为大调式,节奏富有动力,曲调华丽而甜美,灵活运用同音反复,常用三度或六度的和声音程连续进行,配器简明而音响丰满。约翰·施特劳斯的圆舞曲可称为舞蹈的诗篇,可他也像那些创作舞蹈音乐的先辈那样,不大关心自己作品的题材与音乐内容的联系,但也有一些作品音乐的形象鲜明突出,在听者的意识中完全可以唤起同确定的标题相吻合的想象,《蓝色多瑙河》和《维也纳森林的故事》就是那样。

[作品赏析]

《维也纳森林的故事》圆舞曲

《维也纳森林的故事》圆舞曲以描绘维也纳四郊美丽如画的景色和民间韵律而征服听者。这首乐曲犹如一幅以维也纳近郊森林作为背景的风俗性的画卷。其中对森林情景、舞蹈场面描绘得有声有色,可以说,这是一首标题形象鲜明生动的,别开生面的音诗。

全曲由序奏、五首小圆舞曲和结尾组成。序奏比较长,速度缓慢,开始是由单簧管在圆号的衬托下吹奏出具有民间风情的牧歌旋律,表现出平静的田园气氛。

随后音乐转到G大调,由大提琴奏出优美抒情的第二段。

序奏的第三段是用奥地利民间乐器齐特琴演奏的。齐特是奥地利提罗尔山区的一种多弦乐器,用它独奏,赋予旋律浓郁的乡间色彩,因它是那样的甜美、抒情、朴实,随后由乐队演奏圆舞曲节奏型,表现了大地复苏,森林充满生机的情景。

接着的五支圆舞曲可以说是一个比一个更迷人,表现出处处充满着抒情诗般的温柔和旺盛蓬勃的朝气。第一圆舞曲速度中庸,甜美深情。

第二圆舞曲的主题是奥地利民间的连德勒舞曲,纯朴、轻快。

第三圆舞曲先在bE大调后转入bB大调,先由第一小提琴演奏出轻巧活泼的旋律,小号等管乐器随之加入,表现人们欢乐歌舞的愉快心情。

第四圆舞曲bB大调第一主题旋律在中音区有较强的歌唱性和旋转性。

第五圆舞曲是全曲的高潮,第一主题轻快、活泼;由大提琴和低音乐器从容不迫地演奏。

尾声用前面几个圆舞曲素材编成,仿佛让人们再一次回顾维也纳森林里的各种景象,音乐在热烈欢乐的气氛中形成全曲的高潮。最后再以“齐特”琴的一段独奏作为全曲的结束,以与序奏头尾呼应,把人们带回维也纳乡间和平、美好的境地。

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第四节 欧洲歌剧及主要作曲家

浪漫主义时期是欧洲音乐文化发展的重要阶段,这一时期除交响乐作曲家之外,还涌现出了以罗西尼、威尔迪、普契尼、瓦格纳、比才等为代表的歌剧作曲家,创作出了大量优秀的歌剧作品,推动了欧洲歌剧的发展,充实了欧洲音乐的繁荣与昌盛。

三百多年来,歌剧一直是音乐节目中最有吸引力的形式之一。欧洲歌剧产生于16世纪末,公认的首部歌剧为1597年在佛罗伦萨上演的《达佛涅》,三年后又上演了《欧里狄克》,对早期歌剧起重要作用的是C·蒙泰韦尔迪的《奥尔甫斯》。17世纪末,斯卡拉蒂创立了那不勒斯乐派,确立了歌剧咏叹调与序曲的三段式。意大利歌剧传到德、法、英等国后,这种正歌剧的创作进入了繁荣时期。随着18世纪轻歌剧、喜歌剧的兴起,以大量咏叹调堆砌的正歌剧开始引起观众的不满,继而引发了戏剧与音乐相结合的歌剧改革,为此作出了重大贡献的为德国的格鲁克。

在轻、喜歌剧盛行之后,19世纪上半叶,出现了充满浪漫气息的新歌剧。浪漫主义时期的歌剧在19世纪音乐史上占着非常重要的地位,它是欧洲歌剧三百年发展的结晶,在意、德、法三国形成了各有特色的三个歌剧流派。

十五、罗西尼(G.A.Rossini 1792─1868)

歌剧在意大利有着悠久的历史,在各阶层的文化生活中占有一定的地位。18世纪末,由于统治制度扼杀了歌剧的进步思想内容,使歌剧进入衰落时期。在意大利民族解放运动的影响下,罗西尼创作了大量优秀的意大利新歌剧,从而名垂意大利歌剧史。

罗西尼1792年2月29日出生于意大利佩萨罗一个平民家庭,父亲为卢戈镇上的小号手和屠宰场检查员,母亲是喜歌剧演员。由于他父母都从事音乐,&127;使他从小就受到音乐的熏陶。他曾在教堂当歌手,在剧院演奏羽管键琴,这一切都为他的歌剧创作奠定了基础。1806年,罗西尼入波罗尼亚音乐学院学习歌唱和大提琴,从此开始了他的音乐生涯。

学生时期他创作了一些器乐曲和宗教音乐,1807年写出了他的第一部歌剧《德梅特里奥与波利比奥》。1816年创作的《塞维利亚的理发师》是他喜歌剧创作中最成功的代表作,这部作品集中了意大利喜歌剧的精华,旋律流畅、结构紧凑、语音生动、形式自由,从序奏到终曲,&127;让人充分领悟到生命和智慧的活力。

1829年,罗西尼写出了他最后的杰作《&127;威廉·退尔》。在罗西尼的歌剧中,《威廉·退尔》是一部思想内容充满斗争精神,戏剧结构新颖,音乐简洁朴实的佳作。歌剧的序曲也很出色,至今是音乐会的名曲。这部歌剧为19世纪欧洲歌剧创作提供了宝贵的经验。

罗西尼由于写《威廉.退尔》曾倾注了全力,此后长期神经衰弱,就此搁笔不再写歌剧。他曾被推举为波罗尼亚音乐学院名誉院长,对该院教学方法进行了改革。1848年离开该地;1855年定居巴黎。作为艺术界、知识界的中心人物,他在此安度了最后的十三年。1868年逝世,葬于巴黎,1887年其灵柩又移葬于佛罗伦萨。

【谣唱曲】(Cavatina意、)

正常形式的歌剧独唱咏叹调。旋律性很强,表现力丰富,富于戏剧性,&127;能集中体现剧中人物的心理状态和形象,以一段体代替古典咏叹调的三段体,歌剧字句不带反复。

[作品欣赏]

1.《我心中有个声音》罗西娜的咏叹调(选自歌剧《塞尔维亚的理发师》)

歌剧《塞尔维亚的理发师》是根据法国18世纪著名的剧作家博马舍《费加罗》三部曲中第一部的故事写成,作品完成于1816年。歌剧讲述了年轻的伯爵阿尔维瓦在塞尔维亚城的一名理发师仆人费加罗的帮助下,运用计谋战胜了医生巴尔托洛和音乐教师巴西利奥,最终与意中人美丽的罗西娜结为夫妻的故事。《我心中有个声音》是歌剧第二幕开始时,罗西娜在房中回忆起那个自称林多罗(阿尔维瓦伯爵)的穷学生时唱的一首谣唱曲。

音乐开始由弦乐演奏情绪活泼的前奏,第一段罗西娜唱出了节奏比较自由的谣唱曲,抒发了少女对甜蜜爱情的渴望。

当唱到“啊,林多罗我的情郎,我愿占有你的心房”时,表现了罗西娜对爱情婚姻自由的决心,旋律变得华丽而宛转动人。

在这之后,音乐里采用了多次“Re”音的同音反复,表现了罗西娜想起监护人巴尔托洛对她爱情进行干预时的气恼,前后两个音调形成了强烈的对比。经过一段较长的间奏,音乐速度放慢,此时的节奏已由前半段的3/4拍,变为4/4拍,仿佛是罗西娜正在沉思。经过认真思考后,罗西娜决心冲破巴尔托洛的阻挠,把爱情献给心爱的人。第二段表示了罗西娜坚定的决心。这一段唱腔,充分显示出花腔女高音的技巧。

最后是活泼的结尾。

2.歌剧《威廉·退尔》序曲

歌剧《威廉·退尔》取材于德国诗人席勒的同名剧作。剧情是根据13、14世纪的一个民间传说编写的,它叙述瑞士人民在英雄威廉·退尔的领导下,与奥地利统治者展开英勇斗争,争取民族自由解放的故事。歌剧的序曲要比歌剧更为出名,也是罗西尼的歌剧序曲中最重要的一首。这首序曲由四个部分组成,每个部分均附有标题。

黎明──描写了阿尔卑斯山黎明的景色。乐曲开始是徐缓的引子,表现阿尔卑斯山的恬静。接着由大提琴独奏出徐徐上升的旋律。

暴风雨──速度转为快板,开始是小提琴快速的颤音、碎弓急速的上、下行,它加强了乐曲的紧张气氛,预示着远处暴风雨的渐渐逼近。在定音鼓长达56小节的震响中,管弦乐队奔涌出急速的音流,来势凶猛的暴风雨骤然而至。长笛奏出模仿鸟鸣的音调,使气氛趋于缓和,乐曲转入第三部分。

幽静──音乐描写了阿尔卑斯山区雨过天晴的美丽景色。英国管奏出悠扬的牧歌,长笛在远处与之对答,园号、弦乐以和声相衬,使和平的气氛十分浓郁,给人以深刻的印象。

终曲──乐曲开始奏出了嘹亮的军号声。随后,热情地刻画了瑞士人民奔赴战场、英勇战斗的形象,并模拟了马蹄奔驰的节奏,音乐热烈、快速,带着英雄气慨,也表现瑞士民众热烈拥护的场面。经过由木管乐器演奏的中间部,气氛逐渐高涨。

乐曲最后在瑞士人民欢庆武装反抗奥国暴君取得胜利的气氛中结束。

十六、威尔迪(G.Verdi 1813─1901)

威尔迪1813年10月9日生于意大利北部布塞托市郊一个乡村旅店主家庭。他幼年就显露出音乐的天赋,但十二岁才学习音乐。威尔迪在布塞托商人巴雷齐的办事处任职员时,巴雷齐发现了他的才华,他为威尔迪筹到两年的助学金,使威尔迪得以去米兰学习音乐。1832年,威尔迪投考米兰音乐学院,院长以他不具备专业音乐家的条件而未录取,威尔迪便跟随作曲家拉维尼亚学习。他刻苦钻研,收效很大,很快掌握了作曲技巧,于1836年完成了歌剧《罗彻斯特》,同年与巴雷齐的女儿玛格丽塔结婚,1838年,他偕妻移居米兰。

1837-1838年,威尔迪的歌剧《博尼法乔伯爵奥贝尔托》在米兰上演获得成功。但他不久便经历了生活中的第一次沉重打击,病魔夺走了他的两个孩子和爱妻,使他家破人亡。面对这场不幸,他曾想放弃音乐事业,但还是以坚强的毅力挺了过来。1841年,他的歌剧《纳布科》获得空前的成功,并使威尔迪成为意大利著名的年轻作曲家。从1851年起,他的三大歌剧《弄臣》、《茶花女》、《游吟诗人》相继问世,继而又完成了《假面舞会》、《命运的力量》等多部歌剧。1870年,名扬世界的威尔迪在完成了歌剧《阿依达》后间断创作达十六年,人们以为威尔迪的创作已经衰竭。但令人惊异的是,1884年,七十一岁的威尔迪经过十几年的沉默又重整旗鼓,写出震惊世界的两部歌剧《奥塞罗》和《福斯塔夫》。

从五十年代开始,威尔迪的歌剧创作进入了成熟的阶段,比起早期历史题材的英雄歌剧来说,不仅对人物的性格和心理状态有比较深刻细致的刻划,音乐的布局和结构也有了显著的变化,管弦乐也改变了它的从属地位,起着积极的、主导的作用。威尔迪成熟时期的歌剧,在题材和体裁方面也有明显的转变。出现在舞台上的已不是神话人物或历史上的帝王将相,而是现实生活中有血有肉的普通人。演的已不是悲壮宏伟的英雄歌剧,而是亲切细腻地描写世俗人情的抒情歌剧和社会悲剧。这些歌剧揭露了专横残暴的封建统治者、狡猾自私的资产阶级伪善者、奸险毒辣的阴谋家的丑恶面目,表现了对被损害、被欺压人物的深切同情;反映了当时意大利人民的民主愿望,激起人们对腐朽残暴势力的憎恨和反抗。

威尔迪的一生,前后经历了五十年之久的创作活动,写出了28部歌剧。他是人们心目中最伟大的“歌剧大师”,他的歌剧作品至今仍在世界各地兴演不衰。19世纪意大利浪漫歌剧在威尔迪这里达到了顶峰。1901年1月27日,威尔迪逝世于米兰,享年七十八岁。几十万米兰市民唱着《飞吧,思想,鼓起金翅膀》为他送葬。

[作品赏析]

《饮酒歌》(选自歌剧《茶花女》)

《茶花女》是威尔迪1853年的作品。剧本根据小仲马的同名小说改编。巴黎上流社会名妓薇奥列塔为青年阿尔弗来德真诚爱情所感动,决心放弃她的浮华生活,到巴黎郊外与他共度幸福时光。但是阿尔弗来德的父亲乔治·亚芒坚决反对,认为这样的举动将玷污他家的名声,薇奥列塔只得忍痛远离阿尔弗来德。起初,阿尔弗来德误认为薇奥列塔已经变心,盛怒之下,在公开场合对薇奥列塔进行了侮辱。在薇奥列塔奄奄一息时,父子俩猛然醒悟,前来向薇奥列塔解释误会。但已太晚了,薇奥列塔在阿尔弗来德的怀里死去。

这首饮酒歌是《茶花女》第一幕中,在薇奥列塔家客厅里举行宴会时演唱的。歌曲为B大调,3/8拍,单三部曲式。这是阿尔弗来德和薇奥列塔的二重唱,中间加有合唱。

第一段音乐是明朗的大调。轻快的华尔兹节奏以及上扬的六度大跳,洋溢着青春的活力,歌声里表现了阿尔弗来德借酒抒发他对真诚爱情的渴望和赞美。先由阿尔弗来德起唱:“让我们高高举起这欢乐的酒杯,把酒杯中的酒饮干。”

第二段音乐是第一段音乐的再现,轻松的节奏,跳进的旋律,表现了女主人公薇奥列塔内心的感受。

第三段音乐转入了属调E大调,音乐的情绪更加热烈,在演唱形式上,采用薇奥列塔和阿尔弗来德的对唱来表达男女主人公的相互爱慕之情。大家随声合唱,在富丽堂皇的气氛中结束全曲。

十七、普契尼(G.Puccini 1858─1924)

普契尼是19世纪继威尔迪之后,意大利又一有影响、具才华的歌剧作曲家,是“现实主义”歌剧的代表人物。普契尼1858年12月23日生于意大利卢卡一个音乐家庭,父亲是教堂风琴师兼宗教音乐作曲家,在他六岁时,父亲便去世了。因此,普契尼家境十分贫困。他小时没有显露音乐的才华,他是在家人的鼓励下进入卢卡音乐学院学习的。他十九岁任圣马丁教堂合唱队长、管风琴师,创作了一首多声部无伴奏圣歌。这期间他深受威尔迪歌剧的影响,并立志要成为一名歌剧作曲家。1880年,普契尼考入米兰音乐学院学习作曲,师从篷基耶利等。这位雄心勃勃的年轻作曲家,在他二十六岁时写出了第一部歌剧《神灵》。九年后,普契尼完成了歌剧《玛侬·莱斯科》,演出获得了成功,并使他一举成名,奠定了他作为著名歌剧作曲家的牢固地位。此后,他创作了许多具有国际声誉的歌剧。

普契尼的歌剧创作是从现实主义起步的,最为著名的三大歌剧《艺术家的生涯》、《托斯卡》和《蝴蝶夫人》都获得了巨大的成功,这三部歌剧作品中的主人公都是温柔妩媚、缠绵悱恻、一往深情的。普契尼的歌剧创作继承了意大利的现实主义传统和人道主义精神,发展了意大利歌剧的传统表现手法。他借鉴各民族乐派的成就,顺应时代的潮流,兼收了当代和声、管弦乐法、曲式等方面的新技巧。他发扬了意大利歌剧新的形象性的朗诵和咏叹风格,让乐队担负戏剧性布局的作用,发展了舞台情节使歌剧的戏剧性布局动力化等新手法。普契尼是继威尔迪之后在意大利歌剧界升起的一颗新星,对20世纪的歌剧发展产生了巨大的影响。1924年11月29日,普契尼卒于布鲁塞尔。

[作品赏析]

《人们叫我咪咪》(选自歌剧《艺术家生涯》)

歌剧《艺术家生涯》是根据法国作家米尔热的小说《波希米亚人的生活》的片段编写而成,歌剧音乐新颖,旋律朴实无华,深刻地揭示了剧中人物善良的性格,细致地描绘了他们的内心世界。这部歌剧经受了时间的考验,至今仍为世界各国经常上演的歌剧之一。

歌剧描写的是19世纪30年代居住在巴黎拉丁区的四名穷艺术家以及绣花女咪咪等人的不幸遭遇。在第一幕里,诗人鲁道夫和绣花女咪咪初次相逢,互表身世,唱出了两首十分动人的咏叹调。《人们叫我咪咪》是诗人鲁道夫《多么冰冷的小手》之后咪咪紧接着对鲁道夫的回答,她在介绍身世的同时,更主要是抒发了自己内心的渴望和真实的感情。

第一段音乐属宣叙调,在这里咪咪说出了自己的名字,道出了自己的职业,共十四小节,一开始调性不稳,表现了咪咪当时心神不定的神态,随后歌声逐渐连贯流畅,表现了咪咪克服了羞怯和犹豫。

第二段音乐是爱情的独白。舒展、流畅的旋律,加上富于效果的配器,与第一段形成性格对比,“叙述了诗一般梦境和幻想,这一切只有诗人才能欣赏”。

接着是宣叙调的风格,五小节插句再现了第一段的音乐,但节奏稍加变化,显得活泼、轻快,将咪咪天真可爱的性格描绘得栩栩如生。

接下去是此曲的中间部分,音乐是小快板,咪咪继续讲述了自己的生活,这一段前半部的乐队伴奏采用弦乐拨弦形式,轻松而有生气。

随后是全曲的高潮,转入浪漫的行板,音乐从中音区开始逐句向上发展,直到高音区以最饱满的激情唱出自己最最深切的渴望“春天第一个甜蜜的情吻属于我”。这段音乐感情十分丰富,很能激起人们的同情心。

最后尾声是一个短短的宣叙调,宣叙自然、亲切,并轻轻地结束在主音上,表示他们谈话暂时结束。这是一首歌唱青春的喜悦,充满朴实、典雅和富有美感的名曲。

十八、瓦格纳(R.Wagner 1813─1883)

瓦格纳是德国作曲家、指挥家、诗人、剧作家。1813年5月22日出生于莱比锡,生父早亡,继父L·盖尔是一位多才多艺的话剧演员、文学家和肖像画家。瓦格纳在家庭的影响、熏陶下,非常喜爱古西腊悲剧和莎士比亚的戏剧,很快表现出在戏剧方面的能力。

瓦格纳在青年时期很爱好音乐和文学,从1831年起,他一面在莱比锡大学就读,一面学习作曲理论,1832年写作了交响乐,1833年尝试创作歌剧,并在维尔茨堡担任合唱指挥。1834年完成了歌剧《仙女》,同年到马格德堡担任剧院音乐指导,并创作出第二部歌剧《爱情的禁令》,该剧1836年在马德堡上演。1838-1842年他创作并上演的《黎恩济》和《漂泊的荷兰人》先后获很大成功,因而被任命为宫廷歌剧指挥。

四十年代的瓦格纳创作精力旺盛,完成了《汤豪舍》和《罗恩格林》两部歌剧,但这期间德国社会开始动荡不安。1848年,当他着手创作以尼伯龙根的英雄故事为题材的系列歌剧时,刚完成《齐格弗里德之死》的剧本,德累斯顿就发生了1849年的起义。瓦格纳因向往民主自由,站在了革命者一边,结果遭到警方通辑,他只得逃往魏玛投奔李斯特,后在苏黎世定居。在那里,他写出了重要的论著《歌剧与戏剧》及其他论文,同时继续创作歌剧剧本及《莱茵的黄金》和《女武神》两剧的音乐。

1861年,瓦格纳终于获准重返德国。欣喜之下,着手创作《纽伦堡的名歌手》。60-70年代,他主要是创作和演出。1876年8月,拜罗伊特市政局为上演他的歌剧《尼伯龙根的指环》而建造的歌剧院落成,瓦格纳亲自指挥上演了四部《指环》的歌剧。自1878年起,他心脏病频频发作,1883年2月13日他在威尼斯溘然长逝,葬于互恩弗里德。

瓦格纳的音乐气概万千地占据了19世纪的歌剧舞台。他亲自创作每一部歌剧台本,选定题材后大量阅读原始资料,先写出散文稿,后写成台本,最后才创作音乐。他吸取韦伯、李斯特、柏辽兹作品的长处,追求音乐和戏剧不可分割地的艺术形式。他的《特里斯坦》一剧运用高度半音化的写法,把调性推向极限,为勋伯格的革命开辟了道路。他把主导动机的运用发展成精美的艺术,不仅用于刻画人物,揭示感情,并将主导动机编织在配器织体中,使管弦乐无比丰富。他的歌剧要求新的歌唱技巧和新型歌唱家。他的乐剧与传统的歌剧有着根本的区别,成为19世纪独特的音乐体裁。瓦格钠的音乐具有令人如痴似醉的力量,他的《指环》技巧出神入化,长达20小时的音乐始终保持新鲜的灵感,听来惊心动魄,不愧为人类艺术成就的高峰。他是少数改变了音乐历史进程的作曲家。

[作品赏析]

《婚礼进行曲》(选自歌剧《罗恩格林》)

《罗恩格林》是瓦格纳写于1845-1848年,1850年首演于魏玛的一部三幕歌剧。该剧取材于十三世纪德国的英雄传说,故事发生在十世纪德国的安特卫普。

布拉班特公国泰拉蒙德伯爵为篡夺权力,用妖术将年幼的公爵戈特弗利变为天鹅,并诬蔑戈特弗利的姐姐爱尔莎公主谋害了戈特弗利。国王亨利开庭审案,下令愿为爱尔莎辩护的人和泰拉蒙德比武。这时,河上驶来一只由天鹅牵着的小船,船上站着一位英俊的银甲武士,这就是爱尔莎梦中的罗恩格林。他要为爱尔莎辩护,并和爱尔莎结婚。但爱尔莎要答应一个条件:永远不能询问他的姓名和来历,假如问了,他势必离去。爱尔莎答应了。比武结果,罗恩格林胜利了,他与爱尔莎举行了热烈的婚礼。

《婚礼进行曲》原为四部合唱,为歌剧《罗恩格林》中爱尔莎与罗恩格林婚礼时群众所唱。这首合唱曲一百多年来深受欢迎,被改编成为多种形式的管弦乐曲。此曲庄严、优美、抒情、自然,广泛用于婚礼音乐,是一首无论在舞台或教堂都适用的著名作品。

《婚礼进行曲》采用单三部曲式,bB大调,中板,2/4拍。四小节引子后呈示第一部分宏伟庄重的主题,描绘了在辉煌的婚礼场面中,簇拥着新郎新娘缓缓行进的行列。

中间部分主题显得柔和、温情,具有一定的歌唱性,表现了婚礼愉悦、温和的气氛。

第三部分是第一部分主题的再现。整个乐曲演奏时,常采用由弱至强,再由强至弱的音响和力度,象征着婚礼行列由远至近,又由近至远,最后在渐渐消失的乐声中结束。

十九、比才(G.Bizet 1838─1875)

比才是十九世纪法国著名的作曲家,在十九世纪欧洲音乐史中占有十分显赫的地位。他1838年10月25日出生于法国巴黎一个音乐世家。九岁入巴黎音乐学院学习作曲,在校其间成绩优异,1857年获罗马大奖后赴意大利学习三年。1863年,上演了由他创作的东方题材的早期歌剧《采珠人》。《采珠人》是一部以锡兰为背景的爱情悲剧,虽然剧情脱不开三角恋爱的公式,但音乐富于生活气息,旋律丰富,至今仍是欧美各国经常演出的剧目。

1866年,比才离开了罗马回国,在途中他产生了交响乐的构思,这就是1868年完成的标题组曲《罗马》。1872年上演的独幕歌剧《扎米雷》以埃及为背景,作者对东方题材的处理和风土人情的描绘都比《采珠人》前进了一步。同年,比才应邀为法国作家都德的话剧《阿莱城的姑娘》写配乐。由于条件限制,只允许他用26人的小乐队。这不仅没有束缚住他的手脚,反而促使他发挥了自己的特点。他在这部作品中开拓新路,以简练明晰的笔法,描绘出法国普罗旺斯地区色彩绚丽的风情,以此剧音乐改编的组曲至今流行。比才最优秀的作品是歌剧《卡门》,这部歌剧由于题材的新奇和风格的独特,在1875年首演时遭到失败。这使比才受到很大打击。三个月后,他就与世长辞了。

然而,时代的发展终究承认了他的探索和创新。歌剧《卡门》标志着法国现实主义歌剧的诞生,代表着比才音乐创作的毕生努力和探索,是他创作成就的最高峰,也是法国歌剧史上的重要里程碑,《卡门》成为了世界各国久演不衰的剧目。这部作品的最大艺术价值在于为歌剧舞台留下了个性极为鲜明的人物形象,其艺术形象与表现手法上对现实主义倾向大胆的追求,不仅震动了法国,也直接启发了19世纪末意大利现实主义歌剧的兴起。

比才是具有鲜明个性的作曲家,他的歌剧音乐把浓郁的民族色彩,动人心弦的戏剧矛盾冲突,个性鲜明的音乐语言,富有表现力的交响发展,以及法国喜歌剧传统的表现手法熔于一炉,这使他的歌剧艺术成为19世纪法国歌剧史上的新成就。

[作品赏析]

《哈巴涅拉舞曲》选自歌剧《卡门》

歌剧《卡门》取材于法国著名作家梅里美的同名小说,描述了一个任性、泼辣、放荡不羁的吉普赛姑娘卡门,爱上了士兵唐·霍塞。唐·霍塞在卡门的诱惑下做了逃兵,参加了吉普赛走私的队伍。但卡门很快又抛弃了他,迷上了斗牛士,并对唐·霍塞的劝告和恳求置之不理,唐·霍塞在极度痛苦绝望中杀死了卡门。

这首《哈巴涅拉舞曲》是歌剧第一幕中卡门挑逗唐·霍塞时所唱的一首咏叹调,采用了主、副歌的形式写成。主歌是在小调上,乐曲通过连续向下滑行,音的不断反复并加上一系列的三连音,以及旋律始终在中低音区徘徊,表现出卡门热情奔放,魅力诱人的形象。她宁可付出生命的代价,也不愿让她的爱情受到任何约束。

副歌音乐转入到D大调上,旋律热情而开朗,节奏顿挫而有力,并加进合唱的伴唱,强调了卡门的性格特征,表现了歌曲的热烈气氛。

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第五节 民族乐派的代表人物

19世纪中叶,欧洲各国民族独立斗争蓬勃发展,民族意识日益高涨,造就了一批杰出的民族革命英雄,同时也影响了一大批具有强烈民族自尊心的爱国主义艺术家,他们的民族觉悟达到了前所末有的高度,产生了摆脱外国文化统治,建立本国近代民族文化的强烈要求。在这种形势下,崭新的音乐流派----民族乐派诞生了。

民族乐派的产生,极大地丰富了音乐艺术宝库。对世界音乐的发展,做出了巨大的贡献。在民族独立运动兴起的欧洲,以东、北欧等国家为中心的音乐,摆脱了以德奥为主的中欧传统音乐的影响。采用自己国家的历史、传说和民间素材,颂扬美丽的祖国、英雄的人民,创作了富有民族性的音乐,开拓了新的领域。民族乐派最先在俄国出现,后发展到东、北欧等国,其代表人物有格林卡、穆索尔斯基、鲍罗丁、里姆斯基·柯萨科夫、斯美塔那、德沃扎克、格里格、西贝柳斯等。

民族乐派实际上是浪漫主义音乐发展的继续或派生的分支,他们把浪漫乐派所强调的个性扩大为民族性,促使世界各民族音乐空前繁荣。

二十、格林卡(M.I.Glinka 1804─1857)

几个世纪以来,俄罗斯在政治、经济、文化上都远远落后于西方国家,格林卡作为俄罗斯民族乐派的奠基人,把俄罗斯民间音乐素材与西欧音乐巧妙地结合起来,为俄罗斯民族音乐的发展作出了不可磨灭的贡献,使俄罗斯民族乐派的东方魅力产生了国际性影响。

格林卡1804年6月1日出生于斯摩棱斯克省叶尔尼茨基县新斯帕斯科耶村的一个贵族家庭,他在乡村度过童年,有机会广泛地接触俄罗斯民间音乐。格林卡自幼学习钢琴与小提琴,1818-1822年进入圣彼得堡贵族寄宿学校,十七岁获得“天才钢琴即兴演奏家”和“前程远大的青年作曲家”称号。1824年毕业后在交通部任职,从事业余创作。二十六岁开始到意、德、奥等地学习、研究音乐,1834年回国后进入了音乐创作的盛期。在他创作的大量民族音乐作品中,以俄罗斯历史为题材的民族歌剧《伊万·苏萨宁》和《卢斯兰与柳德米拉》是俄罗斯音乐史上的一个重要里程碑。

格林卡其它的著名作品还有:幻想曲《卡玛林斯卡雅》,管弦乐曲《马德里之夜》、《阿拉贡霍达舞曲》、《幻想圆舞曲》以及近80首浪漫歌曲和大量的室内乐、钢琴曲。1857年2月15日,格林卡在德国的柏林逝世,终年五十三岁。

在格林卡的音乐创作中,大量地引用了俄罗斯民族音乐的素材,着意突出了俄罗斯民族的音乐风格。他开辟了俄罗斯音乐的新时代,从而被誉为“俄罗斯音乐之父”。

[作品赏析]

1.《我悲伤啊,我痛苦》安东尼达的咏叹调(选自歌剧《伊万·苏萨宁》)

这部歌剧以史实为依据,描写的是1613年在安东尼达出嫁的那一天,入侵俄国的波兰军队进了村,他们威胁、逼迫村民带路,否则将全村人杀死,在这紧张的时刻,安东尼达的父亲伊万·苏萨宁挺身而出,为拯救祖国和乡亲,将敌军引入迷途而英勇献身。歌剧第三幕中,父亲走了,安东尼达唱出了这首哀伤而动听的咏叹调,诉说她心中的悲哀。

此歌用二部曲式写成,是一首带有副歌的分节歌曲。

第一段曲调十分柔和、委婉,民歌风格浓郁。

第二段曲调与第一段性格不同,音区提高,节奏拉宽,比较激动,在悲哀中增添了激愤的情绪。这个曲调在后半部反复了一遍,有些变化,进一步表现出安东尼达激愤不安的心情和失去父亲的痛苦。

在安东尼达哭诉的歌声中,不断交织着乡亲们劝慰的副歌。

2.歌剧《鲁斯兰与柳德米拉》序曲

《鲁斯兰与柳德米拉》是格林卡继《伊万·苏萨宁》之后,又一部成功的民族歌剧。它是根据俄国诗人普希金的同名长篇诗构思的神话歌剧,音乐颇具特色。其中有许多的对比,例如:抒情性与史诗式,喜剧性与戏剧性因素,俄罗斯与东方色彩,幻想的手法与朴实的音乐写作等等,构成了万花筒般华丽的效果,令人眼花缭乱,惊叹不已。歌剧情节描写的是基辅王的女儿柳德米拉与勇士鲁斯兰举行婚礼时,新娘被魔法师抢走了,新郎凭着他超人的武艺和机智勇敢,借助一把神剑,历尽千辛万苦终于救出了新娘。

这部序曲完成于1842年,音乐明朗、热烈而富有变化。用奏鸣曲式写成,音乐素材大多取自歌剧最后一幕的旋律。

序奏从强有力的和弦开始,加之急速上行的旋律,坚定有力的节奏,显示出武士鲁斯兰坚定的信心。

接着引出了欢快、明朗、热情奔放、具有英雄性格的主部主题,长笛、小提琴和中提琴明亮的音色,快速奏出充满战斗气息和胜利的欢乐。

副部主题是抒情优美、如歌的旋律,来自鲁斯兰的咏叹调,由大提琴和大管主奏,宛如充满激情的幸福之歌,表现了对爱情幸福的憧憬,副部主题与主部主题形成明显的对比。

展开部是一段骚动不安的音乐,表现勇士和恶魔较量、厮杀的情景,经过搏斗,勇士占了上峰,音乐情绪显得更加富于活力,象征着勇士鲁斯兰的英雄气概与胜利的欢乐。

再现部把呈示部完整地再现了一次。

结束部是全曲高潮,是英雄与恶魔戏剧冲突的顶点。最后像是概括性的总结,序曲引子强有力的和弦再次奏出,再现了热烈壮观的场面,全曲在欢庆英雄胜利的乐声中结束。

二十一、穆索尔斯基(M.Mussorgsky 1839─1881)

将格林卡创建的俄罗斯民族乐派巩固继承下来的是俄罗斯音乐史上由巴拉基列夫为首的五位音乐家组成的“强力集团”(又称新俄罗斯乐派)。穆索尔斯基是五人“强力集团”中的一员,他的音乐创作具有强烈的民族性,表现手法新颖别致,和声随意大胆,有许多超越古典音乐原则的独特手法。他的音乐预示了后来音乐历史发展的进程,对近代作曲家的音乐创作产生了很大的影响。

穆索尔斯基1839年3月21日生于俄国普斯科夫乡村,六岁起在母亲指导下学习钢琴。他1852年到彼得堡近卫军士官学校学习,同时跟A.格尔凯学习钢琴并尝试作曲。1858年他辞退军职,在巴拉基列夫指导下专心从事音乐创作,成为“强力集团”成员。穆索尔斯基不曾受过学院式的音乐教育,投身于音乐事业后,逐渐形成了俄罗斯民族主义的艺术特点。1881年3月28日,穆索尔斯基在彼得堡病逝,年仅四十二岁。

穆索尔斯基的代表作有歌剧《鲍里斯·戈都诺夫》、《霍万兴那》,交响诗《荒山之夜》,钢琴套曲《图画展览会》,歌曲《跳蚤之歌》、《洋娃娃》等。他的歌剧创作富于戏剧性,具有强烈的吸引力,钢琴作品则具有独成一家的特点。而他的歌曲作品都是反映人民现实生活中的贫困与哀怨,以及对于幸福生活的渴望,在写作风格上富有巧妙的幽默感,蕴含着深刻的俄罗斯民族气质,体现了一种强烈诱人的个性。穆索尔斯基在器乐方面留下的作品虽然不多,但依然对俄罗斯交响音乐的发展做出了有益的贡献。

穆索尔斯基的钢琴组曲《图画展览会》在钢琴曲的风格上是一个革新,它开发了钢琴的表现力,在声音的对比和丰富的色彩变化方面,是从管弦乐里吸取的手法。在这组曲中,描写性还处于次要地位,而主要的是那完美自由的创造性。诚然,作曲家把音乐外部的观念体现在这部组曲中,这种对于音乐表现成分的创造(特别是钢琴)是十分有价值的。

[作品赏析]

交响组曲《图画展览会》

钢琴组曲《图画展览会》是穆索尔斯基在1874年创作的。1873年,穆索尔斯基的好友、青年画家、建筑设计师加尔特曼逝世。翌年,朋友们为纪念亡友,举行了加尔特曼遗作展览会,展出了他生前的部分绘画和建筑设计图。穆索尔斯基被亡友的作品深深打动,他根据其中的十幅作品创作这部钢琴曲,以表达对亡友的敬意和哀思。这部作品构思新颖、形象鲜明、音乐语言和表现手法都富有个性。《图画展览会》吸引了许多作曲家将其改编为管弦乐曲,其中,法国作曲家拉威尔在1922年改编的交响组曲,则是举世公认的杰作。

组曲《图画展览会》由“漫步”及十首抒情写意的小曲所组成,各段内容与画家的作品有着密切的联系。其结构与内容如下:

漫步──bB大调、混合拍子(5/4、6/4)。这是整个组曲的引子,同时又是联系各曲成为统一艺术整体的纽带。它在一、二、四、六、八段结束时出现,每次出现都随着乐曲情绪的转换而加以变化,时而长,时而短,时而严峻,时而抒情。仿佛是作曲家正漫步在画廊之中,深切地思念着他的亡友。

一、侏儒

加尔特曼画了一个木制玩具的素描,这个玩具是用来压胡桃的,样子像一个身材矮小的侏儒。作曲家赋予这个侏儒以人的性格,以痉挛似的音调、突然发作的效果与长时间停顿的交替,以及跳跃、喧叫的声音,来刻划这个畸形小人物的形象和复杂的内心世界。

二、古堡

加尔特曼画的是一个古老的中世纪古堡,在古堡的下一位抒情诗人在唱着忧伤的歌曲。乐曲旋律流畅,带有十八世纪牧歌情调,伴奏部分平稳,低音部单调地重复着,描绘出一幅平静、沉思和抒情的图画,它既古朴而又带有凄凉的意味。#g小调、6/8拍子。

三、杜伊勒里宫的花园

这是一幅生活的风情画,在宫殿花园前,母亲、保姆和孩子们在玩耍。这段生动活泼的诙谐曲,展现了孩子们追逐嬉戏、任性调皮和争吵叫喊的形象。#d小调、4/4拍子。

四、牛车

画面上描绘着一头温顺的公牛,拉着一架波兰大轮车,车上坐着一位老农。乐曲伴奏部分的沉重和弦,衬托着一支简单、忧郁的旋律,描绘了沉重的牛车在轧轧声响中艰难地前进。音乐由弱到强,又由强渐弱直至消失,使人联想到牛车由远而近,又由近及远。音乐刻画了牛车,也刻画了饱经风霜的老农的心境。#g小调、2/4拍子。

五、鸟雏的舞蹈

这是加尔特曼为芭蕾舞《特里尔比》的上演画的一幅布景草图。画的是一些还未孵出的“金丝雀雏”在卵壳里,卵壳好像披甲遮盖着全身。穆索尔斯基发挥了丰富的想象力,赋予草图上的形象以生命活力,使雏鸟活跃起来,并使它们跳起舞来。高音区的依音、颤音,加上快速的半音阶的配合,把小鸟啾啾的叫声和它们的天真、稚嫩描绘得栩栩如生。

六、两个犹太人

这是加尔特曼旅行时的写生画,一个是肥胖的富人,一个是瘦弱的穷人。作曲家巧妙地将这两个形象结合在一首乐曲里,使之形成尖锐的对比。富人骄傲自负,冷酷无情,音乐节奏是停顿、迟缓的。穷人则卑贱软弱,受尽屈辱,音乐是颤抖下行的重复旋律。在塑造了两个不同性格的犹太人之后,便使两个人碰到一起,相互对话。富人语言霸道蛮横,穷人的乞求瑟瑟缩缩。最后富人占了上风,打断了穷人的哀诉,把他赶走了。

七、里莫日的集市

里莫日是法国中部的小城市,画面上是两个怒容满面的妇女。乐曲描写了在熙攘杂乱、人声喧闹的市场上,小商小贩与长舌妇们讨价还价、饶舌不休,最后变成一场吵架。

八、墓穴

原作是一幅水彩画,加尔特曼在画中描绘了他自己同一位建筑家,由向导打着灯笼带路,参观巴黎的墓穴。音乐可分为相互衔接的两部分。第一部分是广板,旋律神秘阴森,沉闷的低音及尖锐不安的和弦,造成一种阴郁气氛。第二部分作曲家附上了“与死人的谈话”的标题。音乐开始是沉寂和茫然的情绪,在单调的、动摇不定的震音背景上,用和弦奏出“漫步”的主题,它由明朗变为忧郁,直到结尾才透出一线光明。全曲表现了墓地阴森景象,充满了恐怖、悲伤、冥想的气氛,也表达了作曲家对亡友的思念。音乐紧接下曲。

九、鸡脚上的小屋

原画是一幅时钟设计图,是一座建筑在一只鸡脚上的茅屋,钟表的字盘就是窗户,整个屋子是用俄罗斯风格的雕花装饰起来的。作曲家并没表现小屋本身,而是通过幻想的笔触描写了小屋中的主人,一个俄罗斯童话中家喻户晓的“巴巴耶加妖婆”。表现妖婆的音乐奇怪而富幻想,没有如歌的旋律,而是激烈地跳跃。把妖婆所发出的喊声、哨声,以及她骑着扫帚在森林里飞行时的风声和碰在干树枝上的劈啪声,都表现得非常突出。

十、基辅的城门

这幅画原是加尔特曼为基辅城门所作的古代俄罗斯风格设计图。音乐是由迅速而急骤的上一段直接进入这段庄严的结尾曲。这一段音乐采用了三个形象来描绘。第一是庄严、巨人的形象,音调与“漫步”主题相似,好像是对全曲作总结。bE大调、2/2拍子。

第二是风琴的风格,使人感到严峻而虔诚。第三是描写节日钟声,这是古代俄罗斯仪式所必有,钟声齐鸣中导入“漫步”的辉煌强奏。最后,乐曲在欢腾热烈的气氛中结束。

二十二、鲍罗丁(A.Borodin 1833─1887)

1833年11月12日,鲍罗丁生于彼得堡一个贵族家庭,他童年时就醉心于音乐,九岁开始学习长笛、大提琴,并对自然科学特别是化学感兴趣,求学期间他又学会多种乐器的演奏,并开始作曲。鲍罗丁于1855年毕业于彼得堡医学及外科学院,以行医为业。1862年任医学院化学副教授。鲍罗丁自从结识了音乐家巴拉基列夫、里姆斯基·科萨科夫和音乐评论家斯塔索夫等人之后,对他们所倡导和发展的俄罗斯民族乐派十分赞赏,决心加入“强力集团”,为发展俄罗斯民族音乐而努力创作。代表作有歌剧《伊戈尔王子》、《第二交响曲》、交响音画《在中亚细亚草原上》、两部弦乐四重奏,还有《夜曲》、声乐浪漫曲等。

这位“强力集团”的主要成员,只有用业余时间从事音乐创作。鲍罗丁的音乐创作独具特色,吸取了德国许多民族民间音乐素材,继承了格林卡的俄罗斯音乐传统,将浓郁迷人的俄罗斯民族音调和风格融汇在他的作品中。雄浑的英雄性、史诗性和深刻的抒情性是他作品的主要内容和风格,反映了俄罗斯民族的豪勇性和广阔胸襟。作为一位卓越的化学家,尽管他创作的音乐作品数量有限,但他的每部作品都是精美的艺术珍品。从1872年起,鲍罗丁在他创建的妇女医科学校讲课,直至1887年2月27日,在彼得堡逝世。

[作品赏析]

交响音画《在中亚细亚草原上》

这首乐曲描写了一支骆驼商旅在草原上行进的情景。作曲家在总谱上解释:“一望无际的中亚细亚草原上,传来一首平静的俄罗斯曲调,马和骆驼的脚步声自远渐近,一支东方旋律随之响起,一队商旅由俄罗斯士兵们护卫着而来。他们相信俄罗斯士兵的保护,无忧无虑地在广阔的草原上长途旅行,平静的俄罗斯曲调和东方旋律融成一片,和谐的回音在旷野上飘荡。然后,他们逐渐走远了,这种音响也逐渐地消逝在中亚细亚草原的天空中。”

开始,寂静的草原远处、仿佛是天边,传来了一首俄罗斯风格的曲调。这是第一主题,A大调、2/4拍、中庸速度。这个主题在小提琴高音区泛音的背景上,由单簧管奏出。

当圆号在C大调上反复之后,大提琴、低音提琴拨奏出了一个节奏性的固定音型。

这个固定音型使我们自然地联想到马和骆驼的脚步声。在这个固定音型的背景中,一支安详、无忧无虑的东方风格旋律由英国管奏出来。这是第二主题,C大调、2/4拍子。

这时,单簧管再度奏出俄罗斯风格的曲调,圆号与之呼应,其它铜管乐器以和弦衬托。接着是由全部管弦乐器奏出的俄罗斯风格的曲调,它庄严而气魄雄伟。固定音型的背景声又清晰地传来,并由木管和铜管的和弦伴奏,脚步声安详、平和、毫无恐惧感,这是商旅们在勇敢的俄罗斯士兵们保护下,继续着他们的行程。东方风格的旋律又再次在不同乐器上出现,并变化着配器手法和转换调性,这队骆驼商旅给予人们更深的印象和感受。

随后,作者以对位的手法,将俄罗斯风格的曲调与东方风格的旋律交织在一起,两个主题此起彼伏,水乳交融,表现了俄罗斯士兵和骆驼商旅在广阔的草原并肩同行的情景。在四次反复中,由于两个主题的迭奏与绚丽多彩的配器手法,使音乐形象更为鲜明。

结尾逐渐平静下来,马和骆驼的脚步声渐渐远去。俄罗斯风格的曲调先后在不同乐器上用不同的调性再现,好像俄罗斯士兵们在草原的边缘与骆驼商旅告别,目送着他们远去。最后,乐曲在极其轻微的长笛声中逐渐消失,大草原又回复了往日的寂静。

二十三、里姆斯基·柯萨科夫(N.Rimsky-korsakov 1844─1908)

里姆斯基·柯萨科夫1844年3月18日生于俄国诺夫哥罗德一个贵族家庭。他七岁学钢琴,十岁作曲,十二岁进入彼得堡海军士官学校,十八岁毕业授海军准尉军衔。在学校里,他没有放弃对音乐的学习和研究,在这期间他广泛接触了一些著名的作曲家、艺术家,提倡发展俄罗斯民族音乐,并加入“强力集团”小组,开始进行音乐创作。里姆斯基·柯萨科夫写出了许多具有俄罗斯民族风格的作品。

1865年,里姆斯基·柯萨科夫创作了第一交响曲,1871年应聘在彼得堡音乐学院教授作曲与管弦乐法。经多年刻苦学习和努力实践,他终于成为一名杰出的作曲家和音乐教育家,为俄罗斯民族音乐的发展作出了特殊贡献。里姆斯基·柯萨科夫从事音乐活动长达三、四十年,教学经验丰富,培养出一大批优秀人才,如格拉祖诺夫、斯特拉文斯基等世界闻名的作曲家。还写出了《和声学实用教程》、《管弦乐法原理》等具有深远影响的音乐理论著作。在创作教学之余,他对穆索尔斯基等同时代作曲家未完成的作品进行了大量的修改和整理。1908年6月21日,里姆斯基·柯萨科夫因心脏病在卢本斯克去世,终年六十四岁。

里姆斯基·柯萨科夫的作品甚多,不少作品是俄罗斯民族音乐的经典之作,他的创作重点在歌剧领域,共创作歌剧15部。代表作有歌剧《五月之夜》、《萨特阔》、《沙皇的新娘》、《金鸡》等。他的管弦乐作品《舍赫拉查德》、《西班牙随想曲》等也非常受欢迎。同时他还创作了许多室内乐曲和声乐曲。里姆斯基·柯萨科夫创作的音乐题材与“强力集团”前几位作曲家不同,他的作品多从俄罗斯民间童话故事和寓言中寻找灵感,不太注重表现历史和现实,不是用音乐去具体地表现原著中的故事情节,而是用音乐的气氛来感染听众,让听众自己去联想,因此他的作品更富于幻想和传奇的色彩。

[作品赏析]

交响组曲《舍赫拉查德》

交响组曲《舍赫拉查德》又称《天方夜谭》,作于1888年夏。相传东方某国苏丹王残暴成性,他认为女人都是不忠实的,发誓要把他每个妻子在初夜后处死。宰相之女舍赫拉查德不忍目睹事态发展,为了挽救自己的姐妹。她自愿嫁给苏丹王,并以每夜讲故事来引起苏丹王的兴趣。每到故事精彩处她就停住,苏丹王为了解故事底细暂不杀她。她就这样讲了一千零一夜,苏丹王终于被感化了。乐曲由舍赫拉德讲的四个并无联系的故事画面组成全曲的各乐章,以舍赫拉查德主题和苏丹王主题将各乐章用叙述故事的方法联系起来。

第一乐章,大海和辛巴德的船。采用无展开部的奏鸣曲式写成。这个乐章主要描写航海家辛巴德同狂风巨浪搏斗的情景。乐曲开始的引子有两个主题。第一主题威严、阴沉,由全部弦乐及单簧管、大管、长号、大号以三个八度齐奏,是苏丹王凶残的形象。

接着是木管器的延续与和弦进行。然后,独奏小提琴在竖琴轻柔的伴奏下,奏出了另一个充满幻想的音乐主题,这个主题旋律优美、流畅、节奏自由,是温柔、美丽的舍赫拉查德主题,她仿佛用诗一般的语言,向国王绘声绘色地讲述着充满东方色彩的神秘故事。

呈示部是在大提琴、中提琴波动的音型伴奏下出现了主部主题,犹如无边的大海波涛汹涌,这个主题主要是对大海与辛巴德船的描绘。

副部有两个主题,第一主题由长笛吹出,它描写了在风平浪静的大海上,辛巴德的航船在从容不迫地行驶。

第二主题由舍赫拉查德主题变化而来,充满激动不安的情绪,仿佛航船遇到狂风巨浪。

音乐在惊涛骇浪般的高潮中进入再现部,这是主部主题与副部主题的结合,描绘海上暴风雨的情景。经历暴雨之后,长笛和双簧管奏出建立在大海主题上的抒情曲调,似芦笛的低吟。音乐显得宁静柔和,仿佛辛巴德的船经受住了暴风雨的考验,平稳地驶向远方。

第二乐章,卡伦德王子的故事。采用复三部曲式写成。独奏小提琴首先奏出了舍赫拉查德主题,仿佛告诉人们,舍赫拉查德又在讲述她那迷人的故事。独奏大管悠闲地奏出卡伦德王子东方色彩的主题,音乐速度多次变化,使人联想到王子那充满神奇色彩的遭遇。

中间段音乐对比较大。长号、小号有力的呼应,发出号角般的音调,音乐急促饱满,惊险而激烈,使人感到奇迹的发生。由小号再一次变化重复的号角性音调,成为这一部分展开的动机,并在发展中多次重现。随后,卡伦德王子的主题再现,舍赫拉查德又继续讲述起了王子的故事。在这里,音乐主题一共变奏了四次,而且显得越来越激动。

第三乐章,王子与公主。采用无展开部的奏鸣曲式写成,全曲较为抒情、宁静,音乐描写的是年青的王子和美丽的公主谈情说爱,沉浸在幸福中的情景。首先,小提琴奏出温柔而平静的主部主题,这一主题生动刻画了王子温文尔雅的形象。

随后,单簧管奏出轻盈而优美的东方舞曲风格的音乐主题,这一主题生动地描绘了娇美的公主那优雅的舞姿,小鼓与三角铁的装饰性节奏,更加强调出舞蹈者的风采。

再现部在新的色彩中重复,上面两个主题显得情绪更加激动热烈,旋律进行中舍赫拉查德主题两次加进来,并运用了许多华彩乐句,好像是故事越讲越生动有趣。

第四乐章,巴格达的节日和辛巴德的船撞上骑士铜像的峭壁。乐曲的结构比较自由,类似回旋曲形式。乐曲开始的引子由苏丹王和舍赫拉查德主题构成。这里苏丹王的主题由弦乐和木管奏出,已失去原有了那种威严和恐怖力量,而舍赫拉查德的主题则由小提琴奏出,使人感到沉着而自信的王后已开始征服凶暴的苏丹王。随后,乐队奏起具有东方舞曲风格的轻快节奏,引出一个简洁热情的主部主题。这个主题急速活跃,像是漫无节制的一股音流,它那固定不变的急剧的节奏型,几乎贯串着整个节日的场面。

在惶惑不安的号声之后,奏出了王子的回应。副部主题是第三乐章公主主题流畅的旋律。富有东方色彩的主部和副部主题多次反复变化,特别是通过调式调性的不断转换,展现出一幅幅绚丽多彩的节日场面。

展开部中除了原有的素材之外,引进了经过很大变化的苏丹王主题及卡伦德王子主题。再现部中整个管弦乐队响亮的声音,把巴格达节日气氛推向高潮。结尾部转为6/4拍,音乐转入海上风暴画面,狂风咆哮、波涛汹涌,辛巴德的船在海洋中已无能为力。最高潮声中大锣一声巨响,音乐立刻沉寂下来,辛巴德的航船被峭壁撞得粉碎而遭到灭顶之灾。

简短的尾声与引子相呼应。小提琴演奏的柔美抒情的舍赫拉查德主题在这里明亮响了起来,象征着她讲完了所有的故事。由低音管乐奏出的苏丹王主题已变得柔和舒缓与亲切,象征苏丹王终于放弃了他残暴的誓言。音乐在平静中结束了这个神奇的音乐故事。

二十四、斯美塔那(B.Smetana 1824─1884)

19世纪中叶,波西米亚人民争取民族独立的斗争,推动了民族文化复兴运动,促进了民族音乐的发展和民族歌剧的兴起,以斯美塔那、德沃扎克为代表的捷克作曲家异军突起,成为自立于欧洲音乐之林的新生力量。

斯美塔那1824年3月2日生于捷克一个酒商家庭,四岁开始学习音乐,六岁举行钢琴独奏音乐会,八岁创作第一部音乐作品。1843年,他去布拉格学习音乐,师从捷克卓越的音乐家普罗克什,斯美塔那从他身上得到了很深的教诲。1848年,捷克暴发了反抗异族压迫,推翻封建统治的革命,年青的斯美塔那投入到布拉格革命中,创作了大量讴歌革命和自由的合唱曲、进行曲和钢琴曲。革命失败后,民族文化的发展面临困难局面。1856年,斯美塔那去瑞典歌德堡,1861年回国后,他全力投入到发展捷克民族音乐的事业中,从事音乐创作、指挥、教学、评论等社会活动,为扶植捷克的民族音乐作出了巨大的贡献。

1874年,斯美塔那不幸失聪,但他仍以顽强的毅力创作了许多优秀的作品。斯美塔那创作了8部歌剧,《被出卖的新嫁娘》最为著名。他最受欢迎的作品是:六首交响诗组成的套曲《我的祖国》、弦乐四重奏《我的生活》、小提琴钢琴二重奏《我的家园》等。

斯美塔那是一位爱国主义的音乐家,他的作品激发了捷克人民的民族自信心和自豪感。他的音乐创作突出标题性,形象生动而富有激情,被誉为“捷克民族音乐之父”、“捷克民族音乐的奠基人”。1884年5月12日,斯美塔那病逝于布拉格。

[作品赏析]

《伏尔塔瓦河》(选自交响诗套曲《我的祖国》)

斯美塔那的标题交响诗套曲《我的祖国》,作于1874-1879年。它以捷克人民反抗异族压迫的斗争历史和传说及美丽的自然风光与人民生活习俗为题材,描绘出捷克的光辉历史和风土人情,是一幅富有诗意的画卷,成为后人叙事性、历史性交响诗写作的范本。

套曲以第二首《伏尔塔瓦河》最为著名。伏尔塔瓦河是捷克境内最大的河流,由南向北纵贯国土,养育了捷克人民。作品音乐流畅,色彩壮丽,尽情抒发着对城乡、山河的赞美和对勇士的缅怀,蕴藏着深沉挚爱的感情。这首《伏尔塔瓦河》是斯美塔那音乐中最通俗,最易于为人民所理解和接受的作品。

乐曲为较自由的奏鸣曲式结构,引子从河流的源头写起。伏尔塔瓦河源头有两股山泉,一股是寒流,水凉而平静,由两支长笛奏出流动的音型表现,一股是暖流,水温而湍急,是随之加进的两支单簧管。随着长笛与单簧管流动的音型,两泉相汇,流水潺潺。

两个水源汇合在一起后,曲曲弯弯地奔流而去,它们穿过山谷,穿过草原,汇成了有力的滚滚江涛,这时候,双簧管和第一小提琴奏出了宽广、流畅的伏尔塔瓦河主题。

这支朴素的抒情旋律,散发出捷克民族民间音乐的魅力,充满着一种迷人的和富于诗意的美,抒发了作者对伏尔塔瓦河那种无限深情的爱。

副部音乐描写森林的狩猎,象征着伏尔塔瓦河流过了一片茂密的森林,圆号和小号奏出了狩猎的号角之声。

展开部音乐由两个插部组成,第一插部是捷克民间广泛流传的“波尔卡”舞曲。河岸上村民正载歌载舞,举行着一个热闹的乡村婚礼。

伏尔塔瓦河继续向前奔流,婚礼的歌舞声越来越远,音乐也逐渐转弱。在大管和双簧管奏出宁静柔和的音响下,夜幕徐徐降临,音乐转入了第二插部,小提琴在高音区奏出了水仙女在月光下翩翩起舞的幻景,长笛和单簧管的旋律如同河水不停地流着。

黑夜将逝,伏尔塔瓦河的主题在黎明中出现,音乐进入了再现部。主题音乐完整地再现后,副部音乐采用了新的音调。作者运用乐队的全奏,充分发挥铜管乐的音响,描写河水穿越石滩、峡谷,惊涛骇浪猛烈地冲击着石崖峭壁发出阵阵咆哮。终于,滔滔的河水冲出了险境,景色豁然开朗,音乐进入结束部。现在,伏尔塔瓦河的主题音乐从小调转到了大调,描写摆脱了险境的河水,威严而平静地流入首都布拉格,出现了交响诗第一乐章中“维谢格拉德”的主题,它以凯旋进行曲的风貌成为全曲之冠。

尾声,小提琴奏出波动的旋律,宛似长流不息的河水,滚滚向前,流向远方。

二十五、德沃夏克(A.Dvorak 1841─1904)

德沃夏克1841年9月8日生于捷克布拉格近郊一个小肉商家庭,乡村歌手、民间艺人是他的音乐启蒙老师。他自小在父亲店中帮工,并逐渐显示出演奏小提琴的才华。14岁从利赫曼学中提琴、管风琴、钢琴和对位法。1857年进布拉格管风琴学校学习,两年后以名列第二的优异成绩毕业。1866-1873年在布拉格歌剧院乐队任中提琴手。此间,他广泛地学习音乐知识和技能,充分吸收民族民间艺术的营养,并尝试创作,第一部歌剧作品是《艾尔弗雷德》。三年后康塔塔《赞美诗》取得首次成功,他于是放弃乐队工作转而从事音乐创作。他两次获奥地利国家奖,他结识勃拉姆斯后,勃拉姆斯将他的作品推荐给出版商,使他很快成为令人瞩目的著名作曲家。1878年,他创作的第一套《斯拉夫舞曲》获得成功。

八十年代,德沃夏克创作了多种体裁的作品,如《d小调交响曲》(1885)康塔塔《幽灵的新娘》(1885)、清唱剧《圣柳得米拉》(1886)等,并多次指挥演出,取得巨大成功。他曾多次出访英国,他创作和演出在英国受到了热烈欢迎。1891年,剑桥大学授予他音乐博士学位,同年被布拉格音乐学院聘为作曲教授。1892年,德沃夏克到美国任纽约国家音乐学院院长,并以自己杰出的音乐活动,推动美国音乐事业的发展。在此期间,他写下了著名的《e小调第九交响曲》(自新大陆),这是欧洲作曲家创作的第一部美国交响曲。这部作品抒发了他对美国这个新大陆的印象和感受,并倾注着对祖国和家乡的思念。交响曲中的主题既有黑人和印第安人的旋律和节奏特色,又有捷克民间舞蹈的因素。他1895年回国后,在布拉格音乐学院执教。1896年,他根据捷克诗人爱尔本的叙事诗写了4首交响诗:《水妖》、《午时女巫》、《金纺车》、《野鸽》。1900年,创作了他的最优秀的歌剧《水仙女》。1901年他被任命为布拉格音乐学院院长,1904年5月1日在布拉格病逝。

德沃夏克是一个多产作曲家,作品题材广泛、体载多样,涉及音乐艺术的各个分支。他创作了10部歌剧、9部交响曲、20部室内乐重奏曲和大量的钢琴曲、序曲、狂想曲、歌曲等作品,其中最著名的有《e小调第九交响曲》(自新大陆)、《b小调大提琴协奏曲》、《第六弦乐四重奏》、《狂欢节序曲》和歌剧《水仙女》等。德沃夏克毕生的创作活动与祖国人民和民族解放斗争密不可分,这一点,在他的大型作品的题材上表现尤为突出。无论是歌剧、室内乐、交响乐等各种作品,他始终把民族和人民这一重要因素放在首位,在内容上和形式上与捷克的历史和文化紧密相连,深深植根于祖国和民族土壤之中。

德沃夏克的爱国热情和民族自尊心也体现在与民间音乐的关系中,他所写的全部作品中都可以找到民间音乐的因素,他把民间音乐的典型音调用精炼的艺术手法加以处理,在曲调和节奏上力求充分理解民间歌曲和民间舞曲的感情,与民族音乐语言保持着密切的关系。德沃夏克是一位具有浓郁的民族色彩并带有自己个性的作曲家,他的许多作品表现了祖国美好的大自然,再现了捷克民间风俗和生活画面。德沃夏克的创作以曲调优美流畅、节奏丰富多变、和声色彩浓郁、配器简洁生动而著称,他的音乐具有持久的生命力。

[作品赏析]

《e小调第九交响曲》(自新大陆)

这部交响乐是德沃夏克1893年在美国创作的作品,作者以真挚的感情、质朴的音乐语言描写了他初到美国的印象和感受,表现了他对祖国家乡的怀念之情。

第一乐章,奏鸣曲式。引子是由大提琴奏出的宁静、徐缓的旋律,仿佛作者在沉思。主部主题饱满、激昂,这个音乐主题贯穿全曲,似乎是新大陆的景象给人带来的震惊。

副部是由两个抒情、甜美的音乐主题组成,第一主题由长笛和双簧管奏出一个带有波希米亚民歌特点的具有乡愁气质的音乐,并且反复多次。

第二主题是一段如歌的音乐,由长笛独奏再由小提琴接奏,有几分哀伤的思乡之情。

展开部由前两个主题片断为基础,进行广泛的发展,将乐曲推向高潮。

再现部重现了主题。尾声情绪热烈,在乐队长音背景上,小号、圆号奏出充满激情的呼唤,长号以特有的色彩奏出主部主题,两个音乐重叠,在愈来愈激烈的高潮中结束。

第二乐章用复三部曲式写成。这一乐章的旋律最为动人,富于歌唱性。由英国管奏出的这段黑人歌谣特色的旋律感人肺腑,表达了作者怀念祖国及家乡亲人的感情,其学生将这段旋律改编为独唱曲《念故乡》后,更著称于世。

中间段以第二小提琴、中提琴持续震音为衬托,由长笛和双簧管主奏出充满深切、激情的主题,好像思乡的情绪在心中激荡。

接着出现了一个新的音调,由单簧管吹出一段较为抒情、优美、略带惆怅的旋律,好像这是对美好往事的追忆。

当英国管再次奏起“念故乡”旋律之后,加弱音器小提琴继续奏出悲伤的歌,最后由铜管乐在阴郁的和弦上结束这一乐章。

第三乐章是一首谐谑曲,用复三部曲式写成,可称之为舞曲乐章。这一乐章充满着内在的对比,主部有两个音乐主题,第一主题是舞蹈性的,音乐轻快活泼,很有生气。

第二主题由长笛和双簧管在高音区奏出,旋律抒情婉转,富于民歌风格。

这个主题经过一段反复发展,音乐进入副部。副部主题是典型的捷克民间舞曲,由长笛和双簧管奏出。

由一个简短过渡段引出第一乐章主部主题,然后反复整个主部进入热烈的尾声。

第四乐章,奏鸣曲式。简短的暴风雨般的引子为这一乐章宏伟的气势作了准备。主部主题在全乐队有力的和弦伴奏下,由圆号和小号奏出威武雄壮的进行曲风格的旋律。

随后,当它改由小提琴和木管乐器在高音区复奏时,色泽显著加深。

副部主题由单簧管在宁静的弦乐背景上,奏出富有歌唱性的柔美、抒情的旋律。

这支抒情曲调从容自如地发展,逐渐过渡到音响饱满的结尾段。

展开部把前面乐章的主题发展变化,交织成威严雄伟的热烈气氛将乐曲推向高潮。

再现部又出现威武雄壮的主部和柔美抒情的副部,热烈欢快。结束部,威武雄壮的进行曲再次出现,交响曲在极其辉煌的乐队全奏中结束。

二十六、格里格(E.H.Grieg 1843─1907)

19世纪中后期,民族文化艺术复兴,挪威不仅以文学上的成就引起全欧洲的注目,在音乐上也形成了自己独立的民族乐派。第一位获得全欧声誉的北欧作曲家,就是格里格。

格里格1843年6月15日出生于挪威卑尔根城一个商人家庭,母亲是位才华出众钢琴家。他6岁随母亲学习钢琴,并显露出音乐才华。1862年进入德国莱比锡音乐学院,毕业后去丹麦学习作曲,回国后,决心为发展挪威民族音乐而奋斗终身。他经常深入民间,搜集音乐素材,在创作了许多富于民族特色作品的同时,格里格还进行了广泛的音乐活动。他创办了挪威音乐协会,任音乐协会爱乐乐团和卑尔根“和谐”合唱团指挥,介绍欧洲古典音乐和挪威民族音乐作品,多次到英、法、德、意举办作品音乐会,努力提倡和发扬挪威民族音乐文化等。在挪威,格里格无论生前或死后,都受到人民给予的无限崇敬和爱戴,多次获政府奖励,1874年授予政府终身年俸。1890年,当选为法兰西艺术院院士,获英国剑桥大学和牛津大学授予的名誉音乐博士衔。1907年9月4日逝世时,挪威政府为他举行了国葬。

格里格的创作回避歌剧和交响曲等大型曲式,但在他选定范围内,他的音乐总是诗意盎然,格调高起,歌曲更是热情洋溢。他的创作具有强烈的个性,他所用的民族主义语汇超越了本乡本土的界限。在他的音乐作品中,最富艺术魅力要数他的钢琴曲,而他的钢琴曲又以“小”而著称,因此又有“小品大师”的美誉。在他为数不多的大型音乐作品中,两套《培尔·金特》组曲最为著名、流传最广。原著是挪威著名作家易卜生的同名诗剧,通过青年农民培尔·金特所经历的光怪陆离冒险生活(如战胜山魔,掠财致富,异国漫游等),嘲讽了追求权力与金钱的私欲,讴歌了纯朴、自然的生活理想。

格里格一生的后30年是他音乐创作的高峰时期,其主要作品有:《A小调钢琴协奏曲》、戏剧配乐《培尔·金特》、弦乐《霍尔堡组曲》、小提琴奏鸣曲3首、大提琴奏鸣曲1首、钢琴《抒情曲》10集、歌曲120多首以及许多室内乐等作品。格里格的创作实践,始终坚持了爱国主义的艺术思想,为挪威民族音乐的发展作出了很大的贡献,对十九世纪下半叶欧洲其它民族的作曲家也起过较大的影响和典范作用。

[作品赏析]

《培尔.金特》第一组曲

《培尔·金特》组曲原是格里格应挪威著名作家易卜生之请,为他的同名诗剧而写的配乐。由32首小曲组成,格里格在其中选出八段,组成两个组曲,其中第一组曲最为著名。

这部作品取材于挪威民间故事。培尔·金特是个沉溺于幻想的农家子弟,他狂放轻浮、见异思迁、长期离家、游逛冒险,结果他赚得钱又被别人拐走,他举目无亲、贫困潦倒,这才怀着忏悔的心情回到故乡。此时,母亲已病故,只有那忠贞不渝的未婚妻索尔维格依然在等着他。组曲分为四个部分。

一、晨景

第一段:描写大自然晨曦初上的美丽景色。为单主题三部曲式结构。乐曲开始由长笛在高音区奏出柔美、清朗的主部主题,继而双簧管与之呼应。

第二段:这个主题连续出现并多次转调,先转B大调,再转F大调,描绘出太阳冉冉升起,然后转回到E大调,不久,大提琴奏出了如歌的副部主题,小提琴与之伴奏。

第三段:大提琴、双簧管和大管再现了主部主题。在音乐上造成由晨曦初露,到红日喷薄而出,万物苏醒的自然意境。结尾,圆号奏出猎人号角声,单簧管、长笛奏出鸟语声,主题音调最后在宁静的气氛中渐渐结束。

二、奥塞之死

描写培尔·金特的母亲奥塞之死。单主题三部曲式结构。乐曲开始由弦乐器演奏葬礼进行曲风格的旋律,音乐建立在b小调上,显得抑郁、沉痛而凄凉。

这一主题经过转调反复一次形成中间部。随后再现了葬礼进行曲的主题,并加强力度、扩大音区重复这一主题,造成十分感人的悲剧色彩。尾声中半音下行的旋律力度不断减弱,使音乐渐渐松弛、低落以致消失,表示奥塞终于死亡。

三、阿尼特拉舞曲

这是一首轻俏的舞曲,单三部曲式。全部由弦乐演奏,加弱音器的第一小提琴在三角铁的伴奏下,奏出了用玛祖卡节奏写成的异国情调的舞曲旋律。这是阿拉伯酋长之女阿尼特拉引诱培尔·金特时所跳的轻盈优美的舞蹈。跳荡、轻快、俏丽的主题贯穿全曲。

中间段落包括两部分,第一部分是新因素构的旋律,第二部分将基本主题运用调式对比和复调、模仿手法加以展开。末段是再现第一段。

四、在山魔王宫中

单主题三部曲式。描写培尔、金特误入山魔大王宫殿,魔鬼围着他喊叫及魔王的凶恶形象。乐曲开始由圆号奏出阴森的音调,再由低音提琴和大提琴拨弦奏出了阴沉怪诞的山魔主题。当大管从小调转为大调重复这个主题音乐后,这一主题又反复变奏,随着乐器逐渐增多、音量加大、力度加强、速度加快、音区扩展,造成群魔疯狂乱舞的场面。

突然一声巨响,仿佛洞穴崩溃坍塌,全曲在宏亮的音响中结束。音乐充满了传奇幻想和童话色彩。

二十七、西贝柳斯(J.Sibelius 1865─1957)

19世纪末与20世纪上半叶,在国际乐坛上只要提到芬兰音乐,人们就会很自然地把西贝柳斯的名字和它联系起来。西贝柳斯1865年12月8日生于芬兰一个外科医生家庭,九岁学习钢琴,十五岁学习小提琴。中学毕业后,他遵从母亲的意愿,于1885年考入了赫尔辛基大学的法律系,同时入音乐学院跟从匈牙利教师奇拉格学习小提琴,并从学院院长韦盖柳斯学习作曲、音乐理论。1886年西贝柳斯终于放弃了法律,完全转向音乐专业。

1889年西贝柳斯以优异成绩毕业于赫尔辛基音乐学院,他得到政府资助和获奖学金,到维也纳、柏林等地深造。1891年回国,受聘母校任作曲教师及学院四重奏组的小提琴手,同时将所学理论技巧结合芬兰民族音乐开始创作,写出一百多首具有爱国主义感情,又富于民族特色的作品,获得很高的荣誉。1957年9月20日,西贝柳斯在赫尔辛基去世。

西贝柳斯最初的作品主要是室内乐,他真正的才能和兴趣是在管弦乐方面。他的管弦乐作品独树一帜,多取材于民族史诗或民间传说。1899年是芬兰人民反对沙皇俄国的斗争更加尖锐的一年。这一年,西贝柳斯完成了几部富于爱国热情并给芬兰人民以鼓舞的作品。其中一部是《芬兰颂》,该曲最初是一部配乐的终曲,在巴黎博览会曾以《祖国》为名演出。1717年芬兰独立后才以《芬兰颂》命名。这部作品把芬兰人民的民族苦难和必胜信念熔于一炉,是芬兰民族精神的象征,具有国际声誉,为世界各国交响乐队经常演奏的杰作。

西贝柳斯的作品涉及众多的体裁与形式,代表作除有世界广为流传的交响诗《芬兰颂》外,还有7部交响曲及《小提琴协奏曲》、戏剧配乐《暴风雨》、小提琴与钢琴曲、大提琴与钢琴曲、声乐与钢琴曲、合唱曲等。在他的交响作品中,将古典主义的优秀传统,浪漫主义的丰富感情及强烈浓郁的北欧民族风格有机地融为一体,获得了世界的公认。

在世界音乐史册中,西贝柳斯的地位是十分引人注目的。西贝柳斯是芬兰民族音乐运动的拓荒者和播种者,他用音乐描绘了芬兰的历史、传奇故事和人民的生活,启发了人民的觉悟,唤起了人们为维护祖国尊严的爱国热情和民族自尊心。西贝柳斯倍受芬兰人民的崇敬,世界人民通过西贝柳斯的音乐,加深了对芬兰的了解。

[作品赏析]

交响诗《芬兰颂》

《芬兰颂》创作于1899至1900年,1899年沙皇俄国加紧对芬兰的统治,激起了芬兰人民的爱国激情,西贝柳斯为民族运动写下了这首为祖国生存而奋斗的不朽作品。

全曲分两部分,变奏曲式。引子的音乐严峻深沉,引出抒情悲叹的主题,随着音乐的发展,情绪趋向高昂,充满战斗的激情,最后以充满信心的辉煌壮丽的结尾结束。

第一部分表现人民的愿望和苦难。乐曲开始,铜管在定音鼓轮奏背景下奏出沉重、压抑的苦难主题,表达了祖国的危难。接着,由木管奏出抒情、痛楚,略显伤感、压抑的旋律,随后,弦乐又在低音上重复这个旋律,描写了芬兰人民痛苦的生活情景。

音乐经过一系列发展,人民渐渐觉醒。当乐曲转入快板时,铜管奏出了急促、有号召力的音调,仿佛是人民的力量不断壮大,爱国浪潮在汹涌澎湃。

第二部分是一首表现人民斗争与胜利的颂歌。以低音 “号召动机” 开始,接着引出了明快而又充满信心的旋律,象征人民斗争的信念。音乐坚定而有力,接着由木管奏出一段优美抒情、感情明朗、意境崇高而又神圣的颂歌,它具有凯旋进行曲的特点和色彩。

随后,弦乐重复演奏这个旋律,表现了芬兰人民对祖国的热爱和赞美。最后再现了人民斗争的主题,这时乐队以宽广的音调和嘹亮的音响,赞颂着人民的伟大,曲调庄重、舒缓,渗透了人民热爱祖国的崇高而神圣的感情。最后,乐曲在辉煌的高潮声中结束。

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第六节 晚期浪漫乐派的代表人物

19世纪后半叶至20世纪初,欧洲浪漫主义乐派的特点是:乐队技术达到新的复杂水平,以结构庞大的交响乐队取胜。

二十八、马勒(G.Mahler 1860─1911)

马勒1860年7月7日出生于奥地利一个犹太小商人的家庭。六岁开始学钢琴,1870年举行公开独奏会。1875年入维也纳音乐学院师从爱泼斯坦等人,在学期间已开始创作、演出。1878年离开音乐学院后,创作了康塔塔《悲叹的歌》。1880年在奥地利的霍尔开始指挥生涯,后在莱比锡、布拉格、布达佩斯担任指挥。二十三岁,他指挥门德尔松的清唱剧时获得成功,成为当时名遐欧美的杰出指挥家,对近、现代指挥艺术的形成和发展影响深远。

马勒作为指挥家的光辉业绩从未引起争议,指挥风格严谨、深刻、要求极高,是近代杰出的指挥家之一。马勒也重视音乐创作,但他的作品却在很长时间内一直毁誉参半。直到20世纪50年代后期,人们才逐渐肯定,制成唱片,并越演越烈地成为乐队的保留节目。马勒在继承浪漫乐派基础上有明显的突破与创新:变音体系体现勋伯格革新手法,通俗因素与深奥乐句双管齐下,错综复杂的器乐复调手法,独奏乐器复协奏式应用,交响曲表现不落窠臼,讽刺与伤感同天真无邪的内心洞察相对照等等。对20世纪后期作曲家有巨大吸引力,而听众则认为他的音乐全面地、令人信服地表现了当代生活的动荡不安与纷繁冗杂。

马勒的作品大多具有深邃的内容和哲理性,主要艺术特点是:配器手法卓越,充分发挥管弦乐的交响性,形式宏大,气势磅礴,乐思繁复,又富有民间音乐的质朴感,如应用民歌的曲调和民间舞蹈的节奏等。马勒的重要作品是交响曲和歌曲,有10部结构庞大的交响曲,其中,第二、三、四、八交响曲,都加进了人声,最后一部声乐、器乐作品《大地之歌》更是一部交响化的声乐套曲。他扩大了贝多芬创始的声乐交响乐概念,发展了柏辽兹创始的管弦乐歌曲套曲的体裁。3部杰出的声乐套曲《旅行者之歌》、《青年的魔角》和《亡儿之歌》都是他的精髓所在。还有康塔塔、声乐套曲、歌曲,以及室内乐等许多作品。

马勒虽然一生忙于乐队指挥工作,组织能力很强, 1897-1907年受聘于维也纳皇家歌剧院院长时,使其成为一流的歌剧院。1907年,他侨居美国,继续他的指挥和创作,但心脏病使他一直处于死亡阴影下。1911年5月18日,马勒在维也纳过早离开人世。

[作品赏析]

声乐与乐队交响曲《大地之歌》

《大地之歌》亦译作《尘世之歌》,完成于1908年。当年,作者来到奥地利西部一个叫杜布拉赫的村庄,面对终年积雪的阿尔卑斯山无限感慨,他读着德国作家汉斯·贝特格翻译的唐诗《中国之笛》,东方诗人的不幸遭遇和悲壮情怀激起这位西方作曲家的强烈共鸣。遂选了其中的七首唐诗,写成《大地之歌》。

这是一部加入人声的、作者称之为“为男高音、女低音(或男中音)声部与管弦乐队而写的交响曲” 。其中包括李白、王维、孟浩然的诗作,全曲共分六个乐章。

第一乐章:愁世的饮酒歌,奏鸣曲式,双重呈示部,歌词为李白的《悲歌行》

乐章以古诗的歌词为基础,作者将诗分为三段,每段都用“生是黑暗的,死也是黑暗的”作为结尾。这首诗的原意为:人的一生不过百年,面对这一现实,最好的方法是以酒浇愁。音乐以赞美生活开始,以痛苦欲绝告终。第一呈示部的引子悲愤激越,由圆号齐奏、小号助奏出呼叫般激动的动机,然后,男高音独唱主部主题。这是一段难度很高的乐句,表达了作者对人世的愤懑和反抗。

第二呈示部基本是第一呈示部的变化重复,由男高音唱第二段歌词。

展开部先由加弱音器的小号与英国管交替奏出引子动机,接着小提琴与单簧管构成充满美的幻想与和对生活渴望之情的二重奏。当男高音再次激昂地歌唱时,抒发了一种对有限生命的怀疑与绝望。

再现部较短。每唱一次 “生是黑暗的,死也是黑暗的”时,都移高一个调,音乐显得暗淡无光,乐曲在高昂但却有些单薄的旋律声响中结束。

第二乐章:寒秋孤影,奏鸣曲式,双重呈示部,原歌词已无可考证

诗句描写了秋日的景象“花儿枯萎,叶落飘零”,它是一首孤独凄凉的情诗。第一呈示部的引子是小提琴奏出的无穷动式的流动旋律,几乎贯穿全乐章。在这平淡得甚至有些呆板的背景上,双簧管奏出那“悲戚的孤独者”的忧郁暗淡、孤单凄凉的主部主题。

接着,单簧管奏出副旋律和之,女中音用缓慢的曲调饱含辛酸地倾吐出心中的惆怅,副部主题由第一圆号独奏。第二呈示部基本上是第一呈示部的重复,没有出现“悲戚的孤独者”的主题,而直接用女中音独唱主题的变化重复句。

经过短小的展开部,双簧管与歌声交织一起,辛酸、忧伤的旋律,更加重哀怨与痛苦的情绪,催人泪下。最后,双簧管又吹起那“悲戚的孤独者”的主题,音乐回到充满疲惫、怅惘之情的气氛之中。

第三乐章:青春,歌词作者署名李太白,但原诗已无处查对

这是一首青春的欢快颂歌,是整首交响曲在多灾多难的人生旅途中一首美好的插曲。乐曲的引子是长笛、双簧管演奏的流畅跳跃、轻松活泼的五声音阶旋律,表达了古香古色很有特色的中国情调。

接着,男高音轻快潇洒的唱出了以李白诗句为词的清新、喜悦的主题,描写了一群青少年在亭中相聚,欣赏着池中倒映的美景,他们谈笑风生,饮酒赋诗。中段在木管与小号顿奏第一主题后,木管以轻快的顿音与之对奏,由男高音唱出了平稳而豪壮的主题。当小提琴变化重复上面主题时,使人心情特别舒畅,充满青春活力,并对美好幸福的未来寄予希望。但后面的歌声,尤其是弦乐下行大跳的动机反复,给这种希望蒙上了一层灰纱,使之带上虚幻的色彩。

再现部较短,那清新的曲调还是那样明快,那些忘却现实的书生们依然吟诗对答,但这只不过是镜花水月而已。

第四乐章:美女,复三部曲式,原诗是李白的一首《采莲曲》

乐曲在长笛平行三度活泼的颤音背景上,由加弱音器的小提琴奏出了柔和的引子动机,小提琴高音区的演奏,表现了一派春光明媚、鸟语花香的景象。长笛吹出五声音阶的旋律,引出了第一部分女中音缠绵、悠闲而甜蜜的歌声,这是一个不紧不慢的五声音阶的旋律,歌中唱到“英俊的少年在岸上绿柳中骑马奔驰”。

副旋律是在小提琴分解和弦音型伴奏下的女中音独唱,细腻地刻画了少女的内心世界,使人仿佛看到东方少女的音容笑貌。接着是引子与主旋律的变化重复,描绘了少女、少男们在醉人的风景中相遇的情景。

中间部是引子与主旋律的展开,几个器乐段落充分调动了动机发展、转调等手段,还加入曼多林、钢片琴、铃鼓的配器,把“空断肠”的情绪描述得近乎绝望的程度。

再现部在主旋律与副旋律间插入了一个展开句,展开句前,小提琴以深沉含蓄的音调再一次表现了采莲女的妩媚与多情。最后,音乐渐渐平静地结束在很不稳定的四六和弦上,使“断肠”之感更加强烈,仿佛痴情少女以若有所失的目光追随着远去的少年,陷入无际的遐想之中。

第五乐章:春天的醉汉,复三部曲式,原诗为李白的《春日醉起言志》

为了体现描写醉酒者姿态的意图,乐曲一开始就由木管乐器奏出满是装饰音的音型,运用了很不稳定的速度与调性,打破了前一乐章结束时的寂静,主题呈示的是一首大自然春意盎然的迷人旋律。

紧接着是发展句简单的变化与重复。中间部分得到充分的展开,独奏小提琴一会儿活泼轻快,一会儿抒情抑郁。随后,男高音演唱了坚定有力的“人生如梦”曲调。音乐很好地描绘了在梦幻一般的世界里,借酒消愁者如醉似醒的神态。作曲家把他们对生活的咀咒和希望,全部奇妙地交织在各种旋律、调性和配器之中。同时还以其精湛的配器技巧,使我们感到了微寒的“春风”,嗅到了沁人的“花香”,不时听到几声“流莺”动人的歌唱。

再现部中加进一些木管上行、下行的流动音阶,进一步描写醉酒者的神情。音乐最后在狂热的气氛中结束,好像醉汉又借酒浇愁、逃避现实,拿起酒杯狂饮不止。

第六乐章:永别,双展开部的奏鸣曲式,歌词前半段来自孟浩然的诗《宿业师山房待丁大不至》,后半段来自王维的诗《送别》。

乐曲的开始给人留下难以忘怀的印象,在低沉压抑、阴森恐怖的大锣与低音声部长音和弦的背景上,引出双簧管反复吹奏的极度凄楚、痛苦的回音音调。

在引起小提琴感慨共鸣后,女中音首先唱出冰冷失神和痛苦忧郁的呈示部主部主题,凄凉的木管不时在上面飘动,更添愁情,表达了主人公与朋友告别时的彷徨不宁的心情。双簧管在单调的、不规整的节奏音型伴奏下,以较长的经过句引出副部主题。

展开部的第一部分,女中音继续抒发对人生的感慨。第二部分是器乐段落,感情变化幅度很大,基调虽未变,但却很有生气,充满温暖和人间的爱,它是对美和生命的热烈赞颂。不过,很快被大锣阴森的音响毁灭,乐队音响由高而低,把人推向幻灭的深渊,虽然对人生还有所眷恋,但命运却使人不得不抛开尘世,去寻找栖身的地方。

再现部的歌词用王维的《送别》,这是辞别尘世的断肠哀歌,葬礼进行曲似的节奏一直贯穿其间,音调充满悲凉凄切的情绪。乐章的结束部是马勒自己写的一段歌词,用来抒发他对人生、对大地的眷恋之情。当歌曲唱到“永远”二字时反复了七遍,似乎主人公已走到了人生的尽头,将离开人间转入另一个世界,从而和大地诀别。音乐在极弱的力度中,不知不觉地消逝了。

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第五章 20世纪的音乐

20世纪音乐又称现代音乐,指19世纪末以来的整个20世纪的音乐。在19世纪末20世纪初,由于受文学上象征主义、绘画上印象主义的影响,音乐上出现了一种新的风格,即印象主义。这种新的风格源于法国,其奠基人是法国作曲家德彪西。

第一节 20世纪的音乐特点

印象主义音乐反映的是绘画上的一种主张,表达了直接感受的事物印象的真实再现,注重色彩及光线的描写,尽量捕捉事物一瞬间的活动情景,不为任何形式所拘束。它的音乐给人捉摸不定的、闪烁的图画性质,常用色彩来代替音乐内容。印象主义音乐在20世纪头三十年极为流行,形成一个国际性的乐派,对欧美各国的音乐发展产生了重要的影响。

20世纪接连发生了两次世界大战,战争给人类社会的政治、经济、文化生活带来极大的动荡和破坏。成千上万的人民在经受战争的创伤后,急切地要求重建和变革社会秩序,他们摈弃老的传统,发展新的思想,探寻新的出路。战后社会的振兴、科技的进步、交通的发达、信息的猛增和广播、唱片、电视的普及,促使音乐的国界逐渐被打破,为音乐与科技的结合开辟了新的领域。这样就形成了整个20世纪的西方音乐集多种流派、风格、手法为一体,各种音乐现象并存的复杂多样化局面。

除了法国音乐家德彪西为代表的印象主义音乐外,还有以俄罗斯作曲家拉赫玛尼诺夫为首的后期浪漫主义,匈牙利作曲家巴托克的民族主义,奥地利音乐家勋伯格的表现主义,俄罗斯作曲家斯特拉文斯基的新古典主义音乐,西德斯托克豪森的电子音乐,美国音乐家凯奇的偶然音乐,捷克作曲家哈巴的微分音乐等等。另外,爵士音乐、流行歌曲等也是20世纪音乐潮流的重要组成部分。

20世纪音乐总的特点为:

  1. 节奏上的复杂性

节奏摆脱二拍、三拍、四拍的有重音的格律式标准,代替以不对称的,以奇数为基础的节拍,如五拍、七拍、十一拍、十三拍。在吸取亚洲、非洲节奏的复杂性与灵活性的基础上,同时采用几种节奏型,造成紧张的、具有强大力度的、爆炸的基本节奏和效果。

2、和声上的不协和性

打破以三度为基础的和弦构成方法,改用二度、四度、五度为基础,制造一种刺激音响。由六、七个音组成“摩天大楼”式的复和弦,如1-3-5-7-9-13-15,加强了音乐的紧张度。

3、调中心的模糊性

无调性,废除主音,把十二音作为同等重要的音来对待,排列成十二音音列,形成十二音法。

第二节 印象主义代表人物

二十九、德彪西(C.A.Debussy 1862?918)

法国杰出作曲家德彪西1862年8月22日生于巴黎附近的圣日尔曼昂莱。其父是商人,曾参加过巴黎公社起义。他七岁开始学琴,1872年10月入巴黎音乐学院学习钢琴与作曲。1880、1881年两次利用暑假任俄国富孀梅克夫人的家庭音乐教员,并随她出游意大利、奥地利,接触到俄罗斯音乐。1884年德彪西作品《浪子》大合唱获罗马大奖,1885年被送往罗马进修,1887年返回巴黎,以钢琴家、作曲家、音乐评论家的身份活跃在艺术沙龙里。

当时巴黎艺术界思想活跃,流派众多。尤以文学上的象征主义和绘画上的印象主义极为盛行。德彪西经常与法国象征派诗人斯蒂芬、马拉美为首的诗人和画家们在一起畅叙艺术理想、交换创作见解。印象派绘画中侧重物体所引起的视觉印象和物体周围的色彩、光线、气氛以及不断转换的线条和模糊多变的色彩等艺术实践和主张,对德彪西有很大的启示和影响,形成了德彪西音乐创作的印象主义风格。1918年3月25日,德彪西逝世于巴黎。

德彪西的音乐创作可分早、中、晚三个时期:

早期(1890年前)德彪西青年时期的作品明显表露出受到浪漫派音乐影响的痕迹,其中可以看到肖邦、舒曼的影子,在和声上更多地受到瓦格纳的影响。作品有:管弦乐《春天》、钢琴《阿拉伯风格曲2首》、歌曲《曼陀林》等。

中期(1890?910年)由于接触俄罗斯及亚洲音乐,接受文学艺术的印象主义,德彪西在1889年巴黎举行的世界博览会后,逐渐摆脱了浪漫派音乐的影响,形成了自己独特的、被称为“印象主义”的音乐风格。这时期的主要作品有:管弦乐:前奏曲《牧神午后》、《夜曲3首》、《大海》;根据比利时著名象征派戏剧家梅特林克的同名剧创作的歌剧《佩利亚斯与梅里桑德》及许多钢琴曲、室内乐、歌曲等。主要作品大都以神话传说、自然风光为题材,其特殊的音乐风格表现在:音乐处理上不带激情,音乐作为一种可感知的、节奏因素分明的音响色彩艺术,保持着美和大自然的“玄妙”规律。这种风格在技巧上表现出一种闪烁的、时常是透明的色彩艺术,和声新颖,有力度和速度感,管弦乐配器极为细腻。

晚期(1910年后)德彪西晚期作品趋向于反映现实生活,他对残酷的第一次世界大战极为憎恨,对人民的疾苦充满同情。主要作品有:神秘剧《圣塞巴斯蒂安的殉难》、3部芭蕾音乐《卡玛》《游戏》《玩具盒》、钢琴《12首练习曲》以及3首室内乐奏鸣曲等。这时期的创作特征表现为风格优美、节奏奇特、表现简洁、轮廓清晰。

德彪西是20世纪最伟大、最重要的作曲家之一,不仅因其本人的成就,而且因为他闯出新路子供人探索,因此备受后世作曲家如韦伯恩、巴托克、斯特拉文斯基等人的尊敬。他采用的块状和弦、建立在全音音阶上的和声、色彩细腻的配器、“层层叠叠”的音响技巧、朗诵性质然而十分抒情的声乐作品,无不证明他是一流的作曲家,使钢琴和管弦乐的写作产生了一场革命。他的音乐至今仍保持着强大的艺术生命力,对世界音乐的发展和对各国现代的钢琴及管弦乐的创作都产生了很大的影响。

德彪西作品赏析

管弦乐前奏曲《牧神午后》

这部根据法国象征派诗人马拉美的同名诗歌创作于1892-1894年的乐曲,是德彪西的成名之作,也是印象派音乐的经典著作。

《牧神午后》描写罗马、希腊神话中司管森林与田野的牧神的幻想。牧神有人的形貌,有角和尾巴,还长两条山羊腿。

原诗大意是:炎热夏日的午后,半神半兽的牧神躺在草丛中,阳光晒得他昏昏欲睡,他幻想看见洁白的仙女低低飞过,他的感官热情逐渐起主导作用,又想象自己在埃特纳山巅的阴影下拥抱了维纳斯女神。一想到对神的不敬会带来惩罚时,睡意又上来了,他告别现实进入梦乡。作曲家通过别具魅力的艺术手法,广泛运用了各种表现技巧,体现了诗的意境。马拉美听了这首乐曲后极为感动,他在给德彪西的一封信中这样写道:“您对《牧神》的解释不仅没有和我的文字矛盾,反而由于乡愁,惊人的敏感,幻想的丰富而超过了它。”

这部作品的结构比较自由,带有狂想曲意味,但基本上是三段体,结合变奏因素。

第一段由独奏长笛用甜蜜柔和的音色奏出一个带半音经过音的旋律,描写半人半神的牧神懒洋洋的情态,这是全曲的基调。

它把我们带进了一个迷离恍惚的、梦一般的境界。接着圆号低吟浅唱,写出夏日的阳光和牧神睡眼惺松的倦意。

这个主题在多次反复时,音调、配器、节奏上作了五光十色的变化,中间穿插的旋律都是恬淡优雅、温柔闲静的。木管乐器上下起伏的旋律,竖琴闪闪烁烁的滑音,好像微风拂着晶莹的水波,水仙女在空中飞来飞去。音乐好像雾里看花,是一幅迷迷糊糊朦朦胧胧的牧神行乐图。

第二段由两部分组成,第一部分由双簧管奏出优美、兴奋的旋律。表现牧神沉入幻想之后,看见湖边的仙女,激起了牧神的热情与渴望。

第二部分由长笛、双簧管、英国管及单簧管奏出新的旋律,音乐有较大的起伏,像是一组变奏,表现牧神遇见了爱神维纳斯,并拥抱了她,牧神沉醉于欢快之中。这里全音音阶的音列与扩大的调式和声十分突出。

第三段是第一段的变化再现,长笛再次奏出第一段开始的主题,由弦乐用极轻的震音伴奏,表现牧神的幻想消失,他躺在森林里迷迷糊糊地睡去。结束处的音乐甜美纤细并逐渐消失。

三十、拉威尔(M.Ravel 1875?937)

法国印象派著名作曲家拉威尔1875年3月7日生于法国边境锡布尔,父亲是工程师,祖籍瑞士,爱好音乐,母亲是西班牙巴斯克族人。拉威尔在孩提时代举家迁居巴黎,他十一岁学钢琴与和声,十四岁考入巴黎音乐学院,在该院学习了15年。

20世纪初,巴黎的艺术生活十分活跃。拉威尔毕业后同一些在艺术上追求创新的有才华的先锋派诗人、画家、音乐家、评论家为友,他在音乐上的许多创新,总是得益于他们的极大支持。第一次世界大战中,曾入伍任汽车驾驶员。战争损害了他的健康,战后作品减少。最初几年访问欧洲各国及美国,指挥或弹奏自己的作品赢得世界声誉。后隐居巴黎郊区别墅,主要从事创作。

拉威尔早期接受古典音乐创作手法,后来又受德彪西等人的影响,善于运用和声和配器来丰富作品的色彩,他的作品具有典型的法国音乐特点棗技巧精湛典雅、曲式简洁清晰、配器玲珑考究。他的作品大多以自然景物、民间习俗或神话故事为题材,并喜爱用民间舞曲节奏创作乐曲。

拉威尔以他的钢琴、声乐、室内乐和管弦乐作品著称。他的主要代表作品有:钢琴作品《为悼念一位夭折的公主而写的帕凡舞曲》、《水的嬉戏》、《镜》,声乐作品《马拉美的诗三首》、《马达加斯加之歌》、《舍赫拉查德》,管弦乐《西班牙狂想曲》、《鹅妈妈组曲》、《达夫尼斯与克洛埃》,舞剧音乐《波莱罗》,以及为受战争失去左手的奥地利钢琴家保罗·维特根施泰因创作的《F大调左手钢琴协奏曲》等,这些作品使他成为享有世界声誉的音乐家。

1932年他遭到一场车祸,头部受伤,基本丧失了工作能力。1937年经外科手术后治疗无效,于12月28日在巴黎逝世。

拉威尔作品赏析

管弦乐曲《波莱罗》

管弦乐曲《波莱罗》作于1928年,同年11月在巴黎歌剧院首演获巨大成功。

波莱罗(Bolero,西)原指一种单三拍子的西班牙民间舞曲,这种舞蹈约出现于1780年。跳舞人数一对或几对,伴奏以响板和舞者本人的歌声,有时加上吉它和铃鼓,舞姿轻柔、温雅。

拉威尔受舞蹈家伊达·鲁宾斯坦之托,为一部西班牙风格的独幕舞剧配乐。舞剧剧情简单:一位少女在西班牙小酒店里翩翩起舞,起初她缓慢轻盈的舞步并未引起顾客的注意。但随着逐渐热烈起来的音乐,舞蹈越来越欢快奔放,终于将在场的人们吸引过来都一起欢舞,乐曲在狂欢的气氛中结束。

全曲由同一节奏,即波莱罗节奏型伴奏下的两个主题的不断反复组成。开始,在中提琴、大提琴三拍子拨弦衬托下,小鼓奏出轻快而充满活力的波莱罗节奏型。

这一节奏型由两小节组成,在全曲340个小节中,共反复了169次,直到最后两小节才出现变化。之后,先由长笛吹出带有浓郁西班牙风格的第一主题。

这一主题长达十六小节零一拍,舒展、清丽而明亮。由单簧管反复之后,大管以其苍凉的音色引出委婉缠绵的“西班牙棗阿拉伯风格”的第二主题。

这一主题同样为十六小节零一拍,在调式色彩上与第一主题形成鲜明的对照。

两个主题又作了原封不动的四次大反复。整首乐曲在主题的不断反复中,通过乐队渐强的音响处理以及配器色彩的变化,使情绪步步高涨。临近末尾,扩充的8小节转到E大调,最后又迅速转回原调C大调上,在不协和的音响中结束全曲。

这首乐曲被人们公认为本世纪初法国最有代表性的管弦乐作品,经常出现在音乐会上。关于这首乐曲,作曲家本人这样解释:“我在这支曲子里,不是表现什么色彩美丽的绘画效果,而是要表现出人们看到美丽的绘画之后所产生的美感反应。它里面的主题,非常固执地再三反复。虽然深刻,但易于理解。在两个主题之间出现的节奏型,会使人们产生对旋律再现的愿望。”

第三节 现代音乐代表人物

三十一、勋伯格(A.Schoenberg 1874?951)

奥地利作曲家勋伯格1874年9月13日生于维也纳,八岁开始学习小提琴和大提琴,十二岁开始作曲,靠自学成才,主要从事音乐教学和创作,是十二音列音乐创始人。勋伯格的创作分三个阶段。

早期的作品风格受瓦格纳、马勒等晚期浪漫主义作曲家影响较大,代表作有:弦乐六重奏《升华之夜》(作品4号)、大型交响清唱剧《古雷之歌》(1901?911)等。三十岁之后,勋伯格作品风格开始转向无调性与表现主义,为解决新风格问题,他集中精力于短小的抒情作品,如《五首管弦乐曲》(作品16号)、朗诵与室内乐重奏《月光下的彼埃罗》(作品21号)等。第一次大战爆发,勋伯格应征服役,其时,他仍积极从事创作、理论著述与教学活动。大战结束后,他进入创作的第三个时期,即十二音技巧时期,写就了一系列独奏独唱和室内乐作品,如管弦乐《变奏曲》(作品31号)、钢琴《组曲》(作品25号)、为七件乐器和男低音的《小夜曲》(作品24号)等。

1933年,纳粹谴责勋伯格音乐“颓废”(他是犹太人),他因而迁往美国,定居洛杉矶,执教于加利福尼亚大学。他从事教学、创作至1951年7月13日逝世。晚期代表作有:《小提琴协奏曲》(作品36号)、《拿破仑颂》(作品41号)、《华沙幸存者》(作品46号)等。勋伯格晚期的作品当时大多难于被人们理解,遭到冷潮热讽。在他死后,对他音乐的评价也一直存在争议。但是,他的无调性音乐和十二音列音乐对20世纪的音乐发展产生了巨大的影响,他的作曲方法被不少作曲家采用。

勋伯格作品赏析

《华沙幸存者》为朗诵,男声合唱和乐队而作。(OP.46)

勋伯格是一位曾经遭到德国法西斯驱逐的奥地利犹太知识分子。1947年夏,他在美国的寓所接见了一位华沙犹太区的幸存者。当年纳粹把全欧洲成百万的犹太人驱逐到华沙进行灭绝人性的惨杀事实,以及一批残留者进行殊死斗争的壮举,使他深受震惊。苦难的民族血泪史激起了他的爱国情感,怀着满腔悲愤,勋伯格一连十二天,日夜创作,用十二音音列的技法写成了这部名作。

全曲的朗诵、歌词均由勋伯格创作,这首乐曲所采用的十二音列原形是。

歌词大意:一个解说者叙述情节,一群从集中营里出来的犹太人,在一队纳粹士兵的驱赶下排成队列作最后的行军。德国士兵殴打辱骂这些被驱赶的犹太人,枪杀那些落在后面的人。军士命令犹太人报数,以便知道有多少人被他们送进了毒气室。犹太人慢慢地、不规则地开始:one、two、three、four……军士又吼了起来,犹太人的报数声又开始了,起先很慢,然后变得越来越快。到最后听起来就像一群野马在奔跑。突然,在这中间,他们不约而同地唱起了《希马·耶斯罗尔》。这是古代的祈祷,是犹太教的中心教义。

讲述这个残酷故事的人,是从集中营里死里逃生的幸存者。音乐中出现了有明显区别的三种声音:一是讲述者本人,用英语朗颂的音调描述这一惨状的经过。二是用德语模仿德国军士的吼声,出现了两次。三是音乐的高潮部分,犹太人面对死亡用希伯来文开始高唱起来,勋伯格把这个时刻叫作“宏伟的时刻”。

音乐一开始是小号惊恐不安的声音,乐队也采用了一些异乎寻常的配器手法,如长号在高音区奏出了刺耳的颤音,弦乐用弓杆击弦或者用弓杆擦弦产生了可怕的效果。

第一小号演奏的四个音是音列的前四个音,小提琴演奏的两个音是后两个音,组成了十二音列的前六个音。第二小号和低音提琴奏出了十二音列的后六个音。这个音列出现在合唱进入之前的所有音乐片断中。

随着讲述者所讲述故事情节的进展,乐队运用了力度、节奏、配器等手法的变化,很好地渲染了气氛,增加了戏剧性。如叙述者模仿军士的野蛮形象,复述他嚎叫出的命令时,勋伯格使用了打击乐器大鼓、军鼓、木琴和镲,造成了一片纷乱的音响来强调歌词。在犹太人报数时,音乐效果也同样令人惊奇,勋伯格使用了渐快、渐强的节奏,叙述者的朗诵声也使这一段的气氛越来越紧张,直至这首乐曲戏剧性的高潮处,响起了悲壮的男声合唱,以此来表达犹太民族的抗争和永生。

“听吧,以色列人,我们的上帝是永恒的,这永恒者是唯一至尊的,赞美他崇高的王国进入万世永恒的英名。你应当热爱这永恒者,你的上帝,以你的全付心灵和全部力量。”

恐怖、刺激、尖锐的音响成为整部作品的主要情绪,乐队里的乐器采用了一系列非常规的演奏法,怪诞的音色、超常的力度,充满了震憾人心的力量。勋伯格说:“我写的是我心里感受到的,最终写到纸上的东西首先在我全身的每一个细胞里流动。如果一个艺术作品能把曾在作者身上引起的强烈感情传达给观众,使观众强烈地感受到这些情感,那它取得的效果是再好没有了。”这部作品是勋伯格从最深刻的生活体验中产生的,是他最为精心制作的一部作品,也是他最具戏剧性的作品之一。人们熟悉勋伯格,一般都是从这部作品开始的。

三十二、斯特拉文斯基(I.F.Stravinsky 1882?971)

斯特拉文斯基是美籍俄国著名作曲家,1882年6月17日生于彼得堡附近的奥拉宁包姆,父亲是圣彼得堡皇家歌剧院首席男低音演员,九岁开始学习钢琴,中学毕业后进入彼得堡大学法律系学习,但钻研音乐的时间越来越多,自1903年起师从里姆斯基·柯萨科夫三年,打下了扎实的音乐基础。1905年,他的第一交响曲问世,这是一部具有较强俄罗斯民族风格的作品。从1910年起,斯特拉文斯基与佳吉列夫的俄罗斯芭蕾舞团合作,先后为舞剧《火鸟》、《彼得鲁什卡》、《春之祭》谱写了音乐,引起了西方音乐界的轰动。

第一次世界大战时,斯特拉文斯基迁往瑞士居住,在那里他创作了几首以俄罗斯旋律为主的作品,如芭雷舞剧《婚礼》,也创作了具有新古典主义风格的舞剧《士兵的故事》、歌剧棗清唱剧《俄狄浦斯王》。1930年,他游遍欧洲和美国,以钢琴家的身份演出了他自己的作品。1934年他加入了法国籍,1939年他又移居美国,当地气候对他于1936?937年得过肺结核的身体很为适宜,并于1945年成为美国公民。1971年4月6日在纽约逝世。

斯特拉文斯基的音乐创作可分为三个阶段,即:俄罗斯风格阶段、新古典主义阶段和序列音乐阶段。第一阶段的作品包括九部舞剧音乐:《火鸟》(1910)、《彼得卢什卡》(1911)、《春之祭》(1913)、《夜莺》(1914)、《狐狸》(1916)、《士兵的故事》(1919)、《普钦涅拉》(1920)、《马甫拉》(1922)和《婚礼》(1923)。1913年创作了《日本诗曲三首》。在大型声乐套曲《众星之王》(1912)中,表现的是象征主义诗人巴尔蒙特所描写的最后审判的情景;另外,还有为纪念德彪西而作的《吹奏交响乐》或称《葬歌》(1920)。

斯特拉文斯基一些著名的、经常出现在音乐会上的作品大多写于第二阶段。其中包括《赞美诗交响曲》(1930)、《小提琴协奏曲》(1931)、《阿波罗》(1928)、《普西芬尼》(1934)、《奥菲欧》(1947)。从这些作品的标题,我们可以看出,斯特拉文斯基在这个阶段对古希腊艺术产生了兴趣。虽然在他1936年创作的《纸牌晚会》中没有古希腊的内容,但作品依然通篇浸透着古典舞蹈及戏剧传统风格。这一阶段以1951年创作的《浪子历程》作为终点。

斯特拉文斯基创作中的最后一个阶段,主要在声乐和宗教音乐领域内逐渐为自己的序列技巧找到了恰当的位置。从《清唱剧》(1952)开始探索,经过《萨克鲁的圣歌》(1956)为标志的过渡,到达了《安魂曲》(1966),还有《挽歌》(1958)、《布道、叙事与祈祷》(1961)、《亚伯拉罕和艾萨克》(1963)、以及舞剧音乐《阿贡》(1957)、《洪水》(1962)、钢琴和管弦乐队乐曲《乐章》(1959)等。

斯特拉文斯基是本世纪获各种荣誉最多的音乐家之一。1954年获伦敦皇家爱乐学会的金质奖章,1956年获西贝柳斯金质奖章,1957年被选为美国文艺学院院士,1962年1月在白宫专为他举行了宴会,同年10月罗马教皇约翰二十三世授于他圣西维尔斯特高级爵士的荣誉。1962年9月,他接到前苏联作家协会的邀请,踏上了他离别48年的故土,莫斯科和列宁格勒等城市都上演了他的作品。

作为二十世纪最具代表性的音乐家,斯特拉文斯基经历了漫长的创作生涯,他作品繁多,音乐风格也经常变化,他凌驾于一切之上的创作特点自始至终是节奏,从简单到复杂,多种奇妙的节奏形式,造成音乐上的一种异常猛烈但有控制的气势;他的旋律常常是建立在自然音阶上的短小片断,音域狭窄,加上不规则的节奏型,便造成了一种即兴吟唱的性质或产生了如锯齿形的旋律线;他使用变化多端的和弦,其中包括:在三和弦上加一个大二度或小二度音;或用大二度或小二度来代替和弦,以产生一种模糊的界线不清的效果;或运用复合和弦,即将两个不同和弦结合在一起,各自展示自己的音响,造成令人难忘的嘈杂浓重的音响效果。

斯特拉文斯基作品赏析

芭蕾舞剧《春之祭》

芭蕾舞剧《春之祭》1913年5月由佳吉列夫舞蹈团首演于巴黎。它描写了俄罗斯古代原始民族在春天祭祀天地的风俗,以及以少女祭献大地的仪式。共分两幕,每幕又由几个部分组成。

第一幕《大地的赞颂》

1、《序奏》

描绘春天原始大地的苏醒、鸟兽的抓挠、咬啮和抖动。音乐开始以大管独奏一段立陶宛民歌主题引入,狭窄的音域和片断的重复,赋予这个主题原始的特征,造成一种奇异的遥远、怪诞的效果。

舞台上,神坛前有一群少女,她们手中拿着长长的花环。长老出现,领她们走向神坛,乐队爆发出高潮。之后,又重复听见大管的旋律。

2、《青年男女之舞》

春祭的前夜,在野外月光下,青年男女跳起了粗野的舞蹈,他们向大地母亲祈求,为的是得到肥沃多产。乐曲开头像一个原始人在击鼓,弦乐器在低音区重复着复杂而极不谐和的和弦(这段乐曲已成为20世纪音乐中经典性的乐段)。之后,8支圆号激烈地响起,并反复吹奏各种不规则的“复合”节奏。

在异常复杂的节奏段落之后,一支只有五个音的原始吹管乐器在演奏着庄严神圣的祭祀音乐:

3、《诱拐的游戏》

男女青年在舞台上列为两个方阵,依次相互靠近又向外展开。音乐在这里是最粗犷的一段,速度不断加快,出现了变化频繁复杂而不对称的节奏和大量复合节奏。以此表达男女间狂热的戏谑之情。

4、《春天的轮舞》

一个原始风格的旋律由第一、二单簧管隔八度奏出,长笛持续颤音作为衬景。

舞台上剩下四对舞者,每一个男子托举着一个姑娘,跳起了持续而沉重的“春天的轮舞”。

5、《敌对部落》

主要乐思由两个加了弱音器的小号奏出。

通过两部应答式写法和有限制地使用多调性手法,构成两个对立的音乐群像,在低音部固定音型基础上,由乐队的木管、铜管同时吹奏颤音,打击乐器喧染强烈的节奏,造成一种乱哄哄的音响,把两个部落之间的格斗情景栩栩如生地展现出来。

6、《贤者的行列》

这是一段缓慢庄重的音乐,大管吹出很轻的和弦。舞台上,在一群少女的伴随下,贤德智慧的长老来到,舞蹈者在对大地的神秘崇拜下俯伏亲吻大地。

7、《大地之舞》

音乐转为狂热、剧烈。所有男女青年们都在起舞,长老们则在祝福大地与舞者,召唤春天女神以保丰年。

第二幕 《献祭》

1、《序奏》

部落长老和少女们一动不动地坐着,凝视着神坛前的火。长老必须选出一名少女献祭,以保土地的肥沃。一个感人肺腑的俄罗斯民歌风的旋律由加了弱音器的小提琴悠悠奏出,音乐宁静柔和,增强了神秘荒凉的气氛。

2、《青年人的环旋舞》

弦乐奏起了一支阴沉、忏悔似的旋律,这是青年们在舞蹈。

长笛用中音区在不谐和背景上奏出了柔和的旋律,少女们和着笛声婆娑起舞。

这一旋律与上面的主题在不同的音区反复出现,不断变化色彩。青年们在神秘象征的圈中起舞。

3、《对被选少女的赞美舞》

突然音乐的速度加快,变得异常活跃,青年们为赞美被选的少女而欢舞。音乐节奏出现剧烈不规则的节拍,制造一种紧张恐怖的气氛,一段怪诞的音乐冒出来。木管与铜管齐奏后,出现一个特别的音响,仿佛在黑暗中显现了祖先的灵魂。

4、《祖先的召唤》

音乐平静下来,变成柔情的“布鲁斯”,在鼓和弦乐拨奏和弦衬托下,英国管奏出一个起伏的半音音型,使人联想起摇晃的身体和曳行的脚步,召唤年长的人参加这一礼仪活动。小号独奏象征着祖先之灵接受了这份奉献,于是大地开始呼吸了。

5、《当选少女的献祭舞》

整个芭蕾舞达到了高潮,突然喧嚣停止,只有一个节奏留下,献祭之女开始颤动身躯,她的独舞开始很慢,似乎在恍惚之中逐渐加快,终于陷入疯狂失控之境,这是死亡之舞。

短笛在飞快地吹奏一个狂乱的死亡动机,少女在铜管与打击乐震耳欲聋的音响中,发疯似地舞蹈着,直至精疲力竭,倒地而死。最后,人们高举起纯洁无瑕的少女身躯走向祭坛奉献给太阳神。一声巨响,终结了这春天的祭典。

三十三、格什温(G.Gershwin 1898-1937)

格什温生于1898年9月26日纽约布鲁克林。父母为俄国犹太移民,1893年前后移居美国。他1913年从查尔斯·汉比策尔等人学习钢琴、理论与和声。同年辍学,担任流行音乐出版商雷米克的钢琴师和歌曲宣传员。1916年创作第一首歌曲。1919年创作他的第一部百老汇音乐喜剧《拉拉露西尔》。第一首成功杰作是歌曲《斯旺尼》(Swanee)。1924年钢琴与乐队《蓝色狂想曲》(Rhapsody in Blue)公演,这是他把爵士乐用之于音乐会作品的新尝试,获得很大成功。从这时起,直到他去世,作曲家活跃在百老汇舞台以及好莱坞,写了大量的歌曲、歌舞曲、轻音乐剧与电影音乐。格什温创作的每一部音乐喜剧都成为当时纽约戏剧生活中的头等大事,此外,大型作品还有:《F大调钢琴协奏曲》(1925);《一个美国人在巴黎》(1928);以及美国歌剧中唯一保留至今的剧目《波吉与贝丝》(1935)等。1937年7月11日,格什温患脑瘤医治无效,病逝于加利福尼亚好莱坞。

格什温的旋律才华不同凡响,他的歌曲中蕴藏着20世纪20年代纽约的精髓,在群众中口授言传广为流行,已成为20世纪民歌传统的一部分,是同类作品中之经典。他的创作能把原始质朴的民众音乐、爵士乐等,与精深复杂的欧洲作品风格熔为一炉,使他的作品具有独特的个性和至今未减的吸引力。但他的大型作品,在旋律上固然出类拔萃,却因缺乏系统的音乐教育与对位等理论基础训练而显得美中不足,他的《蓝色狂想曲》是由格罗菲配器的(虽然后来还是由格什温亲自编写总谱)。然而,毫无疑问,如果他能多活几年,他是能在交响乐领域结出硕果的。

他为我们留下了大量音乐作品:有歌曲数百首,音乐喜剧19部,电影音乐6部,管弦乐6部,歌剧1部。格什温对美国音乐的发展,作出了重要而宝贵的贡献。

【狂想曲】(Rhapsody英),狂想曲源于希腊文Rhapsoidia,意为“叙事诗”。古希腊惯用于史诗中各部分的当众吟诵。在音乐上指对英雄事迹、民间传说、风土人情等自由幻想之作。一般为内容连贯的单乐章曲。它往往以流行的、民族的或民间的曲调为主要素材。如:李斯特的《匈牙利狂想曲》、格什温的《蓝色狂想曲》等。

格什温作品赏析

管弦乐曲《蓝色狂想曲》(钢琴与乐队)

管弦乐曲《蓝色狂想曲》是格什温应保罗·怀特曼之邀作于1924年,格罗菲配器,同年由作者亲自演奏钢琴,与保罗·怀特曼乐队首演于纽约,获巨大成功,成为美国音乐史上具有美国特色的第一部交响音乐作品,格什温也因此成为把爵士乐和交响乐作曲技法相结合的第一人。作品素材以爵士乐布鲁斯(Blues蓝调)等为基础,全曲结构非常自由,具有爵士乐即兴演奏的特色。后被改编为钢琴曲、管乐合奏曲等。

这首作品采用了类似钢琴协奏曲的形式,在结构上,它一气呵成,由四个比较突出的主题串连起来,构成了一首自由曲式的单乐章乐曲。

乐曲开始由爵士乐队常用的乐器~黑管(单簧管)吹出快速上行十七连音音阶。

这段音乐使用了黑管滑奏的方法及被称为“布鲁斯音”的降第三音、降第七音的音阶特点,又有三连音和切分音节奏的更替出现,因而呈现出浓厚的爵士音乐的风格和色彩。当这首作品第一次演出时,吹奏黑管的演奏员兴致一来,在吹那上行的十七连音音阶时,突然把一个个地吹出的音,改为连续上行的滑奏,使在场的听众大为惊叹。当时亲自弹奏钢琴部分的格什温非常满意。事后,他将这个奏法写进了乐谱。

乐曲中第二个常出现的主题最初由钢琴奏出,而后主要由萨克斯管演奏。

这是由爵士乐中常见一个音型演变来的。格什温将它搬过来,当作管弦乐作品的“主题”加以使用,凡是熟悉爵士音乐的人一听就能会意。这个主题多次由各种乐器(加弱音器的小号、钢琴、全乐队、铜管等)重复演奏。在加弱音器的小号吹奏时,还特意弄出“哇哇”的声音效果,这也是爵士乐所特有的。

第三个主题是以半音环绕进行的音型为特点的。

同其它主题一样,它在乐曲中也多次重复,却从未加以变化或展开。

乐曲的这三个主题及动机在通过钢琴和乐队不断地交替演奏,将音乐推向高潮。在这过程中,有时乐队为钢琴伴奏,有时钢琴为乐队作陪衬和装饰,有时两者混在一起,它们相辅相成,如同爵士音乐中钢琴和乐队的关系一样。

与前面三个主题形成对比的是第四个主题。

这个主题宽广、抒情,具有欧洲传统音调的色彩,呈现出另外一种风格。

同西欧传统协奏曲一样,这首作品也有一个华彩乐段,由钢琴独自运用前面的主题材料奏出技巧性的音乐。然后乐队一齐再次重复乐曲的主题。全曲便在热烈的气氛中结束。

整个乐曲通过丰富多彩和经常变化的节奏,给人以生机勃勃、乐观热情的感受。正是这种热情,使得这首作品经久不衰。

《蓝色狂想曲》是格什温创作专业音乐的第一部大型作品。我们从这里可以看出他创作上的某些特征。其中最突出的是旋律:他的旋律非常动听,富有吸引力;其次,在对主题、动机、短句等材料的处理方面,格什温基本上没有进行发展或展开,而是较多地进行重复,在重复中又常使音乐带有即兴的性质;在曲式结构方面,格什温运用了爵士音乐常用的自由分段的方式,各段之间,界线分明。

《蓝色狂想曲》反映了格什温的音乐同美国民间音乐、爵士音乐的血肉联系,表现出格什温的巨大才华和热情。随着时间的推移,这首作品经受了历史的考验,成为美国专业音乐的代表作品之一。

三十四、格罗菲(F.Grofe 1892-1972)

美国作曲家格罗菲1892年3月27日生于纽约。由于他的父母都从事音乐工作,因此他从五岁起向母亲学钢琴与小提琴,但父母都反对他成为专业音乐家,所以他做过银行职员、装钉工和汽车司机。尽管如此,他对音乐的热情从未减弱过,仍然业余学习音乐,到咖啡馆弹钢琴。十七岁那年,终于进入洛杉矶交响乐团任中提琴手。他边工作边进行创作,并醉心于试验在写作严肃音乐时加进爵士乐的因素。

1920年,保罗·怀特曼偶然听到他的编曲,十分赞赏,立即聘请他到怀特曼的爵士乐队里担任钢琴演奏员、编曲和指挥。此后,格罗菲的名字就与交响化的爵士乐联系在一起了。怀特曼乐队的全部管弦乐编配工作,几乎全由格罗菲担任,1924年他成功地为格什温的《蓝色狂想曲》写作了管弦乐部分,使他名声大振。

1924年,格罗菲写了他的第一部大型乐队作品《百老汇之夜》,接着又陆续写作了相同类型的作品。到1931年写作管弦乐《大峡谷组曲》时,格罗菲已是一个很有名望的音乐家了,他经常在音乐厅指挥演出自己的作品。1940年后,开始为好莱坞写作电影音乐。主要作品还有《密西西比组曲》、《大都会》、《好莱坞组曲》、《加利福尼亚组曲》以及获得学院奖的电影音乐《游唱歌手》等等。格罗菲的音乐色彩鲜明、旋律清新、语言通俗、热情有活力,受到音乐爱好者们的喜爱。1972年4月3日,他逝世于加利福尼亚州的圣莫尼卡。

格罗菲作品赏析

管弦乐《大峡谷组曲》 (1931年)

管弦乐《大峡谷组曲》是一部游记音乐,以着重景色的描绘为主。

美国亚利桑那州西北部的科罗拉多河大峡谷,长度约达350公里,宽度在6-29米之间,景色蔚为壮观,是世界上罕见的自然奇观。大峡谷的断崖绝壁最深约达1620米,由于各岩层质地不同,色彩也迥然不同,在不同时间的日照下,赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫七色纷呈,仿佛是一条五光十色、波澜夺目的彩虹;而在月夜,大峡谷又蒙上了一层神秘的面纱,展现出朦胧而富有诗意的意境;如果适逢暴雨,这里又是另一番景象:在所有的小径上,水流瀑布般地沸腾着,谷底的科罗拉多河也会随之狂怒起来。这种富于诗情画意的景色,无疑刺激了作曲家的创作欲,同时也为作曲家提供了丰富多彩的音乐创作素材。格罗菲曾多次赴大峡谷旅游,当时,他怀着激动的心情,决心以音乐来表现这个大峡谷变幻无穷的美。经过多年酝酿后,格罗菲在1921年写出了第一乐章“日出”,但到这部组曲全部五个乐章最终完成时,已是十年后的1931年了。

第一乐章《日出》

这是一幅沙漠上日出的风景画:朝霞在黑暗的夜幕上洒上黎明的彩色斑点。当太阳从地平线上冉冉升起时,它那彩光四射的辉耀宣告新的一天来到了。

乐曲以定音鼓上轻微的滚奏开始,这种朦胧的音响描绘出了黎明前的黑暗。接着,小提琴上持续音和单簧管上的上升音型的加入为音乐带来了生机──它唤来了短笛悦耳的鸟鸣般的音响。这是乐章主题动机的最初表露,经过长笛充实后,形成了由独奏英国管奏出的完整的日出主题。

这个主题在长笛和英国管上不断重复的同时,其形貌也不断变化,暗示出在不同的光线下大峡谷所呈现出的种种色彩与英姿。而当这个主题最终发展为弦乐器优美抒情的咏唱时,仿佛一轮红日喷薄而出,放射出万道金光,音乐顿时变得宽广明亮。

结束部分是整个乐章的高潮,先前两个主题在打击乐器和铜管乐器支撑下相继再现,展现出一副用明亮艳丽的色调描画出来的大峡谷的风景画──在灿烂的阳光照耀下,大峡谷的岩壁和谷底的科罗拉多河显得璀璨耀眼,熠熠生辉。

第二乐章《五光十色的沙漠》

沙漠是寂静而神秘的,同时也是美丽迷人的。当太阳的明亮光线反射在雄伟的岩壁上时,一片五光十色的光芒倾泻于大峡谷附近的沙地上,景色好似在一张巨大的画布上浓重地涂满着大自然本身的种种混合颜料。组曲的第二乐章表现的就是这种意境。

第二乐章一开始,在小提琴与长笛上一个持续长音的暗淡色彩的背景上,低音单簧管和中提琴以一个神秘的带有东方色彩的主题,表现出烈日下沙漠中炙热蒸腾的景象。而在这个主题迟缓虚幻的进行中,木管乐器和钢片琴不时以一声声尖利的不协和和弦穿插进来,展现出沙漠中另一种扑朔迷离的海市蜃楼般的奇观。

乐章的中间部分是一支对比旋律,由英国管和小提琴奏出。这支曲调甘美抒情,犹如沙漠中的一片绿洲。

第三乐章《在山径上》

一名游客骑着小毛驴行进在大峡谷的山径上。驴蹄的“得得声”为牧童提供了不寻常的节奏背景。潺潺的流水声暗示出科罗拉多河瀑布的美景。不久,一所孤零零的小屋映入眼帘,当游客走进小屋时,可以听到八音盒发出的叮咚声。游客们在小屋前歇息片刻后,以更轻快活跃的步伐继续向前行走,最后消失在远方。

这是组曲中效果最好,也是最受欢迎的一个乐章。在乐章开始的一个引子中,整个乐队以一个响亮的齐奏滑音来模仿驴叫声。接着,独奏小提琴奏出的华彩乐段犹如峡谷中不断传来的阵阵驴叫回声,经久不息。进入乐章主体后,在打击乐器模仿驴蹄声的节奏中,双簧管断断续续地奏出了一支带有爵士味的诙谐曲调。据说,驴蹄的节奏是格罗菲从芝加哥他所住的一家旅馆外的打桩机喧闹声中得到的启发,至于那支诙谐的曲调,其灵感来自他儿子的童车的“咿呀声”。

驴蹄声在一个渐快之后忽然消失,化作低音单簧管上的一个下行音型。而当驴子那怪诞的嘶鸣声重又响起时,在驴蹄声和诙谐曲调之上,飘荡着独奏法国号奏出的一支宽广的牧童曲调。

乐章的中间段落具有梦幻般的宁静,它以钢片琴上清泉般的音响为基础。乐章的结束部分是管弦乐队全奏的高潮,其放荡不羁的奔驰,是游客驱驴在山径上疾跑的写照。

第四乐章《日落》

一道夜晚的阴影在金黄色的天际掠过。黄昏时分的平和与幽暗慢慢地降临到峡谷上。而当夜幕将峡谷笼罩在它那黑暗的斗蓬中时,远处传来了几声野兽的凄厉叫声。

乐章一开始,四支法国号先后以很强(ff)和很弱(pp)的对比音响回声似地奏起了一个狼嗥般的旋律,暗示出夜晚即将来临。

在长笛与钢片琴流水般清晰流畅的音响中,细分成五个声部的小提琴以泛音奏起了一个平静而带有落日的感伤情调的旋律。

这支旋律在双簧管、木管乐器与弦乐器组、法国号与大提琴的重述中不断发展,同时也不断变换色彩:时而满怀柔情,时而又如落日在天空中布满红霞一般,显得壮丽辉煌。待到长笛与法国号奏起这支旋律时,夜幕已伴随着竖琴上的“晚祷钟声”而降临。最后,又传来了轻微的兽鸣声,于是,音乐悄悄地消逝在远方。

第五乐章《大暴雨》

大峡谷的暴雨格外壮观:闪电划破漆黑的夜空,勾勒出峡谷岩壁的轮廓;震耳欲聋的雷声不绝于耳;暴风骤雨铺天盖地席卷而来,具有压倒一切的威势。雨过天晴,大峡谷在月光中展现出焕然一新的英姿。

音乐以小提琴在高音区对第三乐章中的牧童曲调的回顾作为开始,这里描绘的是寂静的夜空的虚幻景象。不久,音乐中又引入了第一乐章中部宽广的主题乐思,进一步表现出夜色之美。随后,弦乐器组以一个不安稳的下行音型暗示出一场大暴雨即将来临。

大提琴伴随着锣声低声吟唱着,这是大暴雨前不祥的短暂沉寂。随着小提琴高音区的一连串尖利的滑奏,一场暴雨终于来临。顿时,钢琴飓风般的刮奏、管乐器气势磅礴的咆哮、定音鼓和钹模拟出的电闪雷鸣,伴随着弦乐器雨幕般的不协和音响,交相发作。乐章最后的篇页是全曲的高潮。在整个乐队的全奏中,铜管乐器以第三乐章的牧童曲调颂歌般地唱出了作曲家对大峡谷无限崇敬的情怀。

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第六章 亚非拉美的音乐

亚洲、非洲和拉丁美洲是人类文明的摇篮,也是人类音乐文化的发祥地。早在全世界大部分地区还处于混沌蒙昧状态时期,在东亚的黄河和长江流域;在西亚的幼发拉底河和底格里斯河流域;在南亚的恒河和印度河流域;在西非的刚果河和尼日尔河流域;在北非的尼罗河流域;以及在拉丁美洲的亚马逊河流域,那里繁衍生息的古老部族就已进入了氏族社会末期或奴隶社会的初期。他们通过智慧和劳动,创造了人类最早的精神文明财富,培育出了世界音乐文化最早的硕果,对人类社会和历史文化的发展,产生了深远的影响。

从16世纪中叶起,亚非拉美地区相继遭到西方殖民主义的入侵,这些起源于公元前30~20世纪间的优秀传统文化,遭受了严重的摧残,有的甚至濒临消亡的境地。为了保卫自己生存的权利,这些受侵略遭掠夺的民族和人民开展了各种各样的斗争。其中,保护自己的民族传统,发扬优秀的音乐文化,也成为一个重要的斗争内容。于是,出现了这样的情况:一方面,外来文化的侵略并不能征服各国的本民族文化,但必然产生传播的作用;另一方面,对外来文化的抵抗和对本民族文化的捍卫,也不能完全排除外来文化带来的影响。这样,在亚非拉美的文化、音乐领域中,出现并形成了一个既有传统民族文化的继续发展,又有不同系属文化的不断交融的新格局。

亚非拉美音乐的形成与发展有着显著的多源性,这与一脉相承的主要源自古希腊、古罗马的欧洲音乐截然不同。由于各国社会、经济和文化发展的不平衡,许多亚非拉美音乐的珍贵史料至今仍然埋藏在古籍之中,或停留于口头及文字阶段,缺乏收集、整理、研究和再现。因此,应用科学的方法和正确的观点予以发掘与完善,已成为保护和发展世界优秀民族音乐文化的一项艰巨的任务。

第一节 亚洲的音乐

亚洲全称亚细亚洲,位于东半球的东北部,是世界上最大的一个洲,也是世界人口最多的一个洲。亚洲人种主要是黄种人,次为白种人、黑种人。在亚洲广袤的土地上有四个世界著名的文明古国(中国、印度、巴比伦、亚述),因而,亚洲的传统音乐文化一直受到世人的关注,在人类音乐文化史中,具有鲜明的特点和独特的地位。

一、西亚的音乐

在亚洲西部位于幼发拉底河和底格里斯河流域的美索布达米亚地区,是人类最早的发源地之一。早在公元前40~30世纪,那里已产生了相当繁荣的人类文明,其中最主要的是苏美尔人和阿卡德人创造的古代文化。苏美尔人在这一时期创制了自己的楔形文字,保存下不少的文学作品和史料,记载了当时的宗教观念\社会生活,表现出他们丰富的想象力。在音乐方面,楔形文字记载了有关乌尔国国王舒尔吉的颂歌。颂歌描写了这位苏美尔人的统治者如何精于作曲和演奏,他演奏多种乐器的才能和技巧,几乎不亚于他的乐师,可见这位国王有着何等的音乐修养,同时也说明在当时的美索布达米亚,音乐已进入相当发展的阶段。

公元前19~16世纪,一支来自叙利亚草原的阿摩利人游牧部落占据了巴比伦城,建立了古巴比伦王国。公元前18世纪第一王朝时期,巴比伦城成为了两河流域的政治、经济、文化科学中心,并一直持续了近两千年。这一时期的古巴比伦文化主要在数学和天文上取得了辉煌的成就,但音乐方面留下的记载中我们仅知道有大量的劳动歌谣存在。公元前16~12世纪,喀西特人占领了巴比伦城,建立了喀西特王朝。这支由里海山区来的民族逐渐接受了巴比伦文化,在那时举行的祭祀、庆典等活动中,音乐已成为基本固定的组成部分。有关喀西特王朝有乐队、歌唱队的观点,也曾多次获得考古学的证实。

公元前15世纪,一族希伯莱人征服了亚非欧交接部的迦南,并在那里创造了“古希伯莱”文化。在以后的近千年中,希伯莱人经历了与强敌非利士人的战争,建立了大卫王、所罗门王的鼎盛时期。公元前922年,以色列犹太王国分裂,公元前586年,耶路撒冷被新巴比伦王国的军队攻陷,希伯莱各阶层5万多人被虏往巴比伦城,这就是历史上,文学和音乐题材中著名的“巴比伦之囚”。

西亚音乐作品赏析

1、《耶利米哀歌》

《耶利米哀歌》的颂唱形式采用素歌曲调,素歌是一种没有伴奏与和声的单声部音乐,庄严、肃穆、朴实、宽广,用拉丁文演唱。

耶利米是一位活动于公元前626~585年间的伟大先知,他出生于一个乡村祭司家庭。耶利米热情善感、刚直不阿、忠贞爱国、历尽沧桑,他目睹了亚述的灭亡,新巴比伦的西征,埃及大军的北上,以及犹太京城的毁灭。每当国家危机加紧时,他总是大声疾呼、警告预言,但却总遭拘捕和关押,直到王国的最后灭亡。这位悲剧时代的悲剧性先知诗人,在亡国的悲愤下,写下了著名的五首“哀歌”。《耶利米哀歌》被后人尊为希伯莱民族的绝唱。

《耶利米哀歌》是一部抒情组诗,第一首哀叹耶路撒冷战后的惨景;第二首审视和谴责耶路撒冷的罪恶;第三首自我叹息、祈求解救;第四首以京城今昔对比来哀叹亡国之恨;第五首祈求安慰与复兴。“哀歌”既有深切沉痛和自咎,又有复兴故国的期望,表现了耶利米爱国至诚的思想和感情。后来,每逢国耻纪念集会,希伯莱人必定要颂唱《耶利米哀歌》。在罗马天主教堂,则通常用于复活节前一周的礼拜。鲁迅先生也曾对《耶利米哀歌》给予了高度的评价。

《耶利米哀歌》也有其他配乐形式,如英国作曲家罗伯特·怀特和托马斯·塔利斯的杰出配器。在伊利莎白一世时期,怀特和塔利斯就分别谱写过咏叹调《耶利米哀歌》,诗文明显受到基督教改革思想的影响,音乐则在英国风格的基础上,加进了咏叹调的词句,这些咏叹调大多在罗马天主教举行礼拜仪式时使用。

2、《在幼发拉底河岸》

希伯莱奴隶合唱《在幼发拉底河岸》选自歌剧《纳布柯》,威尔迪曲,珍芳译词。歌词大意如下:

奔驰吧我们的渴望,去到那深山峡谷的地方,就在那里散发着芳香,那是我们家乡!致敬啊,向着你约旦河致敬,致敬吧,向着锡安山我的母亲。怀念我们美丽的祖国,怀念我们的家乡,苦难的家乡!告诉我先知的金色竖琴,为何不响?为什么被挂在那柳树上?告诉我竖琴啊,为何你沉默不响?为什么你不为我们歌唱?让我们再唱故乡的歌曲,让我们再唱消逝的以往。我们饮过多少苦酒,流尽多少辛酸泪,神圣的祖国啊,快给我们力量,让我们坚持到生命最后时光,生命最后时光!

二、南亚的音乐

南亚音乐的构成,主要以印度音乐为代表。现在的南亚次大陆,除北部尼泊尔等国外,古代统称为印度。恒河、印度河流域的古印度,也是人类文明最古老的发源地之一。在公元前30~6世纪,古印度盛行巫术,这种原始性质的宗教仪式,必须伴有歌唱和舞蹈,并大都有简单的乐器伴奏。古印度音乐的这一特点,一直保持到现在,到公元前20世纪,白色人种的雅利安人从西北进入印度,迫使土著居民大量南迁,在以后的近千年里,雅利安人逐渐从印度河扩展到恒河,并带来了欧洲文化的影响。但是土著文化深刻的烙印,一直在同化着外来文化,印度音乐史上的吠陀赞歌时期就这样开始了(吠陀feituo是梵文有关宗教知识的音译)。

印度古典音乐起源于雅利安人的宗教仪式《吠陀》赞诗,《吠陀》诗集共四部,其中《娑摩吠陀》是一部配曲演唱的诗集,“一种具有生命力的音乐体系形成的典范”。娑摩(SAMAN)这个词的原意即为歌唱的曲调或旋律,而诗集中的诗即为歌词。同我国的《诗经》一样,《吠陀》赞诗的音乐与语言的关系十分密切,音乐的曲调即是语言音调的升华和艺术化。公元前6~4世纪,印度产生了两部不朽的史诗《摩呵婆罗多》和《罗摩衍那》,记载了印度最古老的两种音阶、三种音调、七种调式和印度音乐美学中七种韵味与情趣。约公元2世纪,婆罗多的《乐舞论》出现,从此,印度音乐形成了比较完整的体系。以歌唱、舞蹈进行表演或由鼓、维纳琴或笛子伴奏的颂歌,构成了古代印度音乐的基础。

从4世纪开始,印度屡遭外族入侵,民族音乐的发展受到外来文化的影响,其中波斯、阿拉伯的影响当居首位。此间,印度音乐文化也向外传播,在公元65年后陆续传到了中国。从11世纪起,穆斯林大批进入印度,在他们带来的波斯、阿拉伯世俗音乐的影响下,印度音乐开始摆脱宗教仪式的束缚,音乐风格和特点发生了明显的变化,并形成南北两大风格。以后,印度音乐理论进一步发展,出现了许多卓越的音乐家。

18世纪中叶,印度沦为英国殖民地,民族音乐文化一度处于衰退。自19世纪末,以泰戈尔为代表的一批文学家、民族音乐家,发起了民族音乐的复兴。1947年印度独立后,民族音乐受到了重视和保护,一批音乐机构和音乐院校兴办起来,古典音乐和舞蹈再次在印度文化艺术中占据了重要的地位,并受到世界乐坛的广泛重视,印度的音乐人才也相继从这块富饶的音乐沃土上,带着民族优秀的音乐素养走向了世界。

南亚音乐作品赏析

1、拉伽《德莎》(RAGA DESH)

拉伽是印度音乐的曲调体系,5世纪被首次提及,各种拉伽体系千百年来不断发展,形成了各自不变的音列结构。这首拉伽乐曲在上升音阶中,没有三度音(E)和六度音(A),在下降音阶中,出现小七度音(bB)。强调音是二度音(D)、五度音(G)和特别强调的大七度音(B)。拉伽乐曲与情绪、时间和礼仪场合相关,这首乐曲就是专用于晚上演奏的。这首拉伽的曲调起源于拉加斯坦的民间曲调,所以起了个名字叫“德莎”,是“乡村”的意思,表达了一种愉悦、柔和的复杂感情。演奏是西塔尔琴和塔布拉双鼓。

西塔尔琴是维那乐器的一种,出现于13世纪,流行于印度和南亚。琴体为木制,有两个主要的特征:琴码较宽,由兽角或象牙做成,表面微斜,声音悦耳;有18--20格可移动的金属弦品,这是印度乐器的独有特征,用戴在右手食指上的拨子或指甲弹奏。西塔尔琴有4--7根弦,在主奏弦之下还装有十多根金属共鸣弦。在印度,西塔尔琴古典乐曲有近千首。

塔布拉是一对单面鼓皮能定音的双鼓,流行于印度和南亚。圆柱形的叫塔布拉,木制,演奏用手指击奏,声音较高。半球形的叫巴亚,由焙土或金属做成,声音较低。鼓的表面涂有胶泥,发音清晰,定音准确。塔布拉也可以独奏。

2、印度歌曲《丽达之歌》

《丽达之歌》是印度电影《流浪者》的插曲,塞连特尔词,桑凯尔札伊吉尚曲,旋律具有浓厚的印度民族音乐色彩。

歌词大意:亲爱的,我和你永远也不分离,朦胧中我好像和你在一起。星星落,天发亮还不见你到来,听见我一声声呼唤你?可听见我一声声呼唤你?

第二节 非洲的音乐

非洲全称阿非利加洲,位于东半球的西南部,为次于亚洲的世界第二大洲。非洲人种主要是撒哈拉沙漠以南的黑种人和以北属白种人的阿拉伯人。高原上的非洲大陆,也是世界文明古国的发源地,但苦难的非洲却经历了长达四个世纪的殖民掠夺,传统的音乐文化受到严重摧残。非洲人民没有屈服,他们用特有的方式保存了自己的文明,并为当今世界发出了璀灿的光芒。

一、西非的音乐

非洲音乐这一词汇,是一个多种音乐文化集成的概念,通常指撒哈拉沙漠以南土著黑人的传统音乐。在这块称为黑非洲的古老土地上,有悠久的历史,富饶的资源,勤劳勇敢、善良智慧的人民和宝贵的精神文明。非洲黑人非常善于音乐,这一点,我们可以从非洲音乐的复杂的节奏、多变的音调、丰富的鼓点等相当高度的水平,看出他们的音乐天赋不比白种人低。

非洲文化最早可追溯到公元前8世纪的东苏丹库施文明。而从撒哈拉沙漠的岩画表明,非洲的文明及音乐起源可能还要更早。公元前6~4世纪,非洲有了原始的舞蹈和兽角号,南非的岩画记录了这些早期的音乐生活。非洲民族语言十分复杂,有的民族还有古老的文字,但由于殖民主义的入侵,非洲浩如烟海的文化遗产,竟几乎全是口头流传。而饶有兴味的是,非洲文化的这种流传方式,不但通过民间,还通过职业艺人世袭相传。在西非,他们称这些专门从事演唱、保存和传授口头文化的人为“格里奥”。相传在久远的年代里,西非一些国王身边都有歌吏,他们通过口头传授成为博古通今的学者,是国王的典礼官和顾问。他们通过歌唱的形式,向国王和人民传颂历代帝王的功勋与法律,使他们按照固有的传统执掌风俗习惯,遵循国家礼仪。殖民主义入侵之后,这些歌吏被迫漂流各地,成为流浪艺人或游吟诗人,他们的足迹在黑非洲土地上比比皆是,并深受人民的尊敬和爱戴。的确,他们在保护、创作和传播非洲文化方面,发挥了重要的作用。

在非洲音乐中,说与唱相结合的表演十分流行。一首歌曲的乐句划分,往往同语法结构紧密结合,词语音节的相对值亦反映在歌曲节奏中。由于许多非洲语言是“声调语言”,词的高、低声调,表达不同的意思。因而,音乐旋律的进行也部分取决于语调起伏,部分取决于音乐因素,他们总是把歌曲处理得跟他们语言表达一样。

非洲人有一种自然的多声性,对形成三、四、五度类似奥加农和简单的卡农多声部结构毫无困难。因为他们从小就在音乐、舞蹈活动中学习,成年训练里也包括多声部唱法的训练。非洲的多声部可分为两大类:主调式多声最基本的技巧为平行音程法,各声部地位相等,节奏相同,复调式多声则运用同时进行的几条节奏不同的旋律线,还常有一领众和、对唱和三组进行的表现形式。

非洲人喜爱打击乐器,音乐多由起音强、互不相连的音响组成。非洲人的节奏感非常突出,他们能巧妙地运用节奏这一因素,以有规律的身体运动、拍手、跺脚和打击乐器节奏来表达音乐的语言。非洲音乐的节奏复杂多变,不同的节奏型交替频繁。它们常用于两种情况:一是伴奏,二是独立的鼓乐节奏。非洲的鼓有时是王权、神权和民族的象征,乐队中领鼓手必须技术高超,他们还有一定的社会地位和特权。鼓乐的最高水平当属西非,其独立的旋律式的进行,明暗音色的变化和主题节奏与变奏,甚至可形成交响乐式的主导动机。在此基础上,产生了著名的可传递信息的“非洲鼓语”。非洲音乐节奏的丰富多样,成为世界音乐文化的一大宝藏。

从20世纪60年代开始,非洲的传统音乐引起了整个非洲以及国际的关注,1970年,联合国教科文组织所属的音乐理事会举办了向全世界介绍非洲音乐的讲座。

西非音乐作品赏析

1、《塔玛泰/查欧莉》(象牙海岸)

《塔玛泰/查欧莉》是一首以打击乐器来表达音乐的舞曲,伴以一领众和的人声,节奏交替频繁、复杂多变。跳塔玛泰舞上身要柔软,脚步要快,需大量运动。传说“查欧莉”是一只老虎的女儿,是唯一能跳这种舞蹈的漂亮女人。她死后,再没有第二个女人能跳好这种舞蹈,于是这种舞蹈开始由戴着面具的男人表演。

2、《斯塔琶》(博茨瓦纳)

《斯塔琶》是一首以非洲自然多声为特点的歌曲,采用了领唱、对唱和合唱的表现形式。在非洲博茨瓦纳南部,生长着一种名叫“麦克龙”的大树。因为这种树很大,年轻恋人们常在树后面谈情说爱,以避开老人们的眼光。在《斯塔琶》这首歌中,一个恋人来到麦克龙树下,征求它对未来的意见,因为它是唯一知道他们全部秘密的“有生命的东西”。

二、北非的音乐

在北部非洲的尼罗河畔,有一份全人类艺术史上著名的宝贵遗产,那就是光辉灿烂的古埃及文化。在漫长的史前时期,这里是人类文明的重要发源地之一,生活在这里的古埃及人,用聪明的才智和非凡的能力创造了世界的奇迹。大约在公元前30世纪,古埃及人发明了文字,他们用这种象形文字,在法老的金字塔祷文和古王国墓壁上,记载了他们的歌谣、诗歌、故事和箴言,为后人留下了解那一个时代的极其重要的线索和依据。古埃及法老统治的时代持续了近三千年(公元前3100~332年),这一时期是一个神的王国,一个有丰富音乐文化的王国。当时国内流传着不少歌谣,有一部堪称尽善尽美的《七爱神之歌》,经史料分析,实际上还是一部有歌、舞和乐器伴奏的乐舞。

公元前17~15世纪,西来的喜克索人曾经统治过埃及,埃及也曾征服过叙利亚,埃及音乐与西方音乐最初的交流,就这样开始了。公元前332年,马其顿国王征服埃及,古希腊、古罗马的音乐与埃及音乐产生了融合,随着基督教的传入,以声乐为主的教会音乐也传入埃及。公元640年,阿拉伯帝国统治了埃及,绝大多数埃及人开始信奉伊斯兰教,埃及音乐也随之呈现伊斯兰化,并从而逐渐成为伊斯兰音乐组成中的重要部分。到10世纪中叶,由于当时埃及的统治者十分酷爱音乐,开罗的音乐生活出现了盛况空前的一片繁荣,涌现出许多音乐家和诗人,乐器制作也得到较大的发展。进入19世纪,英国人控制了埃及,欧洲音乐对埃及产生了比其他阿拉伯国家更显著的影响,尤其反映在军乐方面,如穆罕默德.达克尔创作的东方气质的进行曲。

然而,传统的阿拉伯民族音乐在广大埃及人民中仍是根深蒂固的,不少埃及作曲家也注意从中汲取宝贵的营养,创作出了许多具有民族特色的优秀作品。1932年在开罗举办了阿拉伯音乐国际会议,专题研究阿拉伯民族音乐。

北非音乐作品赏析

1、《东方舞曲》

现代埃及舞蹈以女性的“东方舞”最为著名,舞蹈动作以扭胯及牵扯腹、臀为其主要特色,具有独特的风格和韵味。“东方舞”的音乐伴奏一般以阿拉伯盆鼓的节奏,加上唢呐、笛子、竖琴等乐器。《东方舞曲》是一首阿拉伯调式的“东方舞”舞蹈音乐,有着浓郁的阿拉伯民间音乐色彩,乐曲分为引子、正舞、尾声三段,用于民间、宗教节日和喜庆活动中的表演。

第三节 拉丁美洲的音乐

拉丁美洲是对美国以南所有美洲地区的通称,因曾长期沦为拉丁语族的西班牙和葡萄牙的殖民地,现有国家大多通行拉丁语,故称为拉丁美洲。拉丁美洲人种主要是印欧混血种人和黑白混血种人,次为黑人、印第安人和白人。拉丁美洲原为印第安人居住地,因而保留着印第安传统音乐文化,但由于西、葡殖民文化的长期影响和非洲黑人音乐的融入,又使拉丁美洲的音乐文化呈现出多元化的绚丽色彩。

从史前远古至16世纪,拉丁美洲生活着众多的印第安部族,开创了古代印第安文化。公元前后~15世纪,玛雅人建立了强大的奴隶制城邦,创造了灿烂而又神秘的玛雅文化;13~15世纪,墨西哥的阿兹特克部族逐渐强盛,形成了一个奴隶制的国家;12~16世纪,一个幅员辽阔、文化繁荣的印加帝国也在南美洲建立起来。至此,在拉丁美洲形成了三个较大的文化中心。在这些土著印第安民族中,音乐艺术也得到了相当的发展,多种形式的歌谣、乐曲和歌舞,反映了他们这一时期的宗教信仰、生产劳动、战斗历程和世俗节日等生活内容。

印第安人的民族乐器多种多样、用途广泛、造型独特、工艺精巧,许多乐器使用了共同音,这表明印第安人已有相当稳定的音高概念。印第安人对歌手和乐人都赋予了专门的称号,他们也常在建筑物和工艺品上雕刻音乐神的形象,表现出对音乐之神的祟敬。随着16~18世纪殖民者的入侵,拉丁美洲先后论为西班牙、葡萄牙的殖民地,繁荣一度的玛雅、阿兹特克、印加文化逐渐衰亡。欧洲移民带来的大、小调和七声音阶及和声曲式结构;非洲黑奴带来的交错叠置和复杂多变的节奏;与印第安民族的五声音阶、传统乐器及歌舞音乐交融在一起,形成了带有明显混成特点的拉丁美洲音乐。

19世纪后,拉美各国相继独立,在欧洲宗教音乐、意大利歌剧、古典及浪漫乐派作品继续风行的同时,拉美本国的音乐家关注到了民族音乐的发展。他们从民族民间音乐中提取素材进行创作。20世纪初,拉美民族乐派相继形成,并出现了许多在国内外有一定影响的民族作曲家,对世界的民族音乐学和音乐学研究作出了贡献。

当今,拉丁美洲音乐的发展主要分为两方面:第一,继续努力发掘和继承印第安人的传统音乐;第二,突出歌舞音乐在拉美民族民间音乐中的灵魂作用。拉丁美洲一些有代表性的歌曲和舞曲已为世界人民所接受,如古巴的“伦巴”;墨西哥的“松”;智利的“库埃卡”;委内瑞拉的“霍罗波”;阿根廷的“探戈”;巴西的“桑巴”等丰富多彩的歌舞音乐,正在世界各地广为流传。

拉丁美洲音乐作品赏析

1、舞曲《西波涅》

《西波涅》是古巴著名作曲家厄内斯托.莱库奥纳(E·Elecipma 1896~1963)的一首传世佳作,莱库奥纳11岁开始作曲,16岁便在一所音乐学校任教。1913年于国立音乐学院毕业后,赴美国、西班牙、法国举行钢琴独奏会。他虽写过交响曲等作品,但使他出名的却是他的流行音乐作品,其中《西波涅》是最受欢迎的一首,像多明戈这样的著名歌唱家,也把它列为了自己的演出曲目。

《西波涅》以古巴的“波莱罗”舞曲体裁写成,波莱罗(BOLERO,西)原为西班牙舞曲,单三拍子,约出现于1780年。19世纪初传入古巴后,与古巴的桑调相结合,变为二拍子舞曲,且有强烈的切分节奏。波莱罗通常为小调,曲调富于抒情性,洋溢着欢乐的情绪。

西波涅的含义是指古巴的一支印第安土著民族,在西班牙殖民统治期间,这支民族遭到了大规模的残杀。歌曲通过对一位西波涅姑娘的赞美,寄托了对这一民族的思念。歌曲采用了印第安情歌的曲式,从小调开始,转入同名大调后又返回小调。旋律抒情优美、跌宕起伏、热情奔放、明亮欢快。这首动人的歌曲,还被改编成各种器乐曲,成为拉美音乐中风靡世界、脍炙人口的名曲。

2、探戈舞曲《贝萨米.穆乔》

探戈舞曲(TARGO)是西班牙文的音译,20世纪起源于阿根廷的布宜诺斯艾利斯郊区,后迅速传入欧美舞厅。音乐速度稍快,多切分音,近于“哈巴涅拉”。约于1929年引入音乐创作,如斯特拉文斯基的歌剧《士兵的故事》中的探戈。

《贝萨米.穆乔》是“请多吻我”的意思,音乐体现了典型的拉丁乐曲奔放热情的风格,是墨西哥女作曲家、钢琴演奏家维纳斯凯兹(C.Velazguez)1941年的作品。曼陀凡尼乐队将此曲改编为探戈舞曲后,该曲应用更加广泛,也更富有拉丁激情。

3、歌曲《巴比伦河》

《巴比伦河》是一首牙买加民歌,牙买加是位于拉丁美洲加勒比海西北部的一个岛国,1962年获得独立之前是西班牙和英国的殖民地,200多万人口中黑人占多数。在当年,殖民者大批贩运非洲黑人,牙买加一度成为世界性奴隶市场。《巴比伦河》这首歌就是黑奴们被贩卖到异乡他地之后,思念故乡、向往自由的歌唱。

《巴比伦河》速度中庸,具有浓烈的牙买加风格。歌词大意是:

坐在巴比伦河畔,怀念故乡,常常深沉地歌唱,伴着眼泪和悲伤。故乡被白人侵略者践踏,我们被迫远走他方。如今怎样来唱那神圣的歌,在这异土他邦?用心中赤诚的烈火,用对故乡的无限思恋之情,向你献上神圣的歌巴比伦河。

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